DuVicky

Habanos - Hecho a mano en Cuba

2012-02-03T08:00:00.001Z

Há algum tempo que tenho o costume de degustar um charuto ao menos uma vez por semana. Muito embora tenha feito a escalada tabagística ao contrário - isto é, iniciei nos charutos ainda bem moço, passei para o cachimbo e terminei no cigarro, mau hábito que deixei há 14 anos. Mas, talvez por causa disso, alguns parentes e amigos mais próximos considerem-me um expert na matéria. Nada mais falso, apenas aprecio ocasionalmente um bom charuto e o faço normalmente sozinho, nao gosto de ostentação.

Já tive os meus dias de Cohibas, Romeos y Julietas, Montecristos ou Partagas, muito antes de se tornar moda e aparecerem "especialistas" cheios de normas e regras, que tiram toda a graça e a espontaneidade do simples acto de se fumar um bom charuto.

Deixando de lado os modismos e os tiques dos deslumbrados, degustar um bom charuto é de uma simplicidade franciscana. Mas que exige um mínimo de conhecimento, como tudo no mundo. Portanto, para quem se inicia na "nobre arte" o mínimo que se necessita saber para aproveitar bem um bom charuto é o seguinte:

Capa: fundamental na escolha de um charuto. Feita de uma ou mais folhas de tabaco, deve ter uma aparência lisa, viçosa, levemente brilhante. Atenção para rachaduras e fissuras na capa, indica charuto já velho ou de qualidade inferior. Se tiver alguns buraquinhos, dispense imediatamente: o "impuro" está contaminado pela lasioderma serricone, mal que pode ser detectado por um pequeno pó que sai da cabeça do charuto (a parte arredondada).

Enchimento (filler): charutos, em última análise, nada mais são que folhas de tabaco previamente tratadas, fermentadas e enroladas à mão (de preferência) ou industrialmente. O que interessa saber é se são long fillers (enchimento feito com folhas inteiras de tabaco) ou short fillers, estes últimos preenchidos com sobras picotadas ou não dos charutos long fillers. É o que vai dar sabor e "alma" ao seu charuto.

Bitolas: é o comprimento versus diâmetro do charuto. Hoje existem um sem número de bitolas que atendem a todos os gostos, felizmente. Mas basicamente o que o iniciante deve conhecer são as tradicionais:

Churchill - com o o nome indica é uma homenagem ao ex-primeiro ministro inglês, fã incondicional do charuto. É uma peça grande, tem em média de 18 a 20 cm de comprimento por cerca de 2 cm de diâmetro. Leva em média uma hora ou pouco mais para ser consumido com calma. Preferido de muitos antigos charuteiros.

Double Corona - Quase do mesmo tamanho do Churhill, varia de 16 a 18 cm, com 1,9 cm em média de diãmetro. Normalmente de sabor suave.

Corona - A minha bitola de preferência. Mede em média de 13 a 16 cm, com diâmetro variando em torno de 1,8 cm. Leva uns bons 40 minutos de puro prazer.

Robusto - Variam entre 12 e 14 cm por 2 cm de diâmetro. Normalmente são de sabor mais encorpado, mas há exceções. Excelente para após as refeições, duram em média de 45 a 50
minutos.

Graduado: - Bitola bem próxima do Corona, diferencia-se pelo diâmetro em torno de 2 cm.

Claro está, que as dicas acima são mais do que básicas e, por charutos serem feitos à mão - pelo menos as marcas melhores - os tamanhos e diâmetros podem variar. Existem outras denominações: panatelas, belicosos, compactos, pirâmides ou torpedos, e por aí vai. Mas isso é coisa que o iniciante vai descobrindo aos poucos, à medida que vai conhecendo melhor o fascinante mundo dos charutos.

Ok ! Escolheram o vosso charuto e chegou a hora de acender o bicho. O que fazer ? Esqueçam o "show off", e vamos para o básico, novamente.

Primeiro o corte: mantenha a guilhotina firme (cortador) e corte a uns 3 mm da cabeça do charuto (a ponta arredondada, lembre-se...)- normalmente no limite do acabamento da folha e da cabeça. Mas cuidado ! Se cortar demais a capa começará a soltar-se. Se assim não fizerem, a "puxada" não será boa. Com o tempo, pega-se o geito com facilidade.

Para acender use um fósforo longo, ou melhor, um corriqueiro isqueiro a gás (JAMAIS um desses a fluido como o laureado Zippo ou assemelhados). Mantenha a ponta do charuto a uns 5 a 7 cm de distância da chama. Gire seu charuto lentamente próximo à chama, sem sugá-lo, até que ele queime uma parte. Leve-o à boca e puxe suavemente até formar a primeira parte da brasa. Daí em diante o charuto queima fácil, se for um de boa procedência.

Deixe-o queimar bem, dando "puxadas" de 20 em 20 segundos em média. Verifique sempre a brasa até ela queimar por inteiro na ponta. Lembre-se que em charutos, assim como nos cachimbos, não se traga. Charutos pedem introspecção e desfrute bem devagar. Normalmente um charuto "fala" ao que veio a partir do segundo terço do seu comprimento, mas isso não é regra absoluta. Aliás, tratando-se de charutos não há regras absolutas.

Um dos segredos do bom charuto é a sua queima e isso vê-se pela cinza. O bom charuto tem uma cinza clara, regular e de aparência estriada, ao contrário dos inferiores que são mais escuras e em flocos. Ao contrário da crença popular, charutos de alta qualidade (premium) seguram pouco as cinzas, em média coisa de 3 a 5 cm antes de cair. Mas há quem se habitue a aguentar ao máximo a cinza do charuto (eu, por exemplo)...

Charutos são diferentes de cigarros, não se traga em absoluto. Existem os que apreciam inalá-lo e soltar pelo nariz, e isso não se traduz em falta de etiqueta, apenas é questão de hábito. Nisso, a "puxada" é fundamental. Normalmente puxa-se a cada 25 ou 30 segundos, mas aí é questão de costume. A fumaça - de preferencia, densa e de bom fluxo - deve percorrer a boca e ser expelida em pequenos halos. Há quem goste de fazer anéis de fumaça, nada contra. O sabor residual que persiste na boca é que vai determinar o seu grau de satisfação.

Há quem tenha o paladar treinado (não é o meu caso) para identificar traços de couro, madeira, café, terra húmida, noz moscada, óleos essencias, etc. Honestamente, só consigo sentir se é mais apimentado, suave, encorpado ou não. Isso em charutos normais, não consumo aqueles artificialmente flavorizados, que considero de baixa qualidade.

Enfim, para quem começa desaconselho charutos cubanos ou dominicanos, sem dúvida os melhores, mas com preços acima das possibilidades do comum dos mortais. Procurem outras procedências, Brasil, Colômbia, um pouco mais baratos. Mas aí é questão de escolha e de conta pessoal.

Boas fumaças...!

By Mestre Joca
(Fotos reprodução internet)

Aos interessados, não deixem de visitar este site.

Maria Schneider. Dançou o ultimo tango, há um ano

2012-02-03T08:00:00.000Z

Em 1972, um drama romântico italiano dirigido por Bernardo Bertolucci, foi estreado em todos os cinemas á volta do globo, e gerou a maior polémica cinematográfica da época.

O "Último Tango em Paris" abordava o relacionamento doentio e altamente sexual entre um viúvo de meia idade (Marlon Brando, magnífico) e uma jovem parisiense Jeanne, interpretada pela estrela francesa em ascensão Maria Schneider, onde o ápice se configurava numa cena de sodomia com o uso providencial de um tablete de manteiga.

Proibido em vários países pela alta carga emocional e sexual, o filme serviu para catapultar internacionalmente o nome e o cândido rosto de Maria Schneider, logo elevada ao posto de novo sex-symbol da década. Apesar do sucesso mundial imediato, o papel no filme "Último Tango em Paris" trouxe mais dissabores pessoais do que reconhecimento, e respeito por parte do publico.

Perseguida nas ruas, alvo de insultos por toda parte por uma burguesia hipócrita e raivosa, mais tarde Maria Schneider revelou que a tal cena fora ideia de Marlon Brando que a convencera que "era apenas mais uma cena de filme" mas na qual ele actuara de verdade, provocando-lhe lágrimas e dores reais.

Após o filme, Maria Schneider mergulhou pesado no mundos das drogas e em 1974 declarou-se bissexual, chegando a abandonar o set de filmagem de Calígula para se internar de vontade própria num sanatório para doentes mentais em Roma para estar perto de sua namorada da época, a fotógrafa Joan Townsend.

O restante dos anos 70 Maria Schneider atravessou em crises, em overdoses e numa tentativa de suicídio. Mas no início da década de 80 encontrou alguém - que ela nunca revelou ser homem ou mulher - que lhe trouxe paz e serenidade. Apesar dos anos turbulentos, Maria Schneider actuou em mais de 50 filmes e produções para TV entre 1969 e 2008. Foi também uma ferrenha defensora dos papéis femininos no cinema, principalmente para actrizes acima de 40 anos.

Por muitos anos foi a vice presidente da La Roue Tourne, uma entidade assistencial voltada para antigos actores/actrizes franceses desempregados. Foi condecorada em Julho de 2010 com a medalha de Chevalier, Orde des Arts e des Lettres pelo Ministro da Cultura e Comunicação Françês, Frédéric Mitterand, que fora seu protagonista no filme de Jacques Rivette Merry-Go-Round, lançado em 1977.

Maria Schneider morreu a 3 de Fevereiro de 2011. Tinha 58 anos e suas cinzas foram espalhadas aos pés da Rock of the Virgin, em Biarritz, conforme a sua vontade.

Paul McCartney : Stevie Wonder, é um génio !

2012-02-02T09:58:00.004Z

Paul McCartney, 67 primaveras e Stevie Wonder, já com 61, e que trabalharam juntos pela primeira vez em 1982, ao produzirem a canção Ebony and Ivory, sucesso absoluto no Reino Unido e Estados Unidos, uniram-se novamente para gravar, Only Our Hearts, uma das duas composições originais do próximo disco do lendário músico dos Beatles, Kisses On The Bottom.

"Stevie veio ao estúdio Capitol em Los Angeles e ouviu a musica durante, cerca de dez minutos e entendeu rapidamente a ideia”, contou McCartney. "Foi até ao microfone e em 20 minutos fez um solo incrível. Quando se ouve o que ele tocou, pensa-mos: "Como é que ele consegue fazer isto?. Só porque ele é um gênio, é por isso", acrescentou.

O novo álbum de Paul, que está previsto para ser lançado no próximo dia 6 de Fevereiro, também contará com um outro colaborador de peso: Eric Clapton, nos seus 66 aninhos, com quem gravou a composição My Valentine.

No último dia 12 de Janeiro, o músico divulgou a capa do disco e explicou o significado do título. Após especulações de que ele significasse ‘beijos nos fundos’, Paul afirmou que significa ‘beijos no final de uma carta’, nome inspirado na música I’m Gonna Sit Right Down And Write Myself A Letter, de Fats Waller (1904-1943), uma das canções do seu projecto.

Portugal, o meu paraíso gastronómico...

2012-02-01T08:00:00.000Z

Há uns bons anos que deixei de ir a restaurantes estrelados, desses que depois de duas horas de congestionamento de trânsito, paga-se uma nota pelo estacionamento, espera-se uma hora, ou mais em pé, por um lugar numa mesa apertada para comer porções mínimas de uma comida estranha que aparenta ser um monumento ao movimento expressionista e cujas porções são tão pequenas, suficientes somente para alimentar um canário belga.

Muitas das vezes saí desses lugares sentindo-me depenado do meu rico dinheirinho, com uma vontade enorme de parar numa tasca ou numa roulote de beira de estrada , para matar realmente a fome. Alguns mais deslumbrados com a cultura da haute cuisine, seja lá o que isso signifique, dirão que, antes de mais nada, esse é o preço (elevado, diga-se) a pagar por uma "experiência gastronómica". Pois bem, que fiquem com ela.

A verdade é que hoje em dia come-se mal. E paga-se muito. Esquecem os senhores restauranteurs que o que interessa, ao fim e ao cabo, é a satisfação do seu cliente e não atender à sua vaidade pessoal ou ao ego inflamado dos "chefs", que é como se chamam hoje os cozinheiros de antigamente. Descontado o trivial do dia a dia, comer, antes de mais nada, requer atração pela aventura, requer entrega total. Cozinheiros existem em qualquer lugar, variam somente o gosto e a matéria prima.

Pois é. E o que dirão os de estômagos mais sensíveis ao saber que no Japão, por exemplo, se come sashimi feito com o peixe ainda vivo ? Ou no Laos que se serve baratas (não batatas) fritas ? Na Argélia servem-se gafanhotos na brasa, um must ao cair da tarde. No Alasca, território americano, remember..., os nativos lambem os beiços com intestinos crus, de foca. Na Noruega, línguas e caras de bacalhau são o prato do dia. No México, fritada de grilos. Sem falar no Vietname, aonde se come qualquer coisa que ande, nade, voe ou rasteje. E a coisa por aí vai...

Portugal, é um manancial de surpresas quando o assunto é "boa mesa". Dispensem as "obviedades" à base de bacalhau ou as sardinhas assadas na brasa, bacalhau com batatas a murro, o domingueiro cozido á Portuguesa, verdadeiro enfarta brutos, e quejandos. Deliciem-se com os menos triviais, jaquinzinhos e pitingas (esses pequenos peixes fritos que se comem inteiros, com cabeça e tudo, às bateladas), os pipis - nada mais do que fígados e moelas de frango, com um molho pra lá de especial - as bifanas, ou as entremeadas, logo a seguir a uma suculenta sopa de pedra, tudo comido em pé, altas horas da noite, ali na roulote da Marginal . E o que dizer, das tripas á moda do Porto, das cataplanas Algarvias, ou de uma deliciosa sopa Alentejana...huummm, isto está-me a abrir o apetite!

Segundo o jornalista e escritor brasileiro, Ruy Castro - meu consultor gastronómico ao escrever este post no seu artigo "Viagens ao redor do estômago" - há "algo de transcendental no porco português que não se consegue explicar".

E segue sugerindo pezinhos de porco à coentrada (pé de porco cozido num caldo de coentros, incluindo as unhas do bicho, saliente-se), sandes de coirato .Ou os túbaros de porco (testículos do animal guisados e servidos em pires, cortados aos cubos). Ainda segundo Ruy Castro, há outras opções além do porco nas tascas portuguesas. Uma seria as caracoletas grelhadas, ou os mais pequeninos e mais saborosos caracóis, que tanta repulsa provocam aos estranjeiros que nos visitam,

Mas,o interessante, é que o autor recomenda cuidado ao pedir um prato em Portugal. Bobó de camarão. É um perigo, dado o significado da palavra bobó em terras lusas. E moqueca pode ser confundido com queca, isto é, "dar uma rapidinha". Portanto, todo cuidado é pouco devido às dificuldades naturais da língua ( se me permitem o trocadlho infame...).

Hoje em dia prefiro a simplicidade de restaurantes comuns feitos para gente comum, como eu e vocês. Nada de lugares da moda, onde vão para ver e serem vistos. Assim, quando quero massas vou a uma trattoria, pizza a uma pizzaria, carne somente em grills ou churrascarias, peixes e crustáceos em cervejarias . Claro, existem os "temáticos", mas desses passo longe. Só não me dou bem com restaurantes japoneses. Lugar aonde a comida vem crua e o guardanapo cozido, não é para o meu bico....

Bon apéttit...!

Fonte: Adaptação a partir de um texto de Mestre Joca

O que se pode fazer com uma licenciatura em Música

2012-02-01T00:00:00.000Z

É uma das questões que normalmente se faz a quem estuda música: para que é que serve a licenciatura?

Isto quando não perguntam aos músicos o que é que realmente fazem para viver, porque «músico» não rima com «profissão».

Há um gráfico, que circula pela internet, que explica, «cientificamente», o que é que se pode fazer com o «canudo».

Podemos ensinar um pouco, tocar menos um pouco, compor residualmente, e, basicamente, morrer na pobreza.

O grande desafio, portanto, vai ser explorar muito bem essa pequena percentagem que consiste nisso tudo, que não o «morrer na pobreza», e rentabilizar ao máximo.

Para que, depois de morrer na pobreza, se possa deixar qualquer coisa para que nos reconheçam.

É o que costuma acontecer aos artistas.

Copiado, daqui : http://aminhaagenda.aroucaonline.com/

As mentiras que nos querem impingir...

2012-01-31T10:37:00.000Z

Nada melhor do que um pires de tremoços, para acompanhar umas bejecas.

2012-01-31T08:00:00.000Z

O tremoço pertence à família Fabaceae e à espécie Lupinus. O seu nome teve origem na palavra árabe al-turmus. Na vizinha Espanha é conhecido por altramuz, tramúz, entremozo e chocho.

As primeiras referências a esta planta surgem no Egipto há cerca de 3.000 anos.O tremoço é utilizado na alimentação humana e na dos animais, no enriquecimento dos solos, na indústria farmacêutica e na fitoremediação

Sempre pensámos que os tremoços eram péssimos para a saúde devido aos resquícios na memória de uma lenda repetidamente ouvida nos nossos tempos de criança em que teriam sido amaldiçoados pela Nossa Senhora. Fugia a Sagrada Família no seu burrico quando, ao passarem por um campo de tremoceiros já maduros, estes chocalharam ao serem pisados e empurrados pelas patas do animal, denunciando o local de fuga aos seus perseguidores. A santa não lhes perdoou a fraqueza e lançou uma maldição que consistia em nunca matarem a fome a quem os comesse, o que se tornou num bem para as cervejarias e tascas que sabedoras desse castigo continuam a servir pires com tremoços que não matam a fome a ninguém e bem salgadinhos ainda têm a virtude de provocar mais sede e assim aumentarem o consumo das bebidas.

Algumas pessoas não sabem que os tremoços que comemos, foram primeiramente cozidos e depois cobertos de água mudada com frequência por diversos dias até perderem o seu amargo original. Se não houver este procedimento, são completamente intragáveis e altamente tóxicos. Esse amargor é devido à presença de vários alcalóides como a anagirina (usada como cardiotónica e teratogénica), a esparteína (usado como ocitócico e antiarrítmico) a lupanina, (influenciando os centros respiratórios e vasomotores), a luteona e a wighteona. A intoxicação identifica-se por náuseas, vómitos, tonturas, dores abdominais, mucosas secas, hipotensão, retenção urinária, taquicardia.

Esta toxicidade desaparece após a fervura e o demolhar por vários dias, tornando o tremoço doce e um alimento de eleição beneficiando as pessoas e animais que se alimentem dele.

O tremoço é um excelente adubo em verde quando enterrado nas terras porque tem a faculdade de fixar o nitrogénio do ar, absolutamente necessário para o crescimento de novas plantas o que o torna também responsável pelo aparecimento de novos ecossistemas. As suas raízes conseguem descompactar e reduzir a erosão dos solos, ajudando à infiltração de água. Óptimo para melhorar a estrutura física dos solos. Resistente às geadas, gosta de Invernos húmidos e Verões secos.

O tremoço é uma leguminosa tal como o feijão, a fava, o chícharo, o grão de bico, a ervilha, a lentilha, as giestas, os tojos, as olaias, etc. Tem o dobro das proteínas do que a maioria de outras leguminosas. É rico em ferro, fósforo, vitamina E, vitaminas do complexo B, biotina e ácido pantoténico.

Estudos feitos na União Europeia, comprovam a sua acção no controlo dos níveis de açúcar no sangue, na redução do apetite, na diminuição da quantidade de colesterol no sangue, nos efeitos sobre a obstipação intestinal e por último ajudando a evitar o aumento da obesidade. Costumam também ser referidas as suas propriedades emolientes, diuréticas e cicatrizantes, o combate a parasitas intestinais e também o seu estímulo na renovação das células favorecendo a regeneração da pele.

Em França existe um produto comercializado para o fortalecimento capilar utilizando peptídeos, vitaminas e oligoelementos retirados ao tremoceiro. Há uma série de tratamentos caseiros que aconselham a ingestão de um ou mais tremoços amargos com a água de demolhar (ambos tóxicos) todas as manhãs em jejum para baixar o colesterol, os valores glicémicos ou as dores artríticas, mas nem nos arriscamos a divulgar aqui por ignorarmos o seu impacto nos organismos de cada um.

Christina Aguilera e Stevie Wonder homenageiam Etta James no seu funeral

2012-01-30T17:34:00.000Z

O funeral da cantora Etta James, morta aos 73 anos no passado dia 20 de Janeiro, contou com homenagens de nomes como o presidente norte-americano Barack Obama, Christina Aguilera e Stevie Wonder, estes dois últimos que reinterpretaram clássicos da cantora no último sábado, 28. A cerimónia ocorreu na igreja City of Refuge, em Los Angeles, segundo o jornal britânico The Guardian.

A cerimónia. ocorreu em Los Angeles no último sábado, dia 28, com reinterpretações de clássicos da cantora.

Christina interpretou "At Last", uma das músicas mais famosas da cantora, de autoria de Mack Gordon e Harry Warren. Stevie Wonder, por sua vez, apresentou "Shelter in the Rain" e a oração "The Lord's Prayer", esta última cantada à capela.

"Etta será lembrada por sua voz legendária e as suas contribuições para a nossa herança musical", escreveu Barak Obama, num comunicado lido pelo Reverendo Al Sharpton.

"Eu sei que ela fará uma imensa falta a todos que conheceram e amaram."

Vencedora de seis prêmios Grammy e 17 Blues Music Awards, Etta entrou para o Hall da Fama do Rock em 1994. Oito anos mais tarde, passou a integrar também o Blues Hall of Fame.

"Você derrotou-os, Etta", disse o Reverendo Sharpton, fazendo uma referência à "At Last". "Enfim, você pode encontrar a paz agora! Enfim, você pode receber a gratidão de seu salvador! Etta, você conseguiu, está voltando para casa."

O velório do corpo de Etta James teve lugar na última sexta-feira, 27 de Janeiro, no cemitério de Inglewood.

Internada, inicialmente em Maio por causa de uma infecção sanguínea, Etta foi diagnosticada com uma leucemia crónica e incurável no início de Dezembro, o que agravou sua condição.

As Grandes Bandas Inglesas dos Anos 60 - The Zombies

2012-01-28T12:36:00.000Z

Rod Argent teclista, Paul Atkinson guitarrista, Hugh Grundy baterista reuniram-se na escola de St. Albans em 1961, para fazer o que todos os adolescentes ingleses naquela época faziam. Tocar Rock'n Roll. Juntouse-lhes mais tarde, o baixista Paul Arnold, que trouxe comsigo, o talentoso cantor Colin Blunstone, um estudante e atleta de topo, que estava para se fixar num emprego de futuro, numa companhia de seguros, mas que não resisitiu ás promessas de uma vida mais agitada, mais glamorosa, mas mais incerta.

O grupo escolheu logo o nome The Zombies e começou a dar espectáculos ao vivo nos bares da sua área, tocando o rock dos anos 50, e alguns temas de soul music, reportório comum a centenas de bandas inglesas, que despontaram naquela época.

Paul Arnold, cujo interesse pela musica e por aquela vida incerta, foi diminuindo, acabando por sair, e seguir a carreira da medicina, sendo substituído por Chris White no baixo.

Em 1962 a banda começou por fazer os seus shows em bares e pequenas festas particulares em St. Albans, conquistando um público fiel, e uma reputação alicerçada na técnica do teclista Rod Argente, e na particularidade da voz de Colin Blunstone.

Em 1963, seria o ano em que todos começariam a Universidade, pelo que alguns dos elementos, começaram a falar em sair da banda para proseguirem os estudos. Foi quando, Rod Argent e Chris White, numa jogada de antecipação, inscreveram a banda num concurso de talentos local, "The Herts Beat Contest", que tinha como prémio para o grupo vencedor, um contrato com a Decca Inglesa .

Rod e Chris esperavam que se ganhassem o concurso, iriam manter a banda unida. The Zombies conseguiram então ser contratados para fazer as primeiras partes das outras bandas, tocando para grnades platéias aonde os espectadores atingiam as duas mil presenças, e mesmo antes da final, foi-lhes oferecido um contrato pela Decca. Os seus fãs organizaram um forte e constante apoio, e em consequência, The Zombies ganharam o concurso. A banda tornou-se profissional e em 1964, e começaram a gravar para a Decca.

O produtor Ken Jones ficou impressionado com a qualidade das composições de Rod Argent e de Chris White, mas apaixonou-se em particular pelo tema "She's Not There" e sugeriu que a mesma fosse o lad A do primeiro single, que já estava gravado, tendo nessa face do 45 Rpm , o clássico "Sumertime", que foi logo posto de parte. Para o lado B, foi escolhido uma composição do baixista Chris White, "You Make Me Feel Good".

A canção foi a primeira amostra, do que viriam a ser as jóias originais dos Zombies, e que iria torná-los, em retrospecto, numa das melhores bandas inglesas desse período. O single foi um sucesso mundial em 1964. The Zombies estavam no topo da popularidade e das tabelas de vendas nos dois lados do Atlântico. Tudo corria ás mil maravilhas. "She's Not There", foi mesmo apresentada num popular programa de televisão, "Jukebox Jury", na mesma semana em que o convidado do painel de juris, era George Harrison que gostou bastante da música, e esta chegou mesmo ao primeiro lugar nos Estados Unidos.

O single seguinte, "Leave Me Be", foi bem recebido, mas não chegou a destacar~se nas listas de vendas. O terceiro single, "Tell Her No", foi um hit menor em Inglaterra, mas alcançou o Top 10 nos USA. A banda voou para os Estados Unidos e integrou um "pacote" artistico com nomes como Patti LaBelle e os Bluebells e Jackson Chuck. Em seguida, fizeram o habitual percurso pelas grandes salas de espectáculo, na terra do Tio Sam, sempre a abarrotar de jovens adolescentes, que não perdiam uma apresentação de todas as bandas inglesas que nessa altura, "invadiram" os USA. Foi a época dourada para os grupos ingleses, que vieram posteriormente a originar que esse momento, fosse apelidado, de "The British Invasion", comandada, sem qualquer contestação pelos Fab Four de Liverpool, The Beatles.

Os Zombies também conseguiram um enorme sucesso no Japão, Filipinas, aonde tiveram cinco dos seus temas no Top 10, e em outros territórios do mundo.

De volta à Inglaterra, aonde as suas canções não conseguiam impressionar o publico, dado que a Decca, foi muito sovina no apoio, na divulgação dos temas do grupo,até porque tinha muitas outras bandas do mesmo registo, chegaram a pensar em despedir os Zombies, alegando que eles não seriam os criadores de sucessos que prometeram no inicio do contrato. Valeu o tema "Tell Her No", que vendia acima das expectativas.

"She's Coming Home" e "I Want You Back" alcançaram algum destaque no Reino Unido, mas ambas foram sucessos menores nos EUA em 1965.

A banda também contribuiu com músicas para a banda sonora do filme "Bunny Lake Is Missing" e fez uma breve apariçaõ no mesmo.

Outro single musicalmente excepcional, "Whenever You're Ready" também falhou na Grã-Bretanha á semelhança dos seus três antesucessores.

Desilusão, e desespero no seio da banda com Rod e Chris, a tentarem manter o ânimo dos restantes membros. Para ajudar, tiveram igualmente alguns problemas com o produtor Ken Jones, que trabalhava com eles desde o início. Acabariam por se separar amigávelmente.

A banda estagnou, e não estava a fazer nenhum dinheiro tampouco, e embora o grupo conseguisse assinar um novo contrato com a CBS Records, os Zombies, decidiram sair da gravadora, mas não, sem antes gravarem um álbum final, "Odessey e Oracle", que foi auto-produzido com a intenção de ser mais representativo do som real da banda, e que foi concluído no Abbey Road Studios no final de 1967. De acordo com entrevistas na época, o erro ortográfico de "Odyssey", ou seja a troca do "y" por um "e", foi deliberada e tinha todos os tipos de significados profundos e significativos. Rod Argent, posteriormente, admitiu a razão mais prosaica: o artista gráfico, tinha errado a palavra, mas sem tempo para corrigir o trabalho, na gráfica, optaram por dixar sair a capa com o erro e inventaram a tal história dos significados profundos. Fizeram até uma reportagem acerca da capa, e acabando por comparar as músicas a odes de Shakespeare.

A CBS / Columbia não estava disposta a lançar um álbum de uma banda que tinham despedido, mas o produtor, Al Kooper, teclista dos Blood Sweat And Terars, lutou para que o LP fosse editado, que finalmente saiu em Julho de 1968. O primeiro single do álbum "Odessey e Oracle",foi o "Care of Cell 44" composiçaõ maravilhosa não conseguiu vender. O mesmo aconteceria com os dois singles que se seguiram. Quase como uma reflexão tardia, "Time Of The Season" foi finalmente lançado como single - um último suspiro. Nada aconteceu, mas uma estação de rádio nos Estados Unidos fez do tema o seu "power Play". Muito lentamente, a situação foi-se alterando, levando o single até ao Top 5 no final de 1968 e início de 1969.

A CBS clamavam por mais composições dos Zombies, os promotores começaram a oferecer grandes somas de dinheiro para que a banda voltasse a gravar, mas já havia passado um ano desde a separação dos Zombies e o interesse deles, diminuiu, acabando por recusar a ideia. Rod Argent e Chris White já tinham começado a trabalhar no seu novo projecto "Argent", e Colin Blunstone tinha começado uma carreira solo. Eventualmente, em pedaços, os Zombies geraram mais hits nas listas de vendas do Reino Unido durante os anos 70 do que aqueles conseguidos enquanto banda nos anos 60.

Três dos maiores sucessos dos Zombies, são agora clássicos do rock, e "She's Not There" tem sido gravado por outros artistas, tais como os Vanilla Fudge, Santana, The UK Subs, e mesmo Colin Blunstone, durante a sua carreira a solo. The Zombies reuniu ram-se em 1991 para gravarem o álbum chamado "New World" que nunca foi lançado em os EUA apesar da influência poderosa sobre Zombies bandas como The Kinks, The Left Banke, Procol Harum e inúmeros outros, The Zombies estão entre os grupos menos valorizados da história do rock.

Numa terça-feira, 25 de Novembro de 1997, no Clube de Jazz, de Londres, todos os Zombies originais voltaram ao palco e tocaram ao vivo - pela primeira vez em 28 anos!

As bebidas energéticas são o café de uma nova geração

2012-01-27T08:00:00.000Z

Bebida energética ou energético é uma bebida não alcoólica que estimula o metabolismo e tem como finalidade fornecer ao consumidor, energia através, sobretudo, da ingestão de taurina.

Comecemos por analisar a composição destas bebidas:

-Taurina: é um aminoácido que participa em funções fisiológicas importantes, como a excreção rápida de produtos tóxicos no organismo. Não se conhece bem os efeitos de seu consumo sobre a nossa saúde em longo prazo.

-Glucoronolactona: é um carboidrato que possui função desintoxicante e auxilia na metabolização de substâncias.

-Cafeína: acelera a cognição, ou seja, o acto ou processo de conhecer, a atenção, diminuindo a fadiga e aumentando o estado de vigília.

-Inositol: este componente da glicose previne a acumulação de gorduras no fígado e melhora a comunicação cerebral, a memória e a inteligência.

-Vitaminas: as principais encontradas nos energéticos são a niacina, B6, B12, riboflavina e ácido pantoténico. A sua presença está relacionada à reposição das doses recomendadas.

A união destes componentes resulta numa bebida agradável ao paladar e que proporciona energia e ausência de sono potenciando a nossa actividade, retirando-nos a sensação de cansaço ou de sono. Uma única lata é capaz de garantir estes efeitos durante três horas, dependendo do organismo da pessoa.

É comum os estudantes consumirem elevadas doses de bebidas energéticas para aumentar a sua concentração, durante as suas vigílias de estudo nocturnas, o que precisam de fazer, com um elevado esforço mental.

"As bebidas energéticas são o café de uma nova geração", diz Stéphanie Côté, nutricionista da Universidade de Montréal. "Essas bebidas são feitas de açúcar e cafeína e podem ter um impacto negativo sobre a saúde."

De acordo com um relatório de 2008, o consumo de bebidas energéticas apresenta uma tendência crescente para a faixa etária entre 18 a 24 anos de idade. Este segmento de mercado continua a crescer, à medida que crianças mais jovens começam a consumir estas bebidas antes de começarem mesmo a fazer qualquer tipo de actividade física.

Mas estas bebidas não são recomendados para atletas ou crianças com idade inferior a 12.

As bebidas energéticas não cumprem o mesmo objectivo que as bebidas desportivas, também chamadas de isotónicos. Estas bebidas à base de água, sais minerais e carbohidratos têm a função de repor líquidos, electrólitos e carbohidratos que costumam ser perdidos, principalmente, através do suor, durante actividades físicas intensas.

"As bebidas energéticas não hidratam o corpo de forma eficiente", diz Côté. "Porque têm demasiado açúcar. E a cafeína não melhora necessariamente o desempenho físico. Em grandes quantidades, pode mesmo aumentar os riscos de fadiga e desidratação".

Vários estudos têm demonstrado que fortes doses de cafeína pode aumentar a hipertensão arterial, causar palpitações cardíacas, provocar irritabilidade e ansiedade, bem como causar dores de cabeça e insônia. Os Laboratórios de Nutrição Humana não recomendam que o consumo exceda em qualquer circunstância mais de duas latas por dia.

Mas muitos jovens não respeitam esta advertência. Além disso, perto de 50 por cento de jovens entre os 18 a 24 anos de idade afirmam consumir bebidas energéticas misturadas com álcool. Vodka Red Bulls está na moda, apesar das advertências, de que é perigoso misturar bebidas energéticas e álcool.

"Normalmente quando alguém consome muito álcool, a cabeça gira e sentimo-nos cansados. As bebidas energéticas anulam estes sinais", explica Côté. "A pessoa sente-se bem e, portanto, continua a beber sem se aperceber que já está intoxicada."

Este comportamento pode ser destrutivo para o organismo a curto e a longo prazo, causar danos severos de saúde e em alguns casos, mesmo a morte.

Mulheres grávidas jamais devem usar energéticos, já que tal acto pode provocar aborto espontâneo ou o nascimento de uma criança, de baixo peso.

Lionel Richie - Tuskegee, um álbum country de duetos

2012-01-26T08:00:00.000Z

Lionel Richie voltará às suas raízes no Alabama com Tuskegee, álbum que sai no dia 27 de Março.

Serão 13 dos maiores sucessos do cantor em duetos com estrelas do country, incluindo Tim McGraw, Blake Shelton, Kenny Chesney e Jason Aldean, entre outros.

O disco terá novas versões de "Say You, Say Me", "You Are", "Sail On", "Hello" e mais destaques da carreira multiplatinada de Richie.

Os outros artistas que fazem parte do projeto são Jennifer Nettles, do Sugarland, Rascal Flatts, Darius Rucker e Shania Twain, assim como os veteranos Kenny Rogers, Willie Nelson e Jimmy Buffett.

Richie e seus amigos também gravarão um show especial no dia 2 de Abril, em Las Vegas, que será exibido posteriormente pelo canal norte-americano CBS.

O artista claramente ama Tuskegee, a cidade onde cresceu. Lionel Ritchie, disse num comunicado que a cidade é "aonde eu aprendi sobre a vida, o amor e o poder da música, o lugar onde construí a minha base musical, que desconhece gêneros ou limites".

Richie já é um velho conhecido do mundo do country, com as suas frequentes aparições nos Country Music Association Awards. As suas músicas já ganharam covers de gente como Kenny Rogers e Conway Twitty.

"Tuskegee" segue "Just Go", de 2009, na discografia do veterano cantor norte-americano.

Divulgados os nomeados para o Oscar 2012, 48ª Edição

2012-01-25T09:23:00.000Z

A Academia de Artes e Ciências Cinematográficas de Hollywood anunciou nesta terça, 24 de Janeiro, os indicados aos Oscar 2012.

Jennifer Lawrence,foi a apresentadora dos filmes e artistas que concorrem ao prémio mais famoso do cinema. Ao lado dela estava Tom Sherak, o presidente da Academia.

Dois brasileiros estão nomeados este ano: Carlinhos Brown e Sérgio Mendes, com a música “Real in Rio”, trilha do filme Rio.

A entrega dos prémios da 84ª edição do Oscar acontecerá em 26 de Fevereiro, no Kodak Theatre, em Los Angeles, na Califórnia, com apresentação de Billy Crystal. Esta será a nona vez que ele serve de mestre de cerimonias do evento.

Vejam aqui a lista com todos os nomeados.

Best Supporting Actress
Berenice Bejo – The Artist
Jessica Chastain – The Help
Melissa McCarthy – Bridesmaids
Janet McTeer – Albert Nobbs
Octavia Spencer – The Help
Best Supporting Actor
Kenneth Branagh – My Week with Marilyn
Jonah Hill – Moneyball
Nick Nolte – Warrior
Christopher Plummer - Beginners
Max Von Sydow - Extremely Loud and Incredibly Close
Best Actress
Glenn Close – Albert Nobbs
Viola Davis – The Help
Rooney Mara – The Girl with The Dragon Tattoo
Meryl Streep – The Iron Lady
Michelle Williams – My Week with Marilyn
Best Actor
Demian Bichir - A Better Life
George Clooney – The Descendants
Jean Dujardin – The Artist
Gary Oldman – Tinker Tailor Soldier Spy
Brad Pitt – Moneyball
Best Director
Michel Hazanavicius
Alexander Payne
Martin Scorsese
Woody Allen
Terrence Malick
Best Original Screenplay
Michel Hazanavicius – The Artist
Annie Mumolo & Kristen Wiig – Bridesmaids
J.C. Chandor - Margin Call
Woody Allen – Midnight in Paris
Asghar Farhadi - A Separation
Best Adapted Screenplay
The Descendants
Hugo
The Ides of March
Moneyball
Tinker Tailor Soldier Spy
Foreign Language Film
Bullhead
Footnote
In Darkness
Monsieur Lazhar
A Separation
Animated
A Cat in Paris
Chico & Rita
Kung Fu Panda 2
Puss in Boots
Rango

Best Picture
War Horse
The Artist
Moneyball
The Descendants
The Tree of Life
Midnight in Paris
The Help
Hugo
Extremely Loud and Incredibly Close

Os benefícios da picante.

2012-01-24T15:03:00.000Z

Quem usa o picante, piri piri, djindungo, pimenta, como lhe quiserem chamar, ou seja, chamem-lhe o que quiserem e consoante os lugares aonde o estão a consumir, no dia-a-dia, está a beneficiar, além de tempero, de uma série de medicamentos naturais, com propriedades tão variadas, que vão do analgésico, ao anti-inflamatório, ao xarope, ás vitaminas, benefícios que os povos primitivos descobriram há milhares de anos, e que agora estão a ser comprovados pela ciência. A pimenta do reino faz bem à saúde e o seu consumo é essencial para quem tem enxaquecas. Esta afirmação pode ser uma surpresa para muitas pessoas que, até hoje, acham que o condimento que pica, que arde, deve ser evitado.

Esta especiaria, traz consigo alguns mitos, como por exemplo o de que provoca gastrite, úlcera, pressão alta e até hemorróidas. Nada disso é verdade. Por incrível que pareça, as pesquisas científicas mostram justamente o oposto! A substância química que dá à pimenta o seu carácter picante, é exatamente aquela que possui as propriedades benéficas à saúde.

No caso da pimenta-do-reino, o nome da substância é piperina. Na pimenta vermelha, é a capsaicina. Surpresa! Elas provocam a liberação de endorfinas - verdadeiras morfinas internas, analgésicos naturais extremamente potentes que o nosso cérebro fabrica!

O mecanismo é simples: Assim que se ingere um alimento apimentado, a capsaicina ou a piperina activam receptores sensíveis na língua e na boca. Esses receptores transmitem ao cérebro uma mensagem primitiva e genérica, de que a sua boca estará a "pegar fogo". Tal informação, gera, imediatamente, uma resposta do cérebro no sentido de nos salvár desse fogo: começamos então a salivar, a transpirar e o nariz fica húmido, tudo isto tem a finalidade de provocar uma sensação de alivio, de frescura.

Além disso, embora a pimenta não tenha provocado nenhum dano físico real, o cérebro, enganado pela informação que a boca está a arder, inicia, de imediato, a fabricação de endorfinas, que permanecem um bom tempo no nosso organismo, provocando uma sensação de bem-estar, uma euforia, um estado alterado de consciência muito agradável, causado pelo verdadeiro banho de morfina interna do cérebro. E tudo isto sem nenhuma gota de álcool!

Quanto mais picante for a malagueta, mais endorfina é produzida! E quanto mais endorfina, menos dor e menos enxaqueca. E tem mais: as substâncias picantes das pimentas (capsaicina e piperina) melhoram a digestão, estimulando as secreções do estômago. Possuem efeito carminativo (antiflatulência) e estimulam a circulação no estômago, favorecendo a cicatrização de feridas (úlceras), desde que, é claro, outras medidas alimentares e de estilo de vida sejam aplicadas conjuntamente.

Existem cada vez mais estudos demonstrando a potente ação antioxidante (antienvelhecimento) da capsaicina e piperina. Pesquisadores de todo o mundo, não param de descobrir que a pimenta, tanto do género piper (pimenta-do-reino) como do capsicum (pimenta vermelha), tem qualidades farmacológicas importantes. Além dos princípios activos capsaicina e piperina, o condimento é muito rico em vitaminas A, E e C, ácido fólico, zinco e potássio. Tem, por isso, fortes propriedades antioxidantes e protetores do DNA celular. Também contém bioflavonóides, pigmentos vegetais que previnem o câncro.

Graças a essas vantagens, a planta já está classificada como alimento funcional, o que significa que, além dos seus nutrientes, possui componentes que promovem e preservam a saúde. Hoje é usada como matéria-prima para vários remédios que aliviam dores musculares e reumatismo, desordens gastrintestinais e na prevenção de arteriosclerose. Apesar disso, muitas pessoas ainda têm receio de consumir este medicamento natural, pois acreditam que possa causar mais mal do que bem. Pois fiquem a saber, que diversos estudos recentes têm revelado que a pimenta não é um veneno

nem mesmo para quem tem hemorróidas, gastrite ou hipertensão

Vejamos as maleitas que as malaguetas, o picante, cura:

Baixa imunidade - A pimenta tem sido aplicada em diversas partes do mundo no combate à sida com resultados promissores.

Câncro - Pesquisas nos Estados Unidos apontam a capacidade da capsaicina de inibir o crescimento de células de tumor maligno na próstata, sem causar toxicidade. Outro grupo de cientistas tratou seres humanos portadores de tumores pancreáticos malignos com doses desse mesmo princípio activo. Depois de algum tempo constataram que houve redução de 50% dos tumores, sem afectação das células pancreáticas saudáveis ou efeitos colaterais. Já em Taiwan, os médicos observaram a morte de células cancerosas do esôfago, aquando do uso do picante.

Depressão - A ingestão da iguaria aumenta a liberação de noradrenalina e adrenalina, responsáveis pelo nosso estado de alerta, que está associado também à melhoria do ânimo em pessoas deprimidas.

Enxaqueca- Provoca a liberação de endorfinas, analgésicos naturais potentes, que atenuam a dor.

Esquistossomose - A cubebina, extraída de um tipo de pimenta asiática, foi usada numa substância semi-sintética por cientistas da Universidade de Franca e da Universidade de São Paulo. Depois do tratamento (que tem baixa toxicidade e, por isso, é mais seguro), a doença em cobaias foi eliminada.

Feridas abertas - É anti-séptica, analgésica, cicatrizante e anti-hemorrágica quando em pó, é colocado directamente sobre a pele lesionada.

Gripes e resfriados - Tanto para o tratamento quanto para a prevenção dessas doenças, é comum recomendar a ingestão de uma pequena pimenta, malagueta por dia, como se fosse um comprimido.

Hemorróidas - A capsaicina tem poder cicatrizante e já existem remédios com malaguetas para uso tópico.

Infecções - O alimento combate as bactérias, já que tem poder bacteriostático e bactericida, e não prejudica o sistema de defesa. Pelo contrário, até estimula a recuperação imunológica.

Males do coração - A pimenta caiena tem sido apontada como capaz de interromper um ataque cardíaco em 30 segundos. Contém componentes anticoagulantes que ajudam na desobstrução dos vasos sanguíneos e activam a circulação arterial.

Obesidade - Consumida nas refeições, estimula o organismo a diminuir o apetite nas seguintes. Um estudo revelou que a pimenta derrete os excessos de energia acumulados em forma de gordura corporal. Além disso, aumenta a temperatura (termogênese) e, para dissipá-la, o organismo gasta mais calorias. As pesquisas indicam que cada grama queima 45 calorias.

Pressão alta - Como tem propriedades vasodilatadoras, ajuda a regularizar a pressão arterial.

A ser verdade, é muito bom, né?

By: Mestre Joca

A Campanha de Fernanda Montenegro : Salvem os homens!

2012-01-23T08:44:00.000Z

O texto abaixo, retirei-o aqui da net, como sendo de autoria da actriz Fernanda Montenegro, uma das divas Brasileiras, do teatro, cinema e televisão. Não sei se procede a origem, mas como é muito bem elaborado e transborda perspicácia e inteligência, tenho que o publicar aqui no meu pedaço. Por razões óbvias, vai escrito ao geitinho bem Brasileiro, entendeu ?

"O modo de vida, os novos costumes, e o desrespeito à natureza tem afectado a sobrevivência de vários seres e entre os mais ameaçados está o macho da espécie humana. Tive apenas um exemplar em casa que mantive com muito zelo e dedicação, num casamento que durou 56 anos de muito amor e companheirismo (1952-2008) mas, na verdade, acredito que era ele quem também me mantinha firme no relacionamento.

Portanto, por uma questão de auto-sobrevivência, lanço a campanha "Salvem os homens!". Tomem aqui meus poucos conhecimentos em fisiologia da masculinidade a fim de que preservemos os raros e poucos exemplares que ainda restam:

1 - Habitat
Homem não pode ser mantido em cativeiro. Se for engaiolado, fugirá ou morrerá por dentro. Não há corrente que os prenda e os que se submetem à jaula perdem o seu DNA. Você jamais terá a posse ou a propriedade de um homem, o que vai prendê-lo a você é uma linha frágil que precisa ser reforçada diariamente, com dedicação, atenção, carinho e amor.

2. Alimentação corretaNinguém vive de vento. Homem vive de carinho, comida e bebida. Dê-lhe em abundância. É coisa de homem, sim, e se ele não receber de você vai pegar de outra. Beijos matinais e um 'eu te amo’ no café da manhã os mantêm viçosos, felizes e realizados durante todo o dia. Um abraço diário é como a água para as samambaias. Não o deixe desidratar. Pelo menos uma vez por mês é necessário, senão obrigatório, servir um prato especial. Portanto não se faça de dondoca preguiçosa e fresca. Homem não gosta disso. Ele precisa de companheira autêntica, forte e resolutiva.

3. Carinho
Também faz parte de seu cardápio – homem mal tratado fica vulnerável a rapidamente interessar-se na rua por quem o trata melhor. Se você quer ter a dedicação de um companheiro completo, trate-o muito bem, caso contrário outra o fará e você só saberá quando não houver mais volta.

4. Respeite a natureza.
Você não suporta trabalho em casa? Cerveja? Futebol? Pescaria? Amigos? Liberdade? Carros? Case-se com uma Mulher. Homens são folgados. Desarrumam tudo. São durões. Não gostam de telefones. Odeiam discutir a relação. Odeiam shoppings. Enfim, se quiser viver com um homem, prepare-se para isso.

5. Não anule sua origem.
O homem sempre foi o macho provedor da família, portanto é típico valorizar negócios, trabalho, dinheiro, finanças, investimentos, empreendimentos. Entenda tudo isso e apoie.

6.Cérebro masculino não é um mito.
Por insegurança, a maioria dos homens prefere não acreditar na existência do cérebro feminino, mas não gostam de mulheres burras. Por isso, procuram aquelas que fingem não "possuí-lo" (e algumas realmente não possuem! Também, 7 bilhões de neurónios a menos!). Então, aguente mais essa: mulher sem cérebro não é mulher, mas um mero objecto de decoração. Se você se cansou de coleccionar amigos gays e homossexuais delicados, tente se relacionar com um homem de verdade.

Alguns vão lhe mostrar que têm mais massa cinzenta do que você. Não fuja desses, aprenda com eles e cresça. E não se preocupe, ao contrário do que ocorre com as mulheres, a inteligência não funciona como repelente para os homens. Não faça sombra sobre ele...Se você quiser ser uma grande mulher tenha um grande homem ao seu lado, nunca atrás. Assim, quando ele brilhar, você vai pegar um bronzeado. Porém, se ele estiver atrás, você vai levar um pé-na-bunda.

Aceite: homens também têm luz própria e não dependem de nós para brilhar. A mulher sábia alimenta os potenciais do parceiro e os utiliza para motivar os próprios. Ela sabe que, preservando e cultivando o seu homem, ela estará salvando a si mesma.E minha amiga, se você acha que homem dá muito trabalho, case-se com uma mulher e aí você vai ver o que é mau humor!

Só tem homem bom quem sabe fazê-lo ser bom!Eu fiz a minha parte, por isso meu casamento foi muito bom e consegui fazer o Fernando muito feliz até o último momento que um enfisema que o levou de mim. Eu fui uma grande mulher ao lado dele, sempre.

Com carinho, Fernanda Montenegro."

Fonte : Mestre Joca

Vai uma bejeca ?

2012-01-21T08:00:00.000Z

Dizem os especialistas e estudiosos que os Sumérios, povo que viveu na Mesopotâmia, actual Iraque, por volta de 5400 A.C. foram os primeiros a obter uma bebida a partir da fermentação de cereais. Outros já atribuem aos Egípcios o que seria uma versão rudimentar da nossa conhecida cerveja. Ou do chope, melhor dizendo, como dizem os nossos irmãos Brasileiros. Mas porquê chope? Eu explico.

O chope (do alemão Schoppen, "copo de meio - litro", pelo francês chope) é como se denomina, no Brasil, a cerveja sem pasteurização, servida sob pressão, que em Portugal recebe o nome de fino ou imperial.

Um fino (no Norte e nalgumas zonas do Centro de Portugal) ou uma imperial (no Centro e Sul do país) é uma cerveja servida sob pressão num copo fino e alto. A cerveja em copos finos tem origem em Coimbra, Portugal, quando a cerveja de pressão era ainda servida em copos largos (como canecas) até que, os estudantes começaram a pedir cervejas em copos altos e finos, daí o nome.

O chamado "colarinho" é uma camada de espuma que, apesar de evitado por alguns, é um importante componente da bebida, devendo ter por volta de três dedos (ou três centímetros), de maneira a impossibilitar que o calor interfira em sua temperatura, servindo como isolante térmico entre a temperatura ambiente e o frescor interno. A espuma é basicamente composta pelas partículas da bebida intercaladas com gás carbônico (CO2), que, entre outras propriedades, ajuda a evitar que o chope esquente rapidamente.

A cerveja, já foi utilizada na Antiguidade como pagamento de trabalhadores braçais ou como produto de beleza, uma vez que as mulheres lhe atribuiam propriedades para o rejuvenescimento da pele. Atravessou os tempos e já na Idade Média foi fabricada e desenvolvida nos conventos, aonde os monges católicos lhe deram o sabor e aroma porque hoje é conhecida.

Em 1839, na cidade Checa de Pilsen, os mestres cervejeiros descobriram a cerveja... de baixa fermentação, que resultou numa bebida clara, de sabor suave e de maior duração para o consumo.

Para o Brasil, a cerveja foi levada pela familia real Portuguesa, em 1808. Mas o primeiro anúncio público de uma cerveja, foi no Jornal do Comércio do Rio de Janeiro, em 27 de outubro de 1836.

E falava sobre o Chopp Barbante cujo método rudimentar de fabricação produzia grande quantidade de gás carbônico. Daí o uso de um cordel para segurar a rolha e impedir que esta saltasse fora...

E quais são as matérias primas essencias para se produzir uma boa cerveja ?

1 - Água: é o principal componente em quantidade e sendo de baixa salinidade, confere maior qualidade á cerveja.

2 - Malte: é obtido da germinação do grão da cevada, especialmente seleccionada para a produção da bebida.

3 - Lúpulo: é uma planta, cujas folhas possuem resinas amargas e óleos essenciais, que caracterizam o sabor da boa cerveja.

4 - Fermento: é o microorganismo ou levedura, que transforma o amido do malte em álcool na fermentação da cerveja. Cada cervejaria possui o seu próprio processo de fermentação e que a diferencia das outras marcas.

Afinal, qual é a diferença entre cerveja e o chope, fino ou imperial ? É a pasteurização, nada mais que o aquecimento da cerveja envasada, até uma temperatura de 60 graus centígrados, a fim de conferir estabilidade e maior durabilidade ao produto. Traduzindo, cerveja é um liquido que foi pasteurizado.

E quando a vossa esposa ou namorada começarem a implicar com o facto de vocês beberem umas bejecas a mais, desfie alguns destes argumentos incontestáveis:

- A cerveja é uma das bebidas de menor teor alcoólico do mundo, somente de 3 a 4% ; e além disso a oxidação do etanol da cerveja ocorre rapidamente.

- Devido a presença de ácidos orgânicos, nucléicos e voláteis da fermentação, a cerveja tem uma ação diurética superior à da água.

- Se consumida com moderação (hum...dificil essa...!), a cerveja ajuda alto o nível de HDL - o colesterol bom - e diminui a hipertensão arterial.

- A cerveja contém um teor importante de vitaminas do Grupo B e fosfatos. Além disso, aumenta a produção de ácidos no estômago, estimulando o fluxo de sangue e facilitando a digestão.

By: Mestre Joca

Bruce Springsteen - Wrecking Ball

2012-01-20T08:00:00.000Z

O novo álbum de Bruce Springsteen, "Wrecking Ball", será lançado em 5 de Março e o seu primeiro single, "We Take Care of Our Own", já está à venda na loja virtual da Apple, a iTunes.

"Wrecking Ball", 17º álbum da carreira do "boss", conta com 11 músicas. O tema que dá título ao álbum foi apresentado num show em Outubro no estádio dos Giants de Nova Jersey, a cidade natal de Springsteen.

O disco foi produzido por Ron Aniello, que trabalhou no último disco da mulher de Springsteen e integrante da E Street Band, Patti Scialfa, além de contar com a colaboração do guitarrista Tom Morello e do ex-baterista do Pearl Jam, Matt Chamberlain.

"Wrecking Ball" é o primeiro disco de Springsteen após a morte em Junho de Clarence Clemons, o saxofonista da E Street Band. Todos os outrosmembros da banda, tocam neste álbum. Recorde-se que em 17 de Abril de 2008, o teclista Danny Federicci, tinha igualmente falecido, e foi substituído por Charles Giordano.

Segundo as informações publicadas nestes dias pela imprensa especializada internacional, Springsteen aborda nas letras das suas novas músicas as desigualdades provocadas pela actual crise económica e os movimentos de protesto social.

O "boss", como é conhecido o cantor norte-americano, fez com Ron Aniello um novo tipo de som neste álbum, que mistura os ritmos clássicos do rock com os do hip-hop e do folk irlandês.

Recorde-se que Bruce Springsteen está confirmado para a edição deste ano do Rock In Rio Lisboa. O concerto é no dia 3 de Junho.

Wrecking Ball Tracklist:

01. We Take Care of Our Own
02. Easy Money
03. Shackled and Down
04. Jack of All Trades
05. Death to My Hometown
06. The Depression
07. Wrecking Ball
08. You’ve Got It
09. Rocky Ground
10. Land of Hope and Dreams
11. We Are Live
12. Swallowed Up (iTunes Bonus Track)
13. American Land (iTunes Bonus Track)

Nara Leão e Elis Regina, as Rivais

2012-01-19T12:28:00.002Z

Rivais na cena musical e na vida amorosa, Elis Regina e Nara Leão compartilham uma data: esta quinta-feira, 19 de Janeiro.

No mesmo dia em que se completam 30 anos da morte da criadora do sucesso “Águas de Março” entre outros, a musa da Bossa Nova, que aderiu à Jovem Guarda e ao Tropicalismo comemoraria 70 anos de idade.

Apesar da coincidência na efeméride, as homenagens às cantoras não são proporcionais.

Elis terá o lançamento do projecto dos filhos Maria Rita e João Marcelo Bôscoli "Viva Elis", uma exposição multimídia que será exibido no Brasil em 2012, além dos shows de Rita em homenagem à mãe. A cantora também tem uma releitura da sua biografia, "Furacão Elis", republicada pela editora Leya este mês, no Brasil.

O canal Viva apresenta o programa "Som Brasil: Tributo a Elis Regina", com entrevistas de familiares e um show que reuniu quatro mil pessoas no Rio de Janeiro.

A colectânea "Elis Regina nos Anos 60" apresenta 12 álbuns do início da carreira da cantora. Posteriormente, outra box com mais doze CD's será lançado com raridades e a segunda parte da sua discografia.

Já Nara Leão, "ganhou" uma página na web, criada pela filha Isabel Diegues com streaming das suas músicas, cartas, rascunhos e uma cronologia completa da sua vida. Em entrevista à Folha de S. Paulo, e em entrevistas em programas de televisão (aqui), Isabel Diegues afirmou que é um "presente" pelo aniversário da mãe. A gravadora responsável por Nara, a Universal, disse não ter nada especial preparado.

Vejam algumas das coincidências cronológicas das duas divas da musica Brasileira:

Nara Leão nasceu em Vitória em 19 de Janeiro e morreu aos 47 anos vítima de um tumor cerebral em Junho de 1989
Elis Regina morreu aos 36 anos em 19 de Janeiro de 1982 depois de ser encontrada morta por causa de cocaína e álcool.

Nar Leão namorou com Ronaldo Bôscoli quando trabalhava no jornal "Última Hora", onde o jornalista trabalhava. O namoro terminou depois de o músico ter um caso com Maysa Matarazzo .
Elis casou-se com Ronaldo Bôscoli em 1967. Com ele teve o filho João Marcelo Bôscoli. Ronaldo morreu de câncer na próstata em 1994

Na série "As grandes rivalidades", da extinta revista "Manchete", as duas cantoras apareceram para um ensaio fotográfico no dia 19 de Janeiro...

Elis disse que não suportava Nara e queria ir embora dali. As entrevistas foram feitas separadas

Nara foi sempre uma activista politica:
"Tenho esse rótulo, que começou quando apareci com o sucesso de "A banda", do Chico Buarque". Elis Regina concorreu no mesmo festival e, dali em diante, aconteceram coisas que pessoalmente me desagradaram. Essa agressividade pueril e desequilibrada não é interessante para nenhuma de nós" declarou Nara Leão na sua biografia

Elis define as diferenças entre as duas:
"Eu sou muito calorosa. A Nara Leão, por exemplo, é uma pessoa que tem uma paciência histórica, sentou, esperou que tudo se acertasse e fez um disco certo. Aliás, ela sempre faz as coisas certas nas horas corretas e para as pessoas exatas. Eu sou uma guerreira. pego numa metralhadora para sair atrás de quem me enche o saco". Disse Elis Regina, em vida.

O proceso que destrui a carreira de Wilson Simonal,

2012-01-18T10:02:00.002Z

Nenhum artista sofreu uma perseguição política e foi inapelavelmente condenado pela ala esquerdista encravada na cultura brasileira do que Wilson Simonal. Nascido em 1938 no Rio de Janeiro e filho de uma empregada doméstica, Wilson Simonal de Castro começou a cantar quando ainda era cabo do Exército Brasileiro.

O seu repertório nesta época, 1961, baseava-se em calypsos e standards americanos, sendo acompanhado pelos conjuntos Dry Boys e Os Guaranis. Após uma apresentação no programa de TV "Os Brotos Comandam", apresentado por Carlos Imperial, foi logo contratado para actuar nas melhores casas nocturnas de diversão, como o Drink , e o Top Club. Daí para o famoso Beco das Garrafas, reduto da bossa nova, foi um pulo, levado pela dupla Luis Carlos Miéle e Ronaldo Bôscoli.

Cantor de inesgotáveis recursos vocais, bom músico e dotado de um excepcional senso rítmico e divisão musical, Wilson Simonal começou a fazer nome e a ganhar estilo próprio, juntamente com o crescimento da Bossa Nova, no meio a uma geração de músicos, compositores e cantores que iriam compor aquilo que se convencionou chamar de MPB, Música Popular Brasileira.

Entre 1966 e 1967, apresentou o programa "Show em Si...monal", na TV Record de São Paulo, revelando-se aí um grande showman com perfeito domínio das plateias. É desta época que acompanhado do excelente trio Som Três (César Camargo Mariano, Sabá e Toninho) liderou um movimento bastante swingado, logo catalogado de pilantragem, idealizado por Carlos Imperial e que juntava elementos do samba e da soul music.

Os seus grandes sucessos na época eram "Meu Limão, Meu Limoeiro", "Vesti Azul", "Mamãe Passou Açúcar em Mim", "País Tropical", "Sá Marina", entre tantos outros. Em 1970, Simonal atingira o topo na MPB. Era o artista mais aclamado e bem pago do show business Brasileiro. Acompanhou a Seleção Brasileira de futebel na Copa do México, tendo se tornado amigo de vários jogadores tri-campeões como Jairizinho e Carlos Alberto Torres.

A sua imensa capacidade de comunicar com as massas, o assédio popular e da imprensa, tornou-o no artista preferido do governo militar que o escolheu para actuar em alguns espectáculos públicos. Isso irritou profundamente certos sectores esquerdistas da imprensa alternativa Brasileira, principalmente O Pasquim, que não poupava críticas corrosivas ao cantor, acusando-o de ser o cantor oficial do sistema, controlado pelos militares.

Mas por trás desta perseguição stalinista havia também outra leitura, originada pelo preconceito racista de parte da elite intelectual Brasileira, que não perdoava a um artista negro, que usava carros e roupas, que na época eram um luxo por serem importadas do estrangeiro e ainda por cima, era casado com uma mulher loura.

A derrocada de Simonal deu-se em 1971, quando o cantor foi vítima de um desfalque e demitiu o seu contabilista, o suposto culpado. Este moveu uma acção no tribunal de trabalho contra o cantor. Em Agosto de 1971, Simonal recrutou dois amigos (um deles era seu segurança) militares, para darem "uma lição" ao contabilista. Ester foi torturado, inclusive com choques eléctricos, tendo a sua família sido ameaçada de morte. Afinal, acabou assinando a confissão de culpa no desfalque.

O que Simonal não contava era que a mulher do farçola tinha apresentado queixa na polícia pelo sequestro do marido. Quando este voltou para casa, a mulher convenceu-o a colocar outro processo contra Wilson Simonal.

Foi processado e acusado de extorsão e sequestro do contabilista. Simonal ainda levou como testemunha o policia, que o tinha denunciado como "bufo", denunciante, ao serviço da policia militar Brasileira, mas outra testemunha de defesa, um oficial do I Exército na época, afirmou que o réu colaborava assiduamente com o exército.

Simonal foi julgado culpado pelo sequestro e em 1972, condenado a uma pena de cinco anos e quatro meses, que cumpriu em liberdade. Nos autos, Simonal era referido como colaborador das Forças Armadas e informador do Dops, a policia do regime. Em 1976, num acórdão do Tribunal de Justiça do Rio de Janeiro, também é referida a sua condição de colaborador do Dops.

Apesar de nunca ter sido provada nenhuma colaboração ou participação em acções que o ligassem á repressão militar, o meio artístico Brasileiro, juntou-se e apontou o dedo acusador contra Wilson Simonal. Foram poucas as vozes se levantaram a seu favor..

O humorista Chico Anysio e o jornalista Nelson Motta, entre outras personalidades, afirmam que até á presente data não apareceu uma vítima sequer das ditas denuncias de Wilson Simonal. O jornal O Pasquim, frente de luta contra a ditadura militar, através de pessoas como Ziraldo e Jaguar, ocupou-se de propagar as acusações que destruíram a carreira de Simonal. Quando foi questionado, por que é que não havia sido verificada a veracidade das informações, Ziraldo respondeu que não havia motivos para duvidar das fontes.

Wilson Simonal caiu em absoluto esquecimento a partir da década de 1980.

Dizia para mim: 'Eu não existo na história da música brasileira'", conta a sua segunda mulher, Sandra Cerqueira. Tornou-se um deprimido e um alcoólatra, vindo a morrer com complicações decorrentes do alcoolismo em Junho de 2000.

Em 2002, a pedido da família, a Comissão Nacional de Direitos Humanos da Organização dos Advogados Brasileiros, abriu um processo para apurar a veracidade das suspeitas de colaboração do cantor com os órgãos de informação do regime militar. Além de depoimentos de artistas e de material enviado por familiares e amigos, existia no processo um documento de Janeiro de1999, assinado pelo então Secretário nacional dos Direitos Humanos, José Gregori, no qual este atestava que, após pesquisa realizada nos arquivos de órgãos federais, como o Serviço Nacional de Informações e no Centro de Informações do Exército (CIEx), não foram encontrados registros de que Wilson Simonal tivesse sido colaborador, servidor ou prestador de serviços daquelas organizações.

Em 2003, concluído o processo, Wilson Simonal foi moralmente reabilitado pela Comissão Nacional de Direitos Humanos da Ordem dos Advogados do Brasil (OAB), em julgamento simbólico.

Desmascarados em público, e sem nunca terem provado as acusações que faziam, os detractores de Simonal ainda tentaram, dez anos depois da sua morte, condená-lo novamente, apresentando um documento que nunca aparecera antes, e que demonstraria as ligações íntimas de Simonal com o regime militar. Mas depois provou-se que tal documento nada mais era do que uma tentativa de Simonal para escapar de um provável processo por agressões ao seu contabilista, invocando para isso ajuda oficial da polícia para provara sua inocência.

Segundo Ricardo Alexandre, autor do livro "Nem vem que não tem - a vida e o veneno de Wilson Simonal", há motivos para os detractores de Simonal pensarem que ele era um boneco nas mãos da direita, pois cantou músicas como "Brasil, eu fico". Não há notícias, contudo, de uma pessoa concreta que tenha sido denunciada por Simonal. Afirma o mesmo Ricardo Alexandre que está coberto de razão quem compreende que foi crucificado pela esquerda numa campanha de difamação, pois foi vítima de uma "mídia inclemente atrás das manchetes".

Em 2009, foi lançado o documentário "Simonal - Ninguém sabe o Duro Que Dei", dirigido por Cláudio Manoe (da equipe do Casseta e Planeta), Micael Langer e Calvito Leal.

Segundo Cláudio Manuel, Simonal "pagou uma pena dura demais, desproporcional para uma surra, porque a sua condenação foi até ao fim da sua vida. Para ele, não houve "amnistia".

Fonte : Mestre Joca e Wikipedia

Village People

2012-01-17T08:00:00.000Z

No inicio da década de 70, o compositor e produtor francês Jacques Morali, visitou os Estados Unidos como vencedor de um concurso patrocinado pela 20 Century Fox. Em Nova York, participou num baile de máscaras no Les Mouches, uma discoteca gay em Greenwich Village. Enquanto olhava ao redor da sala, ficou impressionado com todos os "estereótipos macho/masculinos encarnados" pelos convidados da festa, todos mascarados conforme a sua fantasia . A ideia surgiu-lhe: Por que não montar um grupo de cantores e dançarinos, cada um mascarado, com uma fantasia diferente?

Felipe Rose, um dançarino profissional, mascarou-se naquela noite, como um índio americano. Foi o escolhido para ser lançado como a "imagem" do grupo, em primeiro lugar. Em seguida foi escolhido o cantor Alexander Briley, como o militar, soldado / marinheiro. Victor Willis, o policia de trânsito, que já tinha experiência de palco por ter participado em musicais na Broadway, tais como The Wiz e The River Níger, completou o trio como vocalista e letrista . O seu papel foi dividido entre o comandante naval e o policia de trânsito. Como todos tinham sido recrutados em Greenwich Village, Morali decidiu chamá-los "Village People". A administração da banda, faz questão de frisar que não há o "The" antes do nome do grupo.

O seu primeiro LP foi lançado em 1977, e exclusivamente direccionado para o mercado gay. Como o álbum teve grande aceitação no mercado discográfico, Morali, achou que o grupo tinha que ter mais figurantes, tendo logo iniciado audições para recrutr mais três membros. O actor de televisão, Randy Jones foi contratado para o papel de cowboy. Glen Hughes, que era portageiro no Brooklyn Battery Tunnel, foi escolhido para ser o motard, todo vestido de couro, papel que já era o seu na vida real. E por último foi David Hodo, o trabalhador da construção musculado e todo maquilhado em tons espelhados. Amante das façanhas bizarras, havia conseguido um papel no programa da TV "What's My Line?", patinando no gêlo e cuspindo fogo, o que lhe granjeou alguma notoriedade, e lhe abriu as portas para o mundo da musica.

A faixa título de seu segundo álbum, "Macho Man", foi um sucesso menor no verão de 1978, mas o álbum, foi platina. Em seguida, no outono, lançaram o seu terceiro álbum, "Cruisin '". Desse LP, destacou-se o seu maior hit, editado logo em single, o famigerado, "YMCA".

"Fomos sempre muito positivos sobre o que era essa grande instituição, o YMCA (Young Men's Christian Association)", disse Randy. Tinham excelentes programas para jovens e idosos. Foi por isso que decidimos cantar sobre o seu trabalho ".

A YMCA, foi fundada em 06 de Junho de 1844 em Londres, e tinha como finalidade colocar em prática os princípios cristãos "mente sã em corpo são". No começo, os funcionários do YMCA ficaram preocupados com a música. Não sabiam quem eram os Village People ou o que eles representavam, e não tinham a certeza se a música era uma homenagem, ou uma paródia com fins obscuros.

"Entendemos o ponto de vista da YMCA", explicou Randy, "conversamos sobre isso antes de gravar o tema. YMCA é uma marca e uma marca deve ser protegida. Se eles permitissem que uma pessoa ou um grupo a violassem os seus direitos, faria da YMCA um domínio público, e haveria uma corrida á comercialização de escovas de dentes YMCA, T-Shirts YMCA, toalhas YMCA... tudo seria marchandasing, do qual a instituição não teria qualquer controle ou lucro. David e eu tentámos comunicar isso aos nossos produtores, mas não conseguimos passar a mensagem. Então, quando o YMCA se tornou um hit mundial, houve uma decisão judicial decretando que tudo o que tivesse a sigla YMCA, seria propriedade da Young Men's Christian Association. Mas naquela época, já todo o pessoal da instituição, viam o nosso tema, como um jingle comercial de grande impacto e gratuito, que só teve como efeito popularizar o seu trabalho. Então foi tudo óptimo, ouro sobre azul ".

Segundo a revista Rolling Stone, YMCA vendeu mais de 12 milhões de cópias em todo o mundo. Passou um semestre inteiro nas listas de vendas, atingindo o topo em Fevereiro de 1979.

Os Village People tiveram um outro grande hit, "In The Navy", na primavera desse mesmo ano. No outono seguinte, o vocalista Willis, insatisfeito com o managing do grupo, saiu "por mútuo acordo". Esta saída, aconteceu dias antes do inicio das filmagens do primeiro filme do grupo, "Can't Stop the Music". Ray Simpson foi contratado para substituir Willis, mas de alguma forma as coisas não eram as mesmos. Lançado em Junho de 1980, o filme, que contou com YMCA, foi um desastre de bilheteira.

Em 1981, os Village People reorganizaram-se e renunciaram ás suas raízes Disco Sound. Anúncios de página inteira nas revistas da especialidade exibiam o seu novo visual e publicitavam o seu novo som, como sendo do tipo "Bowie rockers". Mas com o desaparecimento do Disco Sound os Village, foram rapidamente esquecidos pelo público. Separaram-se em 1986 para seguir as suas carreiras a solo. Voltaram a reunir-se em 1988 e continuam a fazer tournées.

Os Village People comemoraram o seu 20 º aniversário com uma tournée pelos U.S.A. que incluiu o Madison Square Garden o Radio City Music Hall, em Nova York, e o Greek Theatre de Los Angeles. Realizaram um documentário único, a partilha de música e cultura, com os aborígenes da Austrália intitulada "Village People Go North, Down Under". O VH-1 e a MTV têm passado os trabalhos em video clips dos Village People nos seus programas.

Jacques Morali morreu em 15 de Novembro de 1991 com SIDA, e Glenn Hughes, o bigodudo motard, morreu de cancro nos pulmões em Março de 2001 tendo sido sepultado vestido com a sua roupa de motociclista.

A nova encarnação dos Village People fizeram uma tournée com Cher durante sete meses em 2004 e 2005.

Victor Willis, o comandante naval/policia, foi notícia novamente em Janeiro de 2006, motivado por uma querela breve com a lei. Felizmente para os fãs dos Village People, Victor recuperou e, em 2007, fez nova tournée para celebrar o 30 º aniversário das suas gravações iniciais com os Village People.

Tango, um pensamento triste, que se dança.

2012-01-16T08:00:00.000Z

"Es (el tango) un pensamiento triste que se baila" - Enrique Santos Discépolo

Ao enlaçar sua parceira na pista de dança, não é a alegria que o move, nem a ele, nem a ela. Os passos felinos e o apuro duvidoso do par anunciam aos presentes um acontecimento quase que metafísico: bailarão um tango!

O dançarino por vezes nem tira o chapéu que lhe vai inclinado na cabeça. Um lenço qualquer lhe envolve o pescoço. Ela, bela, com os cabelos presos, rodopia numa saia justíssima, aonde se abre uma generosa fenda.

O ritmo sincopado e malevolente que escutam ao fundo é de um bandoléon soluçante, de um violino e de um piano. Executam então os dois o mais lascivo dos balés que se conhece. Se a melodia é chorosa, as letras, antigamente cantadas em lunfardo - o latim dos marginais portenhos - são heterogéneas e devastadoras. É a lírica de vidas destroçadas por traições e falsidades, por desilusões e crimes. Mulheres pérfidas e amigos traidores, são o sal da dramaturgia tanguista:

- "Mi china fue malvada, mi amigo era un sotreta".

É a estética de um mundo canalha e ressentido. E não é para menos. Filho do lupanar e do bowling, da taverna da periferia de Buenos Aires, o tango nasceu no meio de duelos de garrucha e de punhais, travados nas sombras malditas do subúrbio, que lhe salpicaram os cueiros de pólvora e sangue. Teve como escola as então perigosas barrancas do Rio da Prata com seu intenso tráfico de carnes.
Atribuem-lhe, como à maioria dos bastardos, muitos pais, todos ilegítimos. Resultou ele de um curioso sincretismo: a milonga nativa, argentina pura, misturou-se de malgrado com as cantorias italianas, sicilianas e napolitanas, trazidas pelos milhares de imigrantes peninsulares "invasores", que chegaram a Buenos Aires há bem mais de um século atrás.

Não há entre os argentinos quem não palpite ou divague sobre o tango.

Juan Pablo Echegüe por exemplo só viu sexo nele, um retorço de obscenos. E não está longe da verdade. Afinal os parceiros são uns fingidos. Ele, em trajes de rufião, aparenta protegê-la quando de facto a explora. A bailarina não lhe fica atrás. Simula entregar-se por amor e não por medo.

Para E. Martinez Estrada, o grande ensaísta do Pampa, vê nele apenas automatismo, a robotização dos movimentos. O tango, assegura ele, é um "baile sem expressão, monótono, com o ritmo estilizado de um ajuntamento. Não tem, diferente das demais danças, um significado que fale aos sentidos, com uma linguagem plástica, tão sugestiva, ou que suscite movimentos afins no espirito do espectador, pela alegria, ou entusiasmo.

É um baile sem alma, para automatos, para as pessoas que renunciaram às complicações da vida mental e se recolhem ao nirvana. É deslizar-se. Baile de pessimismo, ....baile das grande planícies sempre iguais de uma raça esgotada, subjugada, que a percorre sem fim, sem um destino, na eternidade do seu presente que se repete. A melancolia provém dessa repetição, do contraste que resulta ver dois corpos organizados para os movimentos livres submetidos a uma fatídica marcha mecânica de animal maior." (Radiografia de la Pampa, 1933, pag.162)

Já Ernesto Sábato sente profunda candura pelo tango. "É uma sublimação", disse, "uma busca desesperada pelo verdadeiro amor. Nauseados pelo sexo mercenário, pelo proxenetismo descarado que os cerca, homem e mulher encenam, ainda que com arabescos eróticos, o que lhes ocorre ser, na sua imaginação de desesperados, uma autentica e pura paixão". Daí aquela seriedade ensimesmada dos bailarinos: En mi vida tive muchas, muchas minas, pero nunca una mujer!"- eis ai a utopia do tango: encontrar um amor genuíno.

A mistura entre o criollismo e o gringuismo - entre seus inventores encontra-se um Poncio e um Zambonini -, fez com que uns intransigentes, uns xenófobos, negassem sua natureza argentina. Não tinha para eles o aroma saudável do pampa. Ao contrário, o tango transpirava a perfume de mundana, a suor forte, carcerário, do compadrito mal encarado, gente estranha à verdadeira platinidade.

Não foi esta opinião de Jorge Luis Borges para quem a prova mais evidente e irrefutável do argentinismo do tango é que nenhum outro maestro, ou outro músico - em todos os cantos do planeta por onde escutou-se o lamento do seu acordeão - conseguiu despertar o mesmo sentimento que qualquer tanguero platino provoca.

A universalização do tango - imortalizado por Carlos Gardel nos anos vinte, seduzindo os bem-nascidos e chiques que tomaram-no como exemplo de elegância - assemelhou-se ao sucesso da valsa no século 19. Impressionante metamorfose. Como no conto de fadas, o sapo virou príncipe.

A opereta do bordel do arrabalde arrebatou o Teatro Colón. E não só isso! Perante esta maré montante que há anos nos assola, a do rock anglo-saxão - tribal, autista, ensurdecedor -, o tango, tão bem lembrado por Carlos Saura em seu filme Tango (1998), passou a ser a última esperança de um dançar civilizado na cultura ocidental."

By: Mestre Joca

The Good and Old, Jack Daniel's

2012-01-15T08:00:00.000Z

Não sou chegado a modismos, ainda mais no tocante a bebidas alcóolicas. As poucas preferências que mantenho na área são obra da experimentação e depuração ao longo dos anos. Portanto, longe de mim dar uma de "especialista" ou "entendido" (ôpa, ôpa...!) em algum assunto. Parto sempre do velho princípio de que é preferível saber um pouco sobre muito do que muito sobre pouco. Na pior das hipóteses, o papo fica mais interessante.

É o caso do bom e velho Jack Daniels. Quando foi moda há alguns anos atrás, alguns especialistas em scotch wiskhy torceram o nariz e botaram a boca no trombone. Bobagem, apenas preconceito gerado pela ignorância ou má vontade com o uísque americano. Mas gritaram com uma certa razão, por causa da confusão montada por esses falsos apreciadores.

A rigor, o Jack Daniel´s não é um bourbon como é regularmente conhecido. Esta nomenclatura aplica-se somente aos uísques produzidos no estado americano do Kentucky. Fabricado na minúscula cidade de Lynchburg, no Tennessee, desde 1866 pelo destilador que lhe deu o nome, transformou-se ao longo dos anos num dos uísques mais vendidos do mundo. A sua famosa garrafa quadrada com o rótulo preto é um dos mais conhecidos ícones da cultura americana até hoje.

Fabricado com uma mistura de milho, centeio, malte de cevada e água isenta de ferro, tampouco é um rye ou canadian whisky. Na classificação dos destilados é enquadrado como tennessee whisky, pois as grandes diferenças de temperatura entre inverno e verão do Tennessee, aliado ao seu elaborado e cuidadoso processo de fabricação conferem ao Jack Daniels seu sabor e coloração amadeirada incomparáveis.

Há alguns anos atrás tive a oportunidade de visitar a fábrica num tour guiado e verificar o seu processo de elaboração: após a mistura de seus ingredientes, o uísque é suavizado num processo chamado de charcoal mellowing, isto é, destilado lentamente em gigantescos recipientes, passando através de uma camada de três metros de carvão de bordo.

Este processo leva em média dez dias, proporcionando ao uísque durante essa destilação, a incorporação da essência do carvão, a fim de refinar a bebida. Daí é armazenado em barris de carvalho para que "respire", ou seja amadurecido enquanto o excesso de álcool seja volatilizado por evaporação, podendo causar perdas de até 30% do seu volume original ao fim do processo.

O Jack Daniel´s é "amadurecido" em barris de carvalho novos e utilizado somente uma vez para este fim, e não "envelhecido" como no processo tradicional de fabricação dos uísques. Somente a experimentação é que vai determinar o momento em que o uísque adquire o sabor, cor e qualidade que se espera de um Jack Daniel´s. Todo esse cuidado já garantiu várias medalhas de ouro ao redor do mundo, garantindo à marca de Lynchburg o reconhecimento como uma dos melhores uísques já fabricados.

Importante, o Jack Daniel´s deve ser servido em copo pequeno e bebido à maneira cowboy, isto é, um rápido shot (de virada). Mas alguns tontinhos desavisados inventaram de bebê-lo on the rocks ou - sacrilégio - adicionando um pouco de água, hábitos herdados dos (maus) bebedores de scotch wiskhy.

No meu caso, gosto do Jack Daniel´s puro. Às vezes, faço uma concessão num Manhattan para fazer companhia a um charuto Bolívar Royal Corona de boa procedência. Como música de fundo, Ballads, do John Coltrane Quartet. A companhia é por vossa conta...E o paraíso não deve estar muito longe disso.

By: Mestre Joca

O Texas Blues

2012-01-14T09:50:00.001Z

Gosto de blues e não faço grande distinção entre os diversos estillos, mas existem sempre aqueles que adoram rótulos, como uma maneira de demonstrar a sua oseudo profundidade de conhecimento. Alguns "especialistas" costumam dividir o blues em três grandes vertentes: o Delta, o Chicago e o Texas Blues. É certo que há diferenças básicas entre essas três, digamos escolas, algumas mais acústicas, outras mais electrificadas.

O que se convencionou chamar de Texas Blues é uma espécie de variação do blues original. Alguns consideram como um sub-gênero, pois tem um swing todo especial e difere dos outros estilos pelo uso mais frequente dos solos de slide guitar como ponte melódica e diferentes melodias oriundas tanto do blues como do jazz.

Historicamente, o Texas Blues começa a aparecer no início do Século XX, tocado por negros norte americanos que trabalhavam nos campos de petróleo ou na exploração da madeira.

Um dos primeiros criadores do estilo foi Blind Lemon Jeffersson que na década de 1920, inovou ao usar improvisações como as de jazz e um acorde único para o acompanhamento da guitarra. Johnson foi fundamental ao definir o campo de ação do estilo e serviu de base e referencia para os bluesmen que vieram depois, como Lightning Hopkins e T-Bone Walker.

Nos anos 30, durante a Grande Depressão americana, muitos bluesmen mudaram-se para as cidades do Texas, principalmente Galveston, Houston e Dallas. E foi nesses centros urbanos que apareceu uma nova onda de músicos que iriam desenvolver sobremaneira o estilo Texas Blues, como o cantor gospel e slide guitar Blind Willie Johnson e a lendária vocalista Big Mama Thornton, entre eles.

T-Bone Walker fixou-se em Los Angeles nos anos 40, onde influenciado pelo R&B, e gravou no seu trabalho os primeiros sons de guitarra eléctrica nas gravações do blues moderno, e que seria depois aperfeiçoado em Chicago por artistas do calibre de Muddy Waters.

A base do R&B texano estava em Houston onde gravadoras como a Duke/Peacock se afirmou nos anos 50 como a plataforma para artistas que mais tarde fariam o blues eléctrico do Texas, incluindo Johnny Copeland, Albert Collins ou mesmo Freddie King que, embora se tenha mudado cedo para Chicago, era texano de nascimento. Hide Way, por exemplo, o seu tema "assimatura", instrumental (1961) foi gravada por vários artistas, entre eles, Eric Clapton.

No final da década de 1960 e no começo dos anos 70, o Texas blues eléctrico começou a prosperar, influenciado pela música country e pelo blues-rock, particularmente nos clubes de Austin. O estilo frequentemente apresentava instrumentos como teclados e de sopro, mas tinha uma ênfase especial nos solos de guitarra.

Os mais destacados artistas que então surgiam eram os irmãos Johnny e Edgar Winter que combinaram estilos tradicionais e do sul dos EUA. Nos anos 70, Jimmy Vaughan formou a banda The Fabulous Thunderbirds e na década de 1980, o seu irmão Steve Ray Vaughan apareceu no mainstream com a sua virtuosidade, ao mesmo tempo que se destacavam os ZZ Top com a sua marca de Southern Rock.

Fonte : Mestre Joca e Wikipédia

One Flew Over The Cucko's Nest - (Voando sobre um Ninho de Cucos)

2012-01-13T03:00:00.000Z

Famoso por conquistar os 5 principais prémios do Oscar 1975 (filme, direcção, actor, actriz e roteiro), One Flew Over The Cucko's Nest é um retrato irreverente e poderoso sobre o homem versus a engrenagem. É o manifesto de Michael Douglas, produtor, ao lado de Saul Zaentz, contra o fracasso da peça teatral baseada no mesmo livro, que levou a Warner Bros. a desconfiar do sucesso de seu projecto (quem adquiriu os direitos de adaptação de Ken Kesey foi o pai do actor, Kirk Douglas). O resultado foi impressionante: com o apoio de um elenco fabuloso (encabeçado por Jack Nicholson e Louise Fletcher), "Voando sob um ninho de cucos" marcou época e impôs-se como um dos melhores trabalhos já realizados sobre a rebeldia e o inconformismo.

Quando Randle P. McMurphy, um marginal, que acaba de ser preso por estupro, se finge de louco, consegue ser transferido para a ala de um hospital psiquiátrico, nenhum dos internos espera, especialmente a enfermeira do local, Mildred Ratched, ter que lidar com um doente tão irreverente e contestatário – um homem capaz de tudo para sepultar a inércia dos companheiros de ala e, principalmente, a autoridade, até então incontestável, da enfermeira Ratched.

Um roteiro como este, que se pode considerar inpensável, só faria sucesso mediante um grupo de actores e director realmente preparados para o transformar em realidade. No que tange as actuações, Voando sobre um Ninho de Cucos, é espantoso. Não existiu, e provavelmente não existirá, outro personagem, tão desconcertante, e deliciosamente insuportável como Jack Nicholson. A sua presença física e psicológica é tão marcante que acaba transformando McMurphy (alguém que deveria despertar ira) num personagem interessante e carismático.

Por outro lado, há uma monstruosa enfermeira Ratched (esta vivida por uma não menos fabulosa Louise Fletcher), que parece refestelar-se com a dor e o incômodo de seus pacientes, escondida numa máscara de seriedade e auto-controle. Assistindo ao embate entre os dois personagens, um grupo de homens mentalmente perturbados (vividos por atores ótimos como Brad Douriff, Danny DeVitto e Christopher Lloyd).

A direção de Milos Forman, apesar de correcta e eficiente, sofre pela simplicidade. Não que isto comprometa o resultado, mas chega a ser incompreensível como os trabalhos de Sidney Lumet (por Um Dia de Cão), Steven Spielberg (por Tubarão) e Stanley Kubrick (por Barry Lyndon) tenham sido considerados inferiores pelo Oscar quando, na verdade, são muito mais minuciosos e rebuscados que o de Forman. Comparações à parte, a direcção de One Flew Over The Cucko's Nest, deu o resultado que todos esperavam – e acabou por ser premiada.

Outra curiosidade é que os fãs da obra homónima de Ken Kesey (inclusive o próprio escritor) são excessivamente críticos com o filme. A começar pelo facto de a produção não ser contada sob o ponto de vista do indígena Chefe Bromden (Will Sampson), um dos internos. Para quem não conhece a obra de Kesey, por exemplo, o desfecho da película pode causar profunda estranheza. Mas este detalhe não chega a ser algo essencial ou mesmo comprometedor, já que os roteiristas Bo Goldman e Lawrence Hauben conseguiram costurar algum tipo de explicação à atitude que o indígena tem no final do filme – uma espécie de grito contra a intolerância do sitema e à “quase” vitória da enfermeira Ratched sobre seus companheiros.

Quase todo filme que recebe estima em excesso acaba por sofrer diversos tipos de “acusação” por parte do público mais céptico. Ninguém consegue agradar a Gregos e a Troianos.

The Byrds, os Beatles Americanos

2012-01-12T08:30:00.000Z

Os Byrds têm a sua carreira dividida pelos críticos em dois períodos bem distintos. O primeiro, conhecido como sendo a fase áurea do grupo, compreende o tempo entre 1965 e 1968. O segundo período vai de 1969 até 1973 e é visto como a decadência da banda,por motivos vários.A história da banda, conta-se mais ou menos assim.

Jim McGuinn e Gene Clark, encontraram-se num bar qualquer de Los Angeles durante um show do primeiro. Gene achou o set de McGuinn, composto por canções folk tradicionais e algumas covers dos Beatles, surpreendente. Decidiram apresentar-se em duo, mantendo o repertório original e logo tiveram a adesão de David Crosby.

Como toda a banda principiante, sob o nome de Jet Set, gravaram uma demo que não chegou aos ouvidos de ninguém, mas que começaria uma história na maioria das vezes brilhante. Pouco tempo depois, gravaram um single para a Elektra, sob o nome de Beefeaters, com a ajuda de músicos de estúdio.McGuinn decidiu mudar seu nome para Roger, agregou ao trio o baterista Michael Clarke e o bandolinista Chris Hillman, que deveria assumir o baixo, mesmo não sabendo tocar, esse instrumento.

Já como Byrds, os cinco resolveram dar um passo audacioso na carreira. Gravar uma música do ídolo maior, Bob Dylan, com o estilo pop dos Beatles. O resto é a tão falada história.

Os Byrds foram catapultados para o sucesso,e para os primeiros lugares das listas de vendas, para o "front stream", contra a invasão britânica.

Mr Tambourine Man, a música de Bob Dylan que os próprios Byrds, "rearranjaram" chegou aos primeiros lugares em todas as listas de vendas, nos dois lados do Atlântico, propulsionada pelo timbre inconfundível da guitarra de 12 cordas de Jim McGuinn e pelas harmonias vocais do grupo.

Os Byrds passaram a ser conhecidos como os "Beatles americanos".

Logo contratados pela Columbia, lançaram em 1965 o disco Mr Tambourine Man, recheado de composições de Clarke e covers de Dylan e Peter Seeger, num estilo que se chamaria folk-rock a partir do sucesso de Turn! Turn! Turn!, disco de 1966.

Outra música desse disco que ficou marcada foi Eight Miles High, que com seu título meio junkie fez sucesso no circuito alternativo de Los Angeles e San Francisco, mas acabou por ser boicotada pelas rádios devido às alusões às drogas.

A partir daí,os Byrds começariam a lidar com um factor que prejudica qualquer banda. O entra e sai de músicos.

Gene Clark,principal compositor e segundo vocalista, deixaria o grupo, por ter medo de voar. Todas as tournées resultavam na mesma situação:enquanto Clark ia de carro ou comboio, a banda ia de avião e chegava muito mais cedo.

Enquanto, quarteto, os Byrds gravaram Fifht Dimension, disco "pesado" demais, mas a acompanhar a onda do psicodelismo nascente, mesclando-a com folk. A faixa-título, John Riley e I See You, são clássicos desse período e mostram os vocais a cargo de McGuinn, Crosby e Hillman.

O melhor disco da banda, Younger Than Yesterday, de 1967, já mostrava um Crosby mais actuante e sobressaindo-se muito mais do que o próprio McGuinn. Em músicas geniais,como So You Wanna Be A Rock'n'Roll Star ou My Back Pages (outra cover de Dylan), o trabalho dos Byrds entra em dimensões nunca alcançadas.Maturidade total, folk rock encharcado de psicodelia e inovações de timbre por parte de McGuinn e Hillman.

O disco seguinte, The Notorious Byrds Brothers, começou a ser gravado no meio de um grande conflito de personalidades, entre todos os elementos da banda. Literalmente, Crosby criticava ásperamente McGuinn, este por sua vez,sussurrava toda a animosidade que sentia por Hillman,e por fim, este desancava, Crosby. Saldo final: Crosby deixaria a banda no meio das gravações para formar o Crosby, Still And Nash, juntando-se a Stephen Stills e Graham Nash, tendo agregado, no ano seguinte, Neil Young. Resultado, o Crosby, Still, Nash And Young foi um dos supergrupos da época.Gene Clark foi reconvocado para finalizar o álbum e despediu-se de seguida. Michael Clarke, baterista, deu igualmente o "tcháu". Mesmo assim o disco ainda manteve a qualidade dos trabalhos anteriores.

De 1968 em diante, muita coisa mudaria na trajectória dos Byrds. McGuinn e Hillman conceberam a ideia de gravar um disco duplo, aonde a banda mostraria as suas versões para vários estilos de música pop, desde o jazz, passando pelo blues e chegando ao country. Para isso, recrutaram, o baterista Kevin Kelly e o pianista Gram Parsons, que mudaria todos os planos.

Parsons, nascido Cecil Ingram Taylor, em 1945, era um ex-estudante da badalada Universidade de Harvard e fã obsessivo de música country. Ele contaminou os outros Byrds e convenceu-os a gravar Sweetheart Of The Rodeo em 1968, no qual a banda forjou o termo country-rock.Isto dividiu os fãs da banda, apesar do folk rock dos Byrds, andar sempre nas tonalidades mais country. Aqui,neste disco, eles assumiam isso de forma definitiva.

Mas Parsons, uma pessoa errática por natureza, deixaria os Byrds seis meses após o seu ingresso na banda e levaria consigo nada mais nada menos que Chris Hillman, o principal autor das músicas da banda.Juntos eles formariam os Flying Burrito Brothers em 1969, onde Parsons ficaria até 1970, para sair para uma carreira solo. Um ano depois, 1973, morreria de overdose.

McGuinn viu-se completamente perdido e os Byrds, apesar de não encerrarem as suas actividades, tornaram-se a banda de apoio de Roger. Com o guitarrista Clarence White agregado ao grupo, gravaram ainda, The Ballad Of Easy Rider (1969), Byrdmaniax (1969),Untitled (1970) e Farther Along (1972), álbuns renegados na época, mas que agora estão a ser reavaliados, com a importância reconhecida, principalmente pela capacidade criativa de McGuinn, um individuo pacato, mas extremamente competente,com uma Rickebacker 12 cordas nas mãos.

Em 1972, com a morte de Clarenc White, os Byrds praticamente deixaram de existir.

Em 1973, McGuinn, Hillman, Crosby, Gene Clark, e Michael Clarke gravariam o Reunion Album, mas sem a centelha da criatividade dos primeiros discos.Seguidores do género temos: Tom Petty, REM, Replacements, Big Star, Eagles, America, Crosby Stills And Nash, centenas de milhares de bandas contemporâneas do calibre dos Teenage Funclub e Yo La Tengo, além de outros tantos artistas que passaram a fundir o rock e o country. Um legado que impressiona tanto pela importância quanto pela total falta de conhecimento da maioria do público consumidor de rock.

Ainda, vão a tempo, os que procurarem, os relançamentos dos onze discos principais dos Byrds, entre 1965 e 1972, feitos pela Columbia/Legacy, com faixas extras, sobras de estúdio e lados-B, sem falar no importantíssimo Live At Fillmore February 5-1969, concerto inédito da banda, somente agora libertado por McGuinn. Bom voo.

Three Dog Night

2012-01-11T12:55:00.000Z

De 1969-1974, ninguém tinha mais discos no Top 10, ou vendidos mais bilhetes para os seus concertos do que os Three Dog Night. Durante este período, foram sem dúvida a banda mais popular nos Estados Unidos: 21 vezes consecutivas no Top 40, 18 entradas directas no Top 20, 11 Top 10s, 7 números 1, 7 milhões de vendas de singles e 12 LPs de ouro . Em finais de 1975, tinham vendido quase 50 milhões de discos. A banda, tinha a particularidade única de ter três vocalistas distintos, Danny Hutton, Chuck Negron e Cory Wells.

Danny Hutton, tinha iniciado a sua carreira, em Setembro de 1965 no estúdio da Disney, como artista solo, tendo alcançado a posição 73ª, no Hot 100 da Billboard com uma canção chamada "Roses and Rainbows".

Chuck Negron começou a cantar a sério, no coro da faculdade e, conseguiu alguns hits menores para pequenos selos, sob o nome de Chuck Rondell. Juntou-se a uma banda de rock na universidade, tendo chegado assinado um contrato com a Columbia Records, para quem gravou uma série de singles, todos flops comerciais, como Chuck Oberon.

Cory Wells nasceu em Buffalo, Nova York e começou a cantar em bandas, ainda adolescente. Quando entrou para a Força Aérea, juntou-se a uma banda chamada "The Satellites". Quando foi desmobilizado do serviço militar, partiu para Los Angeles, para tentar a sorte no mundo da música. Durante uma actuação no "Whisky A Go-Go", Sonny e Cher ouviram-no cantar, e convidaram-no a que ele participasse no seu tour. Foi nessa tournê que ele conheceu Danny Hutton.

Danny conhecia Chuck desde a sua passagem pela gravadora Columbia, e quando Chuck retornou de uma tournê, em Agosto de 1967, Danny convidou-o a juntar-se a ele e a Cory Wells, que estava na banda residente do "Whisky A Go-Go" chamada "The Enemies". Os três cantaram "a cappella" durante horas, e no final da noite, Danny e Cory convidaram Chuck para participar de um novo grupo que estavam a formar. Sem nada no horizonte, Chuck aceitou o convite.

Danny tinha feito amizade com Brian Wilson dos Beach Boys, que queria entrar na produção de outros artistas, e este rapidamente levou os três cantores para o seu estúdio. Brian sugeriu que o novo trio se chamamsse Redwood, tendo -lhes oferecido um contrato na gravadora dos Beach Boys, a Brothers Records,comprometendo-se a escrever algum material para o primeiro álbum deles. O negócio abortou, em virtude da oposição dos restantes Beach Boys, que queriam a exclusividade das canções escritas por Brian, e só permitiam a edição de um single com temas do mano Brian. Wells, Hutton e Negron recusaram a proposta. Perder os três vocalistas, foi um erro que custou à empresa Brothers Records, milhões de dólares em royalties ao longo dos anos seguintes.

Por conta própria novamente, o trio começou a montar a sua própria banda, recrutando um por um, os elementos que seriam: Jimmy Greenspoon nos teclados, Joe Schermie no baixo , Floyd Sneed na bateria e Michael Alsup na guitarra. Tocando em pequenos clubes da Califórnia, o conjunto ainda sem nome, ia rodando dando corpo e forma ao seu estilo único na altura. Uma noite, a namorada de Danny, June Fairchild, veio com uma sugestão. Ela tinha lido um artigo numa revista sobre os aborígenes australianos, que nas noites frias, dormiam ao lado dos seus cães para assim manterem o calor do corpo. Essas noites geladas do deserto Australiano, eram conhecidas como "three dog night", como eles eram três cantores, porque não chamarem-se Three Dog Night ? A ideia foi logo aceite unanimemente...até porque iam subir ao palco, e tinham que ser anunciados com um nome credível...o resto é história.

Actuando todas as noites, nos clubes locais, a banda logo começou a chamar a atenção onde quer que tocassem, tendo logo ficado sob a orientação de Bill Utley, que empresariava os Turtles e os Steppenwolf. Uma noite, Utley alugou o clube Troubadour, em West Hollywood e convidou a mídia e os executivos das gravadoras locais. O show foi tão bom, que Jay Lasker, presidente da Dunhill Records ofereceu-lhes um contrato no local.

O seu primeiro álbum, "One" foi produzido por Gabriel Mekler, produtor dos Steppenwolf. Foi gravado "ao vivo", sem mais misturas, ou qualquer outro trabalho de estúdio. O primeiro single escolhido para o lançamento foi uma canção chamada "Nobody", que, ao tornar-se um sucesso regional, não poderia nunca chegar ao Top 100 da Billboard. O seguinte a sair foi o tema de Otis Redding "Try A Little Tenderness", que chegou á 29ª posição nas tabelas de vendas.

Enquanto a banda se preparava para gravar o seu segundo LP, Chuck Negron, pressionou Dunhill para lançar a música "One",que era a faixa título do primeiro álbum, por estar convencido de que o tema poderia ser um disco de sucesso, se fosse lançado como single. Acabou por ser não só uma escolha sábia, como traria à banda o seu primeiro de muitos discos de ouro, chegando ao 1º lugar em Abril de 1969, apenas três semanas depois do seu lançamento.

O grupo não tinha intenções de gravar apenas as suas próprias músicas. Gravaram o melhor material dos melhores compositores novos e acabou com catorze álbuns de ouro, nove singles de ouro e vendeu mais de 40 milhões de unidades. Os Three Dog Night excursionaram extensivamente durante os anos setenta, quebrando recordes de público em locais que vão desde salas de concerto a estádios de futebol.

Entre 1969 e 1974, os "Three Dog Night" gravaram 18 "top 40" hits, assim distribuídos:

Try A Little Tenderness -   #29 Janeiro 1969
One -                                          # 5 Abril 1969
Easy To Be Hard -                     #4 Julho 1969
Eli's Coming -                            #10 Outubro 1969
Celebrate -                                 #15 Fevereiro 1970
Mama Told Me Not To Come - #1 Maio 1970
Out In The Country -                 #15 Agosto 1970
One Man Band -                        #19 Novembro 1970
Joy To The World -                    #1 Fevereiro 1971
Liar -                                          #7 Junho 1971
An Old Fashioned Love Song - #4 Outubro 1971
Never Been To Spain -           #5 Dezembro 1971
The Family Of Man -                 #12 Março 1971
Black and White -              #1 Julho 1972
Pieces of April -           #19 Outubro 1972
Shambala -                                 #3 Maio de 1973
Let Me Serenade You -          #17 Outubro 1973
The Show Must Go On -            #4 Fevereiro 1974
Sure As I'm Sittin' Here -           #16 Junho 1974
Play Something Sweet -           #33 Setembro 1974
Till The World Ends -                #32 Junho 1975

Em 1975, veio o cansaço e a desilusão geral. Saturados com tantos espectáculos, e as constantes digressões,alguns elementos da banda em especial Chuck Negron, afundaram-se nas drogas, o que veio originar constantes discussões, e cancelamentos de espectáculos. Resolveram então, de comum acordo, realizar um ultimo show, que seria de despedida. Dos 7 músicos originais, apenas Negron, Wells e Greenspoon, se apresentaram para esse evento.

Chuck Negron, viveu por muitos anos na dependência de drogas. No seu livro "Nightmare Three Dog", Negron descreve como gastou toda a sua fortuna em heroína e passou de uma estrela do rock rico e popular, a um junkie, só e doente.

Seis anos depois, em 1981, os membros da banda, sentiram a necessidade de voltar á musica, aos ensaios e á estrada. Após alguns telefonemas, reuniram-se todos, sem o baixista original, Joe Shermie, que tinha declinado o convite para a a reunião. Para sua surpresa, descobriram que todos compartilhavam o mesmo sentimento, um ressurgimento do interesse pela música e um crescente desejo de experimentar tudo de novo. Danny Hutton disse na altura:

"Nós tivemos um ensaio, um teste e redescobrimos a velha magia." Os Three Dog Night renasceram com 6 dos 7 membros originais. Apenas o baixista Joe Schermie estava ausente.

A magia no entanto, não conseguiu superar os problemas constantes causados pelo abuso de drogas. Um por um, os membros da banda foram snedo demitidos e substituídos. Em 10 de Dezembro de 1985, chegou a vez do cantor Chuck Negron, ser expulso do grupo, dadas as suas constantes ausências, quer em espectáculos, quer em ensaios devido ao seu vício em drogas. Só em em 1991,é que Negron se livrou do vicio e do consumo. Aproximou-se de Cory Wells, em 1993, pedindo a sua readmissão na banda, mas apesar de Danny Hutton estar ansioso por tê-lo de volta, Wells, não cedeu, e não premitiu a sua reentrada.

Em Abril de 1997, foi feita uma oferta a Negron para reintegrar a banda, mas com uma menor participação, e um menor cachet, que os outros dois cantores. A oferta foi recusada. O que poderia ter sido um grande retorno de uma das bandas de rock mais popular do mundo, acabou por não se realizar, e Wells com Hutton a dividirem os vocais, continuaram a turnê, sem Negron.

Os processos usuais sobre o uso da sigla "Three Dog Night", nome igualmente utilizado por Chuck Negron nas suas apresentações ao vivo e a solo, correram nos tribunais, para que se decidisse, quem é que o poderia utilizar, legalmente. 1999 viu o lançamento da biografia de Chuck Negron "Nightmare Three Dog", e o seu segundo álbum, "Back Long Road", contrapartida musical do livro.

Até ao ano 2000, a banda continuou a actuar por todo o mundo, com os membros fundadores Cory Wells e Danny Hutton nos vocais, bem como o teclista Jimmy Greenspoon e Michael Allsup na guitarra. O baixista Joe Schermie, Jr., que tocou com o grupo de 1968-1973, morreu de um ataque cardíaco numa terça-feira 26 Março, 2002. Tinha acabado de fazer 55 no mês anterior.

Em maio de 2002, "Three Dog Night With The London Symphony Orchestra" foi lançado. O álbum foi gravado em Los Angeles e em Londres, no Abbey Road Studios e inclui duas novas canções "Overground" e "Sault Ste. Marie". Em Outubro de 2004, a banda lançou "The 35th Anniversary Hits Collection Featuring The London Symphony Orchestra". O álbum inclui versões ao vivo de "Eli's Coming", "Brickyard Blues", "Try a Little Tenderness" and "Family of Man".

Chuck Negron continuou a sua carreira a solo e excursionou com o ex-baterista dos Three Dog Night, Floyd Sneed. Chuck também se manteve activo no Cri-Help, Musicians Assistance Program (MAP), Hazelden Recovery Center, Music-Cares and Musicians.com, organizações que visam manter as drogas fora da indústria da música.

Em 2007, os Three Dog Night tiveram uma agenda cheia de espectáculos, enquanto Chuck Negron continuava a actuar a solo, dividindo o palco com os Blood, Sweat and Tears.

Em 24 de Outubro de 2009, os Three Dog Night lançaram duas novas canções - "Heart of Blues" / "Prayer of the Children". As músicas estão disponíveis exclusivamente on-line no iTunes, ThreeDogNight.com, Facebook e na loja do MySpace .

Embora tendo gravado um EP de cinco novas canções em 1983 e duas novas canções terem sido incluidas no álbum "Three Dog Night's 35th Anniversary Hits Collection Featuring The London Symphony Orchestra" os Three Dog Night não gravam um álbum completo, desde "American Pastime" de 1976.

2012-01-07T08:30:00.000Z

A primeira faixa inédita dos Doors desde 1971 verá a luz do dia na próxima segunda-feira dia 9 de Janeiro.

She Smells So Nice foi gravada durante as sessões do álbum L.A. Woman, e será lançada numa reedição comemorativa do clássico.

A canção foi descoberta pelo produtor Bruce Botnik durante a pesquisa de material para o relançamento, e está a ser divulgada na página oficial da banda no Facebook.

A reedição sai dia 23 de Janeiro.

Além da inédita, a nova versão de L.A. Woman vai reunir o álbum remasterizado, versões alternativas de L.A. Woman, Love Her Madly e Riders On The Storm, e o DVD Mr. Mojo Risin’: The Story of L.A. Woman, documentário que resgata os bastidores da gravação do disco.

L.A Woman foi o sexto disco de estúdio do grupo, lançado pouco mais de dois meses antes da morte de Jim Morrison, vocalista do quarteto.

O álbum é o segundo mais vendido da curta carreira dos californianos, atrás somente de The Doors, de 1967.

Pedro Osório

2012-01-06T11:56:00.000Z

É a única certeza que temos na vida...é que um dia, morremos. Mas nunca a encaramos de frente, nunca a aceitamos de ânimo leve, nunca nos entregamos a ela, sem luta.

Foi assim com o Pedro. Travava essa luta há sete anos...ontem perdeu. Perdeu ele e perdemos nós. Perdemos um Amigo, um dos músicos mais esclarecido, mais criativo e mais divertido. É assim a vida.Até sempre Pedro.

Recorrendo á Wikipédia, deixo aqui uma sinopse do que foi a vida do Maestro Pedro Osório.

Pedro Vaz Osório nasceu na cidade do Porto, onde estudou Música e Engenharia Mecânica. Aí formou o “Conjunto de Pedro Osório” que tocava em bailes quase todos os fins-de-semana em final dos anos 50, princípio dos 60.

Em 1966 lançou o último EP do Conjunto de Pedro Osório e rumou a Lisboa para se juntar à segunda formação do Quinteto Académico, com a seguinte formação : Pedro Osório no piano, Jean Sarbib no baixo, Carlos Carvalho na guitarra, Zé Manel no sax-barítono e Adrien Ransy na bateria. Conheceu Luís Villas-Boas em 1966 após o regresso de Angola, onde cumpriu "dois anos, três meses e vinte e cinco dias" de comissão. Tentava retomar o curso de Engenharia. No último ano do curso (1967) decide-se pela carreira de músico profissional.

Depois dos conjuntos pop-rock (Conjunto Pedro Osório e Quinteto Académico) passa a dedicar-se à orquestração e direcção de orquestra.

Em 1968 forma o Trio Barroco com Jean Sarbib e Luís Villas-Boas.

Representou Portugal no Festival da Eurovisão em 1968 como autor de "Verão" de Carlos Mendes.

Juntamente com Carlos Alberto Moniz funda em 1974 o Grupo Outubro e gravam dois discos. É editado um disco do projecto SARL (Pedro Osório, Samuel e Carlos Alberto Moniz).

Participação do Grupo In-Clave, com Fernando Tordo e Tonicha, arranjos e direcção de Pedro Osório. No lado A “Portugal Ressuscitado”, poema de José Carlos Ary dos Santos para música de Pedro Osório. Uma produção da Sassetti - 1974 O estribilho de “Portugal Ressuscitado”: “Agora o povo unido Nunca mais será vencido Nunca mais será vencido”

É ao lado do maestro Pedro Osório no programa «No Tempo em que Você Nasceu» que Herman José inicia a sua carreira artística, (viola-baixo). Pedro Osório é também o responsável pela sua entrada no teatro de revista.

Pedro Osório representou Portugal no Festival da Eurovisão em 1975 (Duarte Mendes) como chefe de orquestra.

O Pedro Osório S.A.R.L. fica em 3º lugar no Festival RTP de 1979 com "Uma Canção Comercial".

Com "Self-Made-Man" dos S.A.R.L. regressa ao Festival da Canção, em 1980. Representou Portugal no Festival da Eurovisão em 1982 como chefe de orquestra.

Autor de música para cinema e teatro ganhou em 1982 o prémio da crítica com a música que compôs para a peça "BAAL" de Bertholt Brecht. Em 1982 "Quero Ser Feliz Agora" dos S.A.R.L fica em 4ºlugar.

1989 é o ano do projecto "Só Nós Três", com os cantores Paulo de Carvalho, Fernando Tordo e Carlos Mendes. "Vim Para O Fado E Fiquei" é outro dos seus projectos.

Em 1993 junta Lena d'Água, "Rita Guerra e Helena Vieira para o grande espectáculo "As Canções Do Século", que foi gravado ao vivo no Casino do Estoril. Pedro Osório foi o criador dos arranjos e dirigiu a orquestra. A digressão desse espectáculo durou vários anos.

"Quatro Caminhos" é outro dos projectos de Pedro Osório, com Paulo de Carvalho, Rita Guerra, Maria João e Carlos do Carmo, e foi apresentado em 1996.

Em 1994 recebeu o grau de Comendador da Ordem do Infante D. Henrique.

Representou Portugal no Festival da Eurovisão em 1996 como autor da canção "O meu coração não tem cor" interpretada por Lúcia Moniz, que conseguiu a melhor classificação de sempre da representação portuguesa naquele festival.

Escreve obras de música sinfónica tendo algumas sido executadas em público. Foi director musical e autor musical de shows do Casino do Estoril como "Novas Descobertas" e "POPera".

Em 1998, concebeu o espectáculo intitulado "Da Gama", tendo como subtítulo "Concerto para 6 Músicos, 2 Cantores e 1 Computador", em que participaram os cantores Paulo de Carvalho e Rita Guerra.

Em 1999 foi o responsável por outro espectáculo musical que consistiu na interpretação pop de várias árias de óperas conhecidas. Nele participaram os cantores Helena Vieira, Beto e Rita Guerra.

Em 2011 publicou o disco Cantos da Babilónia, a partir de músicas étnicas de todo o mundo.

Morreu a 5 de Janeiro de 2012 em Lisboa, no Hospital de São Francisco Xavier.

Nina Simone, a biografia da diva rebelde.

2012-01-05T08:30:00.000Z

Eunice Waymon estava destinada a transformar-se na primeira concertista negra de piano dos Estados Unidos, mas foi rejeitada no conservatório. Daquela decepção nasceu Nina Simone, uma das grandes divas do jazz, retratada com paixão por David Brun-Lambert na biografia da diva do Jazz.

O livro conta a turbulenta existência da intérprete de "My baby just cares for me", desde o início como menina prodígio numa pequena cidade da Carolina do Norte, até á sua morte no sul da França em 2003.

"Morrerei aos 70 anos, porque depois só há dor", tinha dito uma mulher que conheceu os extremos da glória e da miséria, da felicidade e da dor, que esteve submetida aos vaivéns da fama e marcada por uma personalidade cheia de arestas que o seu biógrafo não escondeu.

Dura, combativa e caprichosa, Simone sempre suspeitou que a côr de sua pele tenha fechado as portas do conservatório musical da Filadélfia, cidade para onde tinha viajado desde o sul, graças ao dinheiro arrecadado pela sua comunidade, e na qual a sua mãe ocupava um lugar de destaque como reverenda Baptista.

Depois do fracasso, sobreviveu em Nova York com trabalhos precários, até que decidiu tentar vida nova em Atlantic City.

Conta Brun-Lambert que "num bar húmido e com o chão coberto de serragem para secar o álcool derramado" foi onde Eunice se transformou, uma noite em Nina Simone.

Nina por causa de um apelido pelo qual era chamada por um namorado latino, "Niña", e Simone como homenagem a Simone Signoret, a legendária actriz francesa.

A jovem era pianista, mas o proprietário do bar obrigou-a a cantar para manter o emprego. A filha da reverenda interpretava todas as noites um repertório que a sua mãe sem duvida, teria condenado.

Acompanhando-se ao piano foi modulando uma das vozes mais pessoais do século XX, com a qual nos anos 60 e 70 imortalizou temas como "Aint got no - I got life" ou "I wish I know how it would feel to be free", e gravou clássicos como "Here comes the sun", "Just like a woman" e "Suzanne".

Nina Simone, pôs a sua voz e as suas composições ao serviço da igualdade dos negros, como quando gravou em 1963 "Mississipi goddam", para denunciar a violência racista após saber que um jovem ciclista negro tinha morrido após ter sido espancado por um grupo de brancos.

Era capaz de se comprometer com a justiça social até pôr em perigo a sua carreira e a sua própria vida, mas ao mesmo tempo, era tão avarenta que pagava aos seus músicos um salário miserável.

Tudo isto, e muito mais, é contado na sua biografia, que reconstrói a busca vital de uma artista que ansiava uma serenidade que nunca obteve e investiga as chaves da complicada personalidade de uma intérprete que colecionou decepções amorosas e lutou com o fisco de seu país e as empresas fonográficas de meio mundo.

Nina Simone, conheceu a fama, mas também o esquecimento, que acabou no final dos anos 80 graças a um anúncio da Chanel Nº 5 que incluía sua versão de "My baby just cares for me".

Nina Simone considerava o tema, uma das canções com a menor importância da sua carreira, mas o tema foi colocado nos primeiros postos das listas europeias, o que permitiu á sua intérprete retornar aos palcos na recta final de sua carreira.

A "diva rebelde", desapareceu deste mundo aos 70 anos, ao morrer enquanto dormia em Carry-le-Rouet, próximo de Marselha, França.

Apocalypse Now - Obrigatório vêr, ou revêr.

2012-01-04T09:30:00.000Z

Apocalypse Now transpira a mania de grandeza em tudo, com uma equipe de produção magnífica e criativa, dando vida a todo aquele mundo de pesadelos e sofrimento. É soberbo, fantástico e monstruoso.

Coppola realmente dominou Hollywood na década de 70, onde além de realizar obras primas como os dois primeiros capítulos de O Padrinho e The Conversation, em 1974, com Gene Hackman, elevou ainda mais o seu status como gênio no que fez, apesar de enfrentar dificuldades extremamente desafiadoras para dar vida à Apocalypse Now. O filme é magnífico em tudo, e a sua beleza ultrapassa o tempo, e o seu contexto, alucinante, atinge profundamente quem viu este filme.

Tratando-se de um filme de Coppola, o enredo é complexo e deliciosamente fascinante de se seguir conquistando o público pela eficiência da sua construção e o desenvolvimento sem pressas, dos seus personagens, munidos de características individuais fantásticas e atraentes. O filme, quase não saiu do papel, devido a inúmeras dificuldades e detalhes que envolveram toda a grande produção do mesmo. O próprio Coppola quase sucumbiu, durante as filmagens desta sua obra de arte.

Baseado no romance "Heart of Darkness", de Joseph Conrad, o filme começa sem títulos e muito menos os créditos normais mostrados no inicio de qualquer película. Somos logo alertados pelo tema de abertura, para o que vamos vêr . "The End", dos Doors, insinua-se suave e dramaticamente, deixando no ar a sensação de que algo dramático se avizinha. O enredo é desenvolvido lentamente,

explorando ao máximo as suas personagens centrais, as suas angústias, medos, e desejos. Tudo é construído e conduzido com todo o cuidado, meticulosamente dirigido pelo genial cineasta por trás das câmeras. A abertura é belíssima, exuberante e faz-nos revolver nas cadeiras, ansiosos pela imagem seguinte.

A atuação de Robert Duvall é sem dúvida umas das melhores do filme, tanto é que o mesmo foi indicado para um Óscar, na categoria de “Melhor Actor Secundário”. Velho conhecido de Coppola, a intimidade de ambos no ambiente de trabalho revela-se de extrema importância para os resultados finais desejados. Louco por se evidenciar, o seu personagem, Kilgore esbanja personalidade, mostrando uma enorme e bem conseguida excentricidade. Os seus diálogos são magníficos e a forma como o actor dá vida ao seu personagem impressiona pela honestidade, sempre intercalando a violência devastadora da guerra, ali mesmo ao lado com momentos descontraídos, onde o assunto da conversa, gira em torno de pranchas, ondas, surfe. Desconcertante.

Que banda sonora soberba a deste filme. É raro quando uma produção se completa de tal forma que se torna fascinante acreditar que tudo é perfeito na sua concepção. O ataque dos helicópteros a uma aldeia ao som de "The Ride of the Valkyries", de Wagner é arrasador, tamanha é a sua grandeza. Talvez por isso mesmo, tenha ganho o Oscar na categoria de “Melhor Som”,

Os personagens secundários também ganham espaço para se desenvolverem dentro da trama, mesmo que seja curto para muitos.O facto é que os companheiros do protagonista Willard (Martin Sheen), emcubidos de levar o capitão rio acima, Chef (Frederic Forrest), Chief (Albert Hall), Lance (Sam Bottoms) e Clean (Larry Fishburne) não são desprovidos de personalidade,como acontece muitas vezes, na maior parte dos filmes aonde não sobra tempo necessário para explorar os personagens secundários, muito pelo contrário, em Apocalypse Now, cada um possui uma peculariedade única, personalidades fortes e interessantes.

Martin Sheen entrou no projecto com o barco já a navegar, após ser chamado para substituir outro actor que já estava integrado no elenco, havia já algumas semanas, e depois de estrelas como, Steve McQueen, Al Pacino , terem recusado o papel, por motivos pessoais. Sheen, assentou com uma luva no papel do Capitão Willard, responsável por cumprir um missão de extrema dificuldade e complexidade, envolvendo o Coronel Kurtz (Marlon Brando). A forma como vai desenvolvendo o

seu personagem ao longo do filme é de tirar o fôlego, tamanho é o seu aprofundamento sufocante e irresistivel aos mistérios que cercam Kurtz.

As sequências da ponte, dos helicópteros, dos confrontos pelo rio acima, tudo está tão bem filmado por Coppola que realmente transporta o telespectador para dentro do filme. Vencedor do Oscar na categoria “Melhor Fotografia”, o filme contém uma das mais belas sequências de todos os tempos. A beleza que se forma na tela é deslumbrante, poética e magnífica. Poucas vezes na história cinematográfica de Hollywood, se captou tão bem imagens como estas. Dramáticas, sensíveis, emocionantes, líricas, aterrorizantes, toda a concepção e estrutura de Apocalypse Now foi orquestrada com tamanha magnitude que é complicado explicar em simples palavras.

Marlon Brando, o maior actor de todos os tempos, um homem que se tornou em lenda ainda em vida, aquele que dispensa comentários, aquele que carrega fama, polémica e talento de sobra, também está presente em Apocalypse Now. O seu personagem Coronel Kurtz é o mais complexo de todo o filme. Não seria possível explicar a sua personalidade com palavras. Não seria o suficiente para compreender a fundo as suas ideias. Apesar de Sheen e Duvall em grande estilo, é Brando quem rouba todas as atenções, como se isso fosse alguma novidade, numa carreira repleta de lendários personagens, fortes e polémicos.No entanto, Jack Nicholson, Robert Redford, e James Caan tinham sido sondados para representar o personagem do persegudo Coronel Kurtz.

“O Horror...O Horror..” Estas simples palavras tornaram-se ícones pelo facto de simplificarem todo o pesadelo que cerca o universo de Apocalypse Now. O terror da guerra e dos homens. A sua personagem é a grande responsável por obrigar o público a reflectir sobre os limites humanos, sobre o ser irracional, as atitudes impensadas, personalidade complexa, de até onde vai a capacidade do ser humano em lidar com outras pessoas e o seu meio. Kurtz provoca não apenas reflexão em Willard, como também provoca a mesma sensação nos telespectadores.

Teria o Coronel Kurtz enlouquecido pela guerra ou ter se ia tornado num ser que superou os limites humanos, estando acima da compreensão dos limites da sua raça? Ao conhecer o horror da guerra, familiariza-se e envolve-se com o mesmo, tendo Kurtz atingido um estado mental que estaria aquem da compreensão dos demais? Willard, ao prosseguir ma sua viagem sem volta ao encontro de Kurtz, o que procurava realmente encontrar? A busca por respostas que possam explicar as razões da

loucura de uma guerra, entre integrantes da mesma raça é procurada insensantemente por Willard?

O final de Apocalypse Now é chocante, eletrizante e angustiante. As sequências do ritual envolvendo o sacrifício do búfalo, intercalado com Kurtz e Willard, são arrebatadoras e magníficas. Originalmente o final de Apocalypse Now exploraria outro desfecho. Os créditos subiriam na tela com a grande destruição da aldeia de Kurtz, com vários ângulos e efeitos surreiais tomando conta da projecção, numa sequência de cores e visuais impactantes. E, voilá...Willard transformar-se ia no novo Kurtz.

Porém Coppola acreditava que esta era a mensagem errada a passar ao público. O final deveria mostrar Willard vencendo Kurtz , atirando a sua arma ao chão, e indo embora com o jovem Lance. O gesto de Willard seria repetido pelos integrantes da aldeia, num simbolismo que indicaria o fim da guerra. As versões que continham o final repletos de explosões bélicas, com os créditos finais, foram retirados do mercado por Coppola, após perceber o equívovo.

Apocalipse Now é muito mais que um filme de guerra, é um marco cinematográfico, devido á sua enorme capacidade de provocar reflexão pelo seu contexto complexo e muito bem construido. Uma verdadeira obra prima, que valeu todos os esforços de Coppola para fazer chegar o filme ás salas de cinema de todo o mundo.

Pink Floyd / Syd Barrett. Os pioneiros do psicodelismo ?!

2012-01-03T09:30:00.000Z

Tibet, circo, música hindu, religião, Bach, mensagens subliminares, amor, técnicas de gravação, medicina e farmacêutica, fitas invertidas, Dylan, música infantil, cravos, Inglaterra vitoriana, Alleister Crowlley, vaudeville, vocais superpostos, televisão, Gandhi, Motown, jazz, Elvis, orquestras, dinheiro, cordas, música erudita, Stockenhausen, nostalgia, esta a paisagem total criada pelos Beatles que daria inicio á psicodelia do final dos anos 60.

Um elemento era fundamental para a psicodelia em ambos os lados do Atlântico (e para o resto do mundo): o LSD. Sintetizado por Albert Hoffman no final dos anos 50, o ácido lisérgico 25 foi a chave para toda a geração do flower power perceber a nova dimensão que o mundo estava a ganhar, o formato das coisas que estavam para acontecer. Era um portal para uma nova consciência que revelava nuances da realidade imperceptíveis, para os quadrados, os bota de elástico. Mais do que uma droga hedonista, que apenas faz com que o usuário se sinta bem, o LSD tinha um caráter de revelação, de iniciação mística e espiritual, que fez com que toda uma geração (gente que hoje anda pela casa dos 50 e recrimina os seus filhos por usar coisas bem mais leves) entrasse na mesma sintonia e se observasse, ao mesmo tempo, no mesmo espelho.

Mas se os Beatles tinham a responsabilidade de serem os líderes desta geração, disfarçando as suas mensagens em títulos que soavam como piadas internas, sendo "Lucy in the Sky with Diamonds" (LSD) o caso mais clássico, outros grupos não estavam nem um pouco preocupados em ser subtis. O mais evidente de todos era, os Pink Floyd, cujas apresentações ao vivo eram perfeitas para se "viajar no ácido". Tomados pelo espírito inventivo e experimentalista que o ácido proporcionava, levitavam o rock para uma realidade desconhecida, andando no lado escuro do sonho que os Beatles desenharam.

O grupo foi criado em 1965 no curso de arquitetura da Escola Politécnica da Regent Street, em Londres. Eram apenas quatro estudantes excêntricos. O guitarrista Syd Barrett, o baixista Roger Waters, o teclista Rick Wright e o baterista Nick Mason, que resolveram começar como outra banda qualquer, a tocar opop em voga na época, mas que por influência do ácido, passaram a experimentar sons e atitudes, que os levavam a viajar por dimensões musicais, desconhecidas nesse tempo. O 2front man", era Syd Barrett, responsável pelos limites explorados pelo grupo. Barrett era uma versão rock de uma mistura de Salvador Dali com Buda, liderando o grupo e os seus primeiros fãs com a placidez de um líder religioso, mas com o espírito inventivo e de inovação que move a arte desde o começo dos tempos. Introspectivo fora do palco, Syd entregava-se por inteiro quando mergulhava na música.

O grupo passou por várias encarnações, usando nomes como, Meggadeaths, Sigma 6, Abdabs (que contava com a futura esposa de Wright, Juliette Gale, na formação e se apresentava de forma convencional, como Architectural Abdabs , e não-convencional, como Screaming Abdabs, por vezes na mesma noite, Leonard’s Lodgers e T-Set, em cada uma delas lapidando o som que mais tarde seria o som dos Pink Floyd. Este nome inclusive, mostra o nível de liderança que Barrett exercia sobre seus outros companheiros, pois foi tirado de uma visão que o guitarrista teve durante uma viagem de ácido. Pink Floyd, resulta da fusão dos primeiros nomes dos bluesmen favoritos de Syd, Pink Anderson e Floyd Council. Na época ninguém contestou o baptismo premonitório.

E como Pink Floyd, o grupo saiu do circuito universitário, freqüentando casas nocturnas que em pouco tempo se tornariam referenciais da cultura londrina. Vivendo em plena era da Swinging London, Londres assistia ao nascimento da sua psicodelia à medida que as cores apareciam e o volume dos sons aumentava, como se a própria cidade tivesse tomado LSD.

Os mods tornavam-se cada vez mais coloridos e os rockers cada vez mais barulhentos e essa combinação de estilo com ruído caía como uma luva nas apresentações dos Pink Floyd. Em casas de espectáculo como o Marquee, a Roundhouse e o UFO, tocavam rocks primitivos, como "Louie Louie", em versões caóticas, além de apresentar as canções do vocalista e guitarrista – jóias pop distorcidas em clássicos lisérgicos. Ocasionalmente comportavam-se como uma banda tradicional, experimentando em estúdio e no palco os limites que poderiam ser encontrados entre refrões, introduções, solos. Outras vezes deixavam simplesmente o instinto liderar, originando jam sessions intermináveis, onde barulho e silêncio se encontravam com instrumentos tocados de forma não convencional, efeitos de som e de luz, projecção de slides, seqüências de notas heterodoxas e a repetição usada ao extremo.

Gravaram o seu primeiro single, de forma independente, com Joe Boyd,o futuro George Martin do folk inglês atrás da mesa de mistura. O 45 Rpm, "Arnold Layne", sai em 1967, dando inicio e corpo ao Rock Psicadélico, que viria a ser a marca registada dos Pink Floyd. Joe Boyd mais tarde seria responsável pelos melhores discos da Incredible String Band, dos Fairpoirt Convention, Sandy Denny, Richard Thompson e Nick Drake – além dos primeiros discos dos R.E.M. Os temas do vinil, Arnold Layne/Candy and a Current Bun, já mostrava a disposição para ir contra a corrente.

No lado A, Syd Barrett cantava sobre o personagem-título, Arnold Layne, um travesti cujo principal passatempo era roubar roupas femininas. Roger Waters, contava:

"Tanto minha mãe quanto a de Syd tinham estudantes como inquilinos, porque havia uma escola de raparigas acima, na estrada, então havia constantemente grandes varais de sutiãs e calcinhas, e 'Arnold', ou quem quer que ele fosse, fugia com algumas peças desses estendais de roupa.

O lado B, "Candy and a Currant Bun", teve que ter o seu título mudado pois o original, "Let’s Roll Another One" (Vamos Enrolar Mais Um), daria problemas com a autoridade. Nos dois temas, o experimentalismo sonoro, já estava em voga, com efeitos sonoros, cadências estranhas, o estranho cruzamento do som da guitarra Danelectro de Syd, e dos teclados de Rick sobre o "cozinhado" anfetamínico de Waters e Mason. Os vocais de Syd, contrapunham-se com as melodias, quase infantis, das duas canções. O single teve óptimo desempenho nas listas de vendas, atingindo o 20º posto em Inglaterra.

O seguinte, "See Emily Play", parente inglesa do single dos Doors, Scarecrow, lançado nos U.S.A. na mesma época, seguia o rumo do primeiro, mas a regência já não era de Boyd, mas de Norman Smith, engenheiro de som da EMI que tinha trabalhado em pelo menos quatro discos dos Beatles. Os Pink Floyd, foram levados para a mesma gravadora do grupo de Liverpool após o seu primeiro contrato com o empresário Peter Jenner, que passeava por Londres procurando uma banda que pudesse mudar a sua vida. Encontrou os Floyd num show no Marquee Club e resolveu transformá-los nos seus Beatles. Logo o grupo estava a tocar no concerto de lançamento do diário da revolução sonora londrina , o International Times, também conhecido com It , em Dezembro de 1966.

O nome do grupo começava a tornar-se conhecido, e fariam a sua primeira tournê pela Europa no inverno de 1967. Voltaram da Holanda no dia 27 de Abril daquele ano, ao Alexandra Palace, ainda a tempo de se apresentarem como a principal atração do minifestival "14 Hour Technicolor Dream", ao lado de artistas como Yoko Ono, os Pretty Things, Graham Bond, Alexis Korner, e os Crazy World Of Arthur Brown, (aquele grupo que ficou famoso por o vocalista atear fogo ao próprio corpo durante o seu único hit, "Fire") e os Soft Machine, entre muitos outros. Ficou claro que o grupo era o principal nome da nova cena londrina.

A consagração aconteceu no mês seguinte, no show Games For May, cujo título tinha sido tirado de See Emily Play, no Queen Elizabeth Hall. O evento multimídia colocava os Floyd no centro das atenções, entre música eletrónica, shows de luzes, projeções de imagens, incenso e a estréia do Azimuth Co-Ordinator, o impressionante sistema de som e efeitos sonoros do grupo.

Estava na hora de entrar no estúdio para gravar o seu primeiro álbum. Assim nasceu o famigerado, "The Piper at the Gates of Dawn", cujo título havia sido retirado do livro infantil "The Wind in the Willows".

Gravado no estúdio 1 do complexo da EMI (que mais tarde viria a ser conhecido como Abbey Road). O disco foi concebido enquanto os Beatles terminavam o seu megaprojeto "Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band" no estúdio ao lado, o numero 2. A vibração psicodélica estava no ar e muitos ainda cogitam a possibilidade de um disco ter influenciado o outro, devido aos encontro esporádicos entre Barrett e John Lennon nos corredores da gravadora, saindo dos estúdios para fumar um cigarro ou tomar uma chávena de chá. Capitaneados pelo mesmo Norman Smith de See Emily Play (que depois levaria os seus conhecimentos sonoros lisérgicos adquiridos com os Floyd para as gravações do melhor disco dos Pretty Things, "S.F. Sorrow" ).

"The Piper at the Gates of Dawn" é o disco mais pop e mais psicodélico simultaneamente que a história do rock já viu. Lançado no dia 5 de Agosto de 1967, foi juntamente com os seus contemporâneos, como o primeiro disco dos Doors, o primeiro de Frank Zappa, o primeiro do Velvet Underground, Smiley Smile, dos Beach Boys, ofuscado pelo lançamento de Sgt. Pepper’s, dos Beatles, que é inevitavelmente o disco mais importante deste período. Mas o disco de estréia dos Pink Floyd explora o limite entre o pop e a lisergia de uma forma que os Beatles nem sequer, consideravam.

Depois do lançamento do disco, Barrett começou a dar sinais que a quantidade de ácido que tomava não estava a fazer nada de bom à sua cabeça e teve de ser afastado do grupo, sendo substituído por David Gilmour já no segundo álbum, "A Saucerful of Secrets".

O legado de Syd Barrett está totalmente concentrado no primeiro disco dos Pink Floyd, que viria a ser a principal banda do rock progressivo, levando o conceito dos Beatles em Abbey Road (de 1969) às últimas conseqüências. Mesmo na sua errática carreira a solo, em que preferia esmurrar a sua guitarra a explorar novos horizontes sónicos, Barrett não conseguiu atingir o mesmo vigor e brilho do auge da psicodelia londrina. Nem ele, nem ninguém.

Fonte: Alexandre Matias, e Wikipédia.

Afinal, o Chita que morreu, não era o original.

2011-12-30T09:37:00.000Z

Cheeta, ou Cheetah, Cheta, ou ainda Chita, morto no último dia 24 de Dezembro, o chimpanzé que, segundo o Santuário Suncoast, nos Estados Unidos, foi o intérprete de Chita nos primeiros filmes de Tarzan teve a sua identidade colocada em dúvida por especialistas. Para eles, a suposta idade do animal, que teria morrido aos 80 anos de idade, seria um dos indícios de que não se trata do Chita original.

Debbie Cobb, directora do santuário na Flórida onde o primata vivia, disse nesta quarta-feira, 28 de Dezembro, que os seus avós compraram Chita, por volta de 1960, ao primeiro actor de “Tarzan”, Johnny Weissmuller, e que o chimpanzé apareceu em filmes de personagem entre 1932 e 1934. Cobb, porém, não apresentou documentos, dizendo que eles foram destruídos num incêndio em 1995. Além disso, relatos em Hollywood indicam que o chimpanzé macho chamado Jiggs, ou Mr. Jiggs – intérprete de Chita na época de Weissmuller –, morreu em 1938.

Também contribui para as suspeitas a idade da suposta Chita do Suncoast: o facto de que um chimpanzé de 80 anos, seria extraordinariamente velho, talvez o mais velho já conhecido. De acordo com diversos especialistas e com o Save the Chimps, outro Santuário da Flórida, os chimpanzés criados em cativeiro geralmente vivem entre 40 e 60 anos. Já o Lion Country Safari, também na Flórida, diz que abriga um animal que tem cerca de 73 anos.

Uma controvérsia similar, envolvendo outro chimpanzé que supostamente actuou ao lado de Weissmuller, foi revelada em 2008 pelo jornal “Washington Post”. O jornalista e escritor americano Richard Dean Rosen descobriu que um outro primata - também apontado como sendo o Chita original -, que vivia em Palm Springs, na Califórnia, tinha nascido por volta de 1960 e que, portanto, não tinha idade suficiente para ter aparecido nos filmes de Tarzan, da era de ouro de Hollywood. Os filmes estrelavam o campeão olímpico de natação Johnny Weissmuller e tinha a actriz Maureen O’Sullivan no papel de Jane.

Como vários chimpanzés estiveram nos filmes do Tarzan feitos nos anos 1930 e 1940, Rosen escreveu num e-mail, nesta quarta-feira, que a Chita morta na véspera de Natal parece ser também uma “impostora”.

“Receio que qualquer chimpanzé que tenha, de facto, dividido a cena com Weissmuller e O’Sullivan esteja morto há muito tempo”, disse Rosen.

De acordo com Debbie Cobb, a Chita do Suncoast morreu vítima de insuficiência renal e foi cremada.

“Infelizmente, houve um incêndio em 1995 que destruiu muitos documentos”, lamentou ela. “Eu tenho 51 anos e conheço Chita desde sempre. A minha primeira lembrança é da época em que eu tinha cinco anos de idade, e ele já era um chimpanzé adulto, na época”.

O historiador do cinema Robert Osbourne afirmou que o personagem Chita “era uma das coisas que as pessoas adoravam nos filmes de Tarzan porque fazia as pessoas rirem. Era sempre a parte engraçada dos filmes”. De acordo com Osbourne, Chita foi tão popular quanto o pastor alemão Rin Tin Tin e o terrier Asta, que fez sucesso na década de 1930. Chita, era a principal estrela”, continuou o pesquisador.

No santuário da Flórida, Chita era extrovertido, adorava fazer pinturas com os seus dedos e gostava de ver pessoas rirem, informou Cobb. Mas o chimpanzé também podia ser mal-humorado. Cobb conta que, quando não gostava de algo, Chita arremessava fezes e outros objectos.

Premiata Forneria Marconi, o Rock Progressivo Italiano

2011-12-25T14:47:00.000Z

Premiata Forneria Marconi é uma banda italiana da área do rock progressivo formada em 1972 e que atingiu grande popularidade nessa década, com sucessos nos dois lados do Atlântico. Apesar de compartilhar o estilo com várias outras bandas italianas conteporâneas como Banco del Mutuo Soccorso, Area, Perigeo e Le Orme, os PFM, foram a única banda italiana do género a conseguir projecção internacional.

A sua música mostra influências dos King Crimson, e posteriormente dos Genesis, mas a PFM, manteve sempre um alto nível de originalidade, contando com o som distinto do Mediterrâneo.

Os italianos são devotados ao rock, há muito tempo. De uma maneira geral, nunca se dedicaram ao rock pesado, mas sim, aquele rock mais voltado para a música pop, ou então o do outro extremo, o erudito.

No final da década de sessenta, surgiram bandas em Itália, que faziam versões em italiano de músicas de conjuntos ingleses, tais como os "I Camaleonti" e "I Quelli". Dos Camaleonti, por exemplo, há uma versão para a música "Homburg", dos Procol Harum. Dos Quelli, havia uma versão de "Rain And Tears", dos Aphrodite's Child.

A maioria dos conjuntos italianos do final dos anos sessenta, ou do início dos setenta, desapareceu. Somente alguns músicos continuaram noutros grupos. O caso mais notável, de que se tenha notícia, foi o dos "Quelli", que acabou por originar os Premiata Forneria Marconi, com pequenas modificações, na sua formação.

Os "Quelli" eram um quinteto integrado por Franco Mussida (guitarra e vocal), Franz Di Cioccio (bateria), Flavio Premoli (teclados) Alberto Radius (guitarras), e Teo Teocolli (vocais). Por volta de 1971, os Quelli, passaram a chamar-se, Premiata Forneria Marconi (PFM), com a seguinte formação.Franco Mussida, Flávio Premoli, Franz Di Cioccio, Mauro Pagani (violinos e flautas), e Giorgio Piazza (baixo). Com esta formação, realizaram aberturas para alguns concertos italianos dos Yes. De acordo com a imprensa italiana da época, executavam com grande maestria músicas dos primeiros álbuns dos King Crimson.

Gravaram o primeiro LP, "Storia Di Un Minuto", lançado somente na Itália, em janeiro de 1972. O disco já trazia um prenúncio de que os PFM estavam dispostos a conquistar um lugar de honra na história do rock progressivo, e realmente conseguiram esse desiderato. Tão grande foi a aceitação da banda pelo público italiano, que no mesmo ano viriam a gravar o segundo LP.

A banda, não passou despercebida a Peter Sinfield, letrista dos King Crimson. Sinfield levou os PFM, a gravar em Inglaterra, em inglês. E ainda se deu ao trabalho de escrever as letras das músicas, para eles.

Ainda em Outubro de 1972, os PFM entravam nos estúdios da Manticore, selo dirigido por Greg Lake, - Gregory Stuart "Greg" Lake - autor, produtor, baixista e cantor, primeiro dos King Krimsson, e posteriormente, letrista, baixista e guitarrista dos Emerson, Lake & Palmer.

O disco só sairia em 1973, com o nome "Photos Of Ghosts". Ao contrário do que acontecia com os Quelli, o disco trazia versões em inglês de músicas dos primeiros discos dos PFM.

Os discos da banda seriam,obrigatoriamente, por contrato, editados em Inglaterra, nessa década. Este pormenor, contribuiu muito para a evolução, dos PFM, granjeando-lhes uma identidade própria e dando-lhes acesso a outro mercado, o norte-americano.

Um factor que também contribuiu para o sucesso nos U.S.A. foi o grande número de imigrantes italianos . Isto ficou comprovado com o LP "PFM Live In USA", gravado em agosto de 1974. Vale aqui dizer que, desde o LP "L'Isola Di Niente" tinha entrado um novo baixista, Jan Patrick Djivas (ex-Area).. O disco de 1974, "L'Isola Di Niente" (em Inglaterra baptizado com o nome "The World Became The World"), foi em grande parte gravado em Londres, entre Novembro de 1973, e Fevereiro de 1974.

Em 1975, os PFM cometeram um erro, que originou um grave desprestigio ao grupo. Contratou o cantor Bernardo Lanzetti, proveniente do grupo "Acqua Fragile", que era produzido em Itália por membros dos PFM.

Lanzetti tinha aspirações de ser o Peter Gabriel italiano, e isso incomodou os fãs e os criticos mais fanáticos italianos. Para os irritar ainda mais, o disco "Chocolate Kings" (o primeiro gravado com Lanzetti), só foi cantado em inglês. Embora os italianos respeitassem os outros discos ingleses da banda, acharam que este facto era demais para eles.

O disco de 1977, "Jet Lag", foi vítima do mesmo pecado. Foi gravado nos U.S.A., e marcou uma mudança na formação: Pagani saiu, e foi substituído no violino por Gregory Bloch. Entre os cinco temas do disco, somente uma delas era cantada em italiano. Por estranha curiosidade, trazia o título "Cerco La Língua", ou seja, "Procuro A Língua". Seria isso uma confissão, o revelar de um sentimento de culpa que a banda vivia?

A resposta viria em seguida, no disco "Paspartú", lançado em 1978. A partir deste, a banda deixaria de cantar, e de gravar em inglês.

Somente em 1981 fariam outra experiência lingüística, cantando um dialecto da região de Milão, de onde eram originários. Aí foram compreendidos.

Depois de "Paspartú", Lanzetti deixou a banda. Foi quando Di Cioccio assumiu os vocais e a exemplo de Phil Collins (dos Genesis) passou a contratar bateristas para os seus concertos.

Desde 1980, com "Suonare Suonare", os PFM tem um novo violinista, Lucio Fabri.

Surdez, influenciou a musica de Beethoven

2011-12-23T08:00:00.000Z

A surdez progressiva influenciou profundamente as composições de Beethoven, levando-o a escolher notas de frequência mais baixa conforme sua condição piorava, afirma um recente estudo.

Beethoven mencionou pela primeira vez sua perda de audição em 1801, aos 30 anos, dizendo que estava com problemas para ouvir notas altas de instrumentos e vozes.Em 1812, as pessoas precisavam gritar para se fazer entender por ele e, em 1818, o músico começou a comunicar com os outros através de anotações. Nos últimos anos antes de sua morte, em 1827, a sua surdez, aparentemente, era total.

Na última edição do British Medical Journal (BMJ), um trio de cientistas Holandeses examinou os quartetos de cordas de Beethoven. Estes agruparam esses trabalhos em quatro períodos, dos primeiros (1798-1800) ao último (1824-26).

Os especialistas observaram a primeira parte de violino no primeiro movimento de cada quarteto, contando o número de notas acima de G6 (acorde de sexta, Sol, Si, Ré, Mi), que corresponde a 1,568 Hertz.

Descobriram que o usode notas mais altas decresceu conforme a surdez aumentou. Para compensar, Beethoven usava mais as notas de frequências baixas e médias, que ele podia ouvir melhor quando a música era tocada.

Mas nos últimos quartetos, escritos quando ele estava totalmente surdo,as notas mais altas voltaram a aparecer. O estudo é de autoria de Edoardo Saccenti, Age Smilde e Wim Saris do Centro Metabolômico dos Países Baixos, em Leiden.

Carl Perkins, o pioneiro do Rockabilly

2011-12-22T08:00:00.000Z

Carl Lee Perkins (19 de abril de 1932 - 19 de Janeiro de 1998) foi o pioneiro do rockabilly, uma mistura de rhythm and blues e country music que foi publicitado em primeiríssima mão pela Sun Records em Memphis, Tennessee no começo dos anos 50.

Nascido em Tiptonville, Tennessee, filho de um pobre fazendeiro arrendatário, Perkins cresceu cercado pela música gospel sulista, cantadapelos negros que trabalhavam nos campos de algodão. Aos 7 anos de idade já tocava guitarra, feita por seu pai com uma caixa de madeira, um cabo de machado, e uma corda de embrulho.

Carl Perkins foi o ícone do rockabilly cujos sucessos iniciais levaram a Sun Records até ao seu estatuto lendário, que hoje tem. Ele e oscolegas da gravadora, Elvis Presley, Johnny Cash, e Jerry Lee Lewis foram apelidados de "Million Dollar Quartet.

Em 1956, Perkins compõe a música "Blue Suede Shoes" num papel, que servira para embrulhar os legumes que a sua mãe fora comprar ao mercado local. Produzida por Sam Phillips, a canção venderia milhões de cópias. No auge da fama da música, Carl envolveu-se num acidente de carro quase fatal. Enquanto Perkins recuperava numa cama do hospital, o astro em ascensão Elvis Presley lançou a sua própria versão de "Blue Suede Shoes".

O sucesso de Presley impediu Perkins de alcançar a popularidade que ele parecia estar destinado. Perkins nunca mais conseguiria o mesmo destaque no mundo da música pop.Durante a sua longa carreira gravou inúmeros compactos e álbuns, além de compor vários sucessos tanto no rock quanto na música country.

As suas músicas ganharam versões dos Beatles (Perkins inclusive colaboraria com Paul McCartney, tocando guitarra rítmica em "Ebony and Ivory", um sucesso conjunto de McCartney e Stevie Wonder).Quando do revival do rockabilly nos anos 80, George Harrison, Eric Clapton e Ringo Starr apareceram com ele mum programa especial televisivo em Londres, chamado ''Carl Perkins and Friends: A Rockabilly Session.

De volta aos estúdios da Sun em 1986, Perkins juntou-se à Johnny Cash, Jerry Lee Lewis e Roy Orbison para gravar o álbum Class of '55. Foi um tributo ao começo de carreira deles na Sun e em parte a reprise de uma informal jam session que ele, Presley, Cash e Lewis fizeram em 4 de Dezembro de 1956.

O seu maior hit é, sem duvida, "Blue Suede Shoes", mas muitas das suas outras canções foram gravadas por nomes como Elvis Presley, Johnny Cash, Beatles (coletiva e individualmente), Brian Setzer, e Patsy Cline. Perkins alcançou o seu estatuto de pioneiro do Rock-a-Billy durante a maior parte dos anos 50 e início dos anos 60 mas a sua música "desapareceu" da rádio e da televisão, durante a invasão britânica em meados dos anos 60.

Em 1987, o reconhecimento da contribuição de Perkins à música veio quando ele foi incluído no Hall da Fama do Rock and Roll.Perkins morreu aos 65 anos de idade depois de sofrer vários derrames e foi enterrado no Ridgecrest Cemetery em Jackson, Tennessee.

Bon Jovi, usa o Twiter, para desmentir a sua morte

2011-12-21T09:27:00.000Z

Jon Bon Jovi recorreu ao Twitter para desmentir e, ao mesmo tempo, ridicularizar os boatos que o deram como morto. Segundo esses boatos, durante uma viagem em Nova Jersey, uma notícia que foi publicada num blog e se espalhou pela Internet.

Os rumores afirmavam que Jon Bon Jovi tinha morrido em consequência de uma uma paragem cardíaca, e que seu corpo teria sido encontrado em coma pelos paramédicos em um hotel, de acordo com informações do site The Hollywood Reporter.

Bon Jovi, de 49 anos, também brincou com a notícia da sua morte durante um show realizado na noite da última segunda-feira, dia 20, no estado vizinho a Nova York, informou o jornal "The Star-Ledger".

"O inferno parece-se muito com Nova Jersey. Podem dormir tranquilos porque Jon está bem", tuitou o próprio Bon Jovi nesta terça-feira. Para não restarem dúvidas, o cantor também publicou uma foto, a qual o mostra sorridente e empunhando um cartaz com a data e a hora do dia.

O intérprete de temas como "Always", "Bed of Roses" e "Keep the Faith" mencionou o seu suposto falecimento em várias ocasiões ao longo da sua apresentação, que foi realizada no Count Basie Theatre de Nova Jersey.

A suposta morte de Bon Jovi foi publicada na última segunda-feira pelo blog "dailynewbloginternational".

O jornal "Los Angeles Times", por sua vez, assinalou pouco depois que várias das frases do artigo publicado pelo blog pareciam copiadas da sua notícia sobre a morte de Michael Jackson em 2009, mas deixou claro que não tinha nenhuma ligação com a criação deste rumor.

Ao lado de Robert De Niro, Ashton Kutcher e Sarah Jessica Parker, Jon Bon Jovi faz parte do elenco de estrelas do filme "Noite de ano novo", que estreou no inicio deste mês de Dezembro nos Estados Unidos.

Paul McCartney anunciou o lançamento de seu novo álbum.

2011-12-19T16:44:00.002Z

Paul McCartney anunciou o lançamento de seu novo álbum intitulado, "My Valentine"para 6 de Fevereiro,com as participações especiais de Eric Clapton e Stevie Wonder.

Ainda sem título divulgado, McCartney revelou no seu site oficial, que o álbum terá covers de músicas que o inspiraram na juventude e que vieram a influenciar os Beatles, classificando-as como "as músicas que inspiraram as músicas".

A lista de faixas ainda não foi revelada, mas o ex-Beatle vai avisando que não escolheu regravar grandes clássicos.

"Era importante para mim manter-me longe das escolhas mais óbvias, por isso,muitas canções serão desconhecidas, para algumas pessoas. Espero que estejam abertas para uma boa surpresa", comentou.

"São canções que eu e John Lennon usamos para basear muitas das nossas composições. Quando eu me comecei a interessar por composição, percebi quão bem estruturadas estas canções eram, e acho que aprendi muitas lições com elas. Sempre achei que artistas como Fred Astaire eram um modelo a ter em atenção. Compositores como Harold Arlen,Cole Porter, compunham temas, que eu sempre achei serem mágicas. Depois, quando me tornei um compositor, achava que era lindo a maneira como eles escreveram aquelas músicas. Portanto, "My Valentine", vai ter um som parecido com o que se fez entre, 1920-1940", explicou.

Além dos covers, o disco terá duas composições originais.No comunicado, McCartney ainda falou sobre o processo de gravação, que passou por Los Angeles, Nova York e Londres. Além de viajar, de estudio para estudio, McCartney, pela primeira vez na sua carreira, gravou os vocais, sem tocar a sua guitarra, violão ou baixo.

"Foi muito espontâneo, meio que orgânico, o que me lembrou a forma que trabalhávamos nos Beatles. Trazíamos uma música, brincávamos com ela e quando achávamos uma maneira de a tocar, dizíamos 'Ok, vamos gravar uma agora'. E quando cada um começava a ter ideia do que estava a fazer, já tínhamos aprendido a música. Então era isso que fazíamos, gravávamos uma versão ao vivo no estúdio", contou McCartney.

Uma faixa do álbum, "My Valentine", está disponível para streaming durante 24 horas, para os assinantes do site de Paul McCartney. A produção do disco foi feita por Tommy DiPuma.

Memory Almost Full, de 2007, é o último disco solo de Paul McCartney. Este ano, ele relançou os álbuns McCartney (1970) e McCartney II (1980) e lançou uma banda sonora original, para o balé Ocean's Kingdom.

Morreu Sérgio Borges, do Conjunto Académico de João Paulo

2011-12-18T16:12:00.004Z

Sérgio Borges, 67 anos, morreu ontem à noite, no Funchal. Foi o vocalista do Conjunto Académico João Paulo, que nos anos 60 fez sucesso em Portugal.

Sérgio Borges e o Conjunto Académico João Paulo começaram no Funchal, nos primeiros anos da década de 60. Nessa época destacaram-se no panorama nacional com Os Sheiks, Os Conchas, Chinchilas, Duo Ouro Negro, Quarteto 1111 e Demónios Negros, entre outros grupos musicais.

Em 1964 deslocaram-se ao Continente, obtendo grande sucesso no Teatro Monumental e no programa TV Clube. Nesse ano, é editado o primeiro disco do grupo, um EP (formato mais vulgar na época, com três ou quatro canções) com os temas "La Mamma", "Hello Dolly", "Eu Tão Só" e "Ma Vie". No ano de estreia nacional, venceram o Prémio de Imprensa Especial.

Com "Onde Vais Rio Que Eu Canto", da autoria de Nóbrega e Sousa e Joaquim Pedro Gonçalves, Sérgio Borges venceu o VII Grande Prémio da Canção em 1970, ano em que Portugal não participou no Festival da Eurovisão em protesto contra o sistema de votação vigente.

Em 1966, Sérgio Borges ficou em segundo lugar no Festival RTP da Canção, com "Eu Nunca Direi Adeus", tema editado em disco do Conjunto João Paulo que inclui uma versão de "Ele e Ela" de Madalena Iglésias, vencedora desse festival e também, ex-aequo com Sérgio Borges, do Prémio da Imprensa desse ano.

Com vários sucessos na carreira, o grupo madeirense, depois de uma pausa, passa a denominar-se Sérgio Borges & Conjunto João Paulo. O último disco do grupo é editado em 1972. Durante vários anos, este cantor actuou no Casino da Madeira, tendo lançado em 2004 o CD "40 Anos a Cantar", um colectânea dos seus êxitos, como "Hully Gully do Montanhês","Milena (a da Praia)”, "Se Mi Vuoi Lasciare”, "Chove”e “Balada de Uma Rapariga Triste".

Em 1993 a Valentim de Carvalho editou algum do espólio do grupo, num CD intitulado “Os Grandes Êxitos do Conjunto Académico João Paulo”. Em 2008, foi lançado um CD duplo que reúne um total de 42 canções gravadas no período compreendido entre os anos de 1964 e 1968. Um terceiro CD juntará o material registado a partir de 1970 até 1972 onde participou a cantora sul-africana Vickie.

Foram fundadores do grupo, além do vocalista Sérgio Borges, João Paulo Agrela (teclas), falecido em 2007, Carlos Alberto Gomes (guitarra), Rui Brazão (guitarra), Ângelo Moura (baixo) e José Gualberto (bateria), falecido em 2004.

Por: Tolentino de Nóbrega, no Publico

The Beach Boys - 50th Anniversary Reunion, New Album And Tour

2011-12-17T12:27:00.005Z

OsBeach Boys vão reunir-se em 2012 para lançar um novo álbum e realizar uma tournê mundial com 50 shows, para celebrar o 50º aniversário, anunciou a banda na passada sexta-feira.

O anúncio foi feito por meio de vídeo publicado no YouTube, (cliquem e vejam), e no site oficial do grupo, aonde divulgam uma turnê mundial e o lançamento de um disco de temas inéditos, em que participam todos os membros remanescentes da formação clássica, que inclui o líder e principal compositor, Brian Wilson.

Brian Wilson, Mike Love, Al Jardine, Bruce Johnston e David Marks, - todos eles envolvidos nas primeiras formações dos Beach Boys, na década de 60, altura em que alcançaram a fama com temas como "Surfin' USA", "California Girls" e "Good Vibrations", - estão produzindo um novo álbum, após 15 anos de paragem na sua carreira e em estúdio.

"Esse aniversário é especial para mim porque sinto falta dos fãs, e para mim será uma grande emoção fazer um novo disco e estar no palco com eles outra vez", disse Brian Wilson, agora com 69 anos, em.

O vocalista Mike Love, de 70 anos, acrescentou: "Foi uma emoção voltar a estar em volta de um piano com Brian, Alan e Bruce, e viver novamente, o entusiasmo, o brilho do dom do meu primo Brian, nos arranjos vocais".

O álbum, ainda sem título, deve sair em Abril, num lançamento comemorativo, por ocasião das comemorações do cinquentenário da banda. A tourné começará no Jazz Fest, em Nova Orleans.

Os Beach Boys surgiram em Hawthorne, na Califórnia, em 1961, formados pelos irmãos Brian, Carl e Dennis Wilson, o seu primo Love e o amigo Al Jardin. Johnston e Marks entraram depois.

Shoking Blue, de Mariska Veres.

2011-12-14T08:53:00.005Z

Os Shocking Blue, banda de Rock/Pop formada em The Hague Holanda pelo guitarrista Robbie Van Leeuwen em 1967, tinha como baterista Cor Van Beek, baixista Klaassje van der Wal e o cantor Fred de Wilde. Chamavam-se apenas “Shoking” e gravaram um "disquinho" que fez um sucesso modesto na sua "terrinha" natal.

Algum tempo depois, o seu empresário foi a uma festa em que actuava uma banda que se dava a conhecer pelo nome de "Bumble Bee", e na qual se destacava a vocalista, Mariska Veres.

Impressionado com a voz e a presença de palco de Mariska, o manager dos Shoking, logo se apressou a convidá-la, para integrar a banda dos seus rapazes.

Mariska, aceitou e de imediato assinou contrato, com a banda logo renomeada de Shoking Blue.

Do seu primeiro trabalho de estúdio, em 1968 Beat With Us, pouco se ouviu falar. Só com a saída do seu segundo vinil em 1969, At Home, é que a banda ganhou reconhecimento mundial. E tudo por causa de um tema, Venus. Vendeu, 13, 5 milhões de discos, e manteve-se durante um largo período, na primeira posição do Billboard Hot 100.

O Lp, incluia ainda o tema Love Buzz , que seria regravado pelos Nirvana, décadas depois.

Mariska tinha uma voz rouca, forte, e usava uma maquilhagem pesada, vestindo roupas que lhe davam um ar completamente hermafrodita, confundindo o publico, que se interrogava se seria de homem ou de mulher, a voz solista dos Shoking Blue.

Durante os anos 70, os Shocking Blue, gravaram excelentes singles, que fizeram enorme sucesso na Holanda, no resto da Europa e no Japão, tais como Mighty Joe, Never Marry a Railroad Man, Hello Darkness, Shocking You, Long and Lonesome Road, Send Me a Postcard, Blossom Lady, Out of Sight, Out of Mind e Inkpot.

Em 1971 o guitarrista Robbie Leeuwen deixou a banda, em conflito com Mariska, por achar que ele é que era o líder, e não conseguia sobreviver ao protagonismo que a imprensa e o publico davam á cantora. Mariska continuou, a trio, mas nunca mais conseguiria nenhum hit, da qualidade de Venus.

Os Shoking Blue, terminariam em 1974.

Mariska tentou construir uma carreira a solo no Pop e Eurodance, sem grande sucesso.

Faleceu a 2 de Dezembro de 2006, aos 59 anos vitima de um cancro, pesava mais de 100 quilos.

Novaiorquinos prestaram homenagem a John Lennon no Central Park

2011-12-09T08:26:00.004Z

Dezenas de pessoas, prestaram nesta quinta-feira, 8 de Dezembro, no Central Park, no coração de Nova York, homenagem a John Lennon no dia em que se completaram 31 anos desde que um tresloucado tirou a vida ao ex-Beatle.

Lennon foi assassinado em frente ao edifício Dakota, onde morava com Yoko Ono, e a apenas alguns passos do Central Park, com cinco tiros, disparados pelo assassino confesso, Mark David Chapman, que cumpre desde 1981, uma condenação na prisão de segurança máxima de Attica, em Nova York, após várias tentativas frustradas de obter liberdade condicional..

Strawberry Fields, nome que foi dado a uma área do pulmão de Nova York, (Central Park), aonde há um mosaico com a palavra "Imagine", voltou a ficar cheio de flores e de fãs que entoaram músicas dos Beatles e especialmente as compostas por John.

Yoko Ono, por sua vez, usou o Twitter para convidar os admiradores do ex-beatle a deixarem mensagens e homenagens no site ImaginePeace.com, por onde já passaram cerca de mil pessoas.

Coincidindo com o 31º aniversário do assassinato de Lennon, a revista "Time" publicou nesta quinta em seu site oito fotos até agora inéditas de um de seus famosos protestos pacíficos "bed-ins" (na cama), protagonizado pelo artista em um hotel de Montreal (Canadá) em 1969.

George Harrison: Living in the material world

2011-11-29T09:02:00.006Z

Completam-se hoje, 10 anos sem George Harrison, que morreu em Los Angeles aos 59 anos, vitima de um cancro. Nada melhor, para lhe prestar homenagem, do que assistir ao "Living in the material world", documentário de Martin Scorsese, sobre a vida do mais novo e mais tímido Beatle.

"Living in the material world" (2011) não consegue chegar ao mesmo nível de outros documentários musicais de Scorsese. O filme sobre a vida do Beatle mais novo parece em alguns momentos ter ficado preso a necessidade de agradar aos beatlemaníacos (afinal, somos chatos e temidos!) e de corresponder às expectativas da produção.

A ideia do filme partiu da viúva de George, Olivia Harrison, produtora executiva de "Living in the material world". Durante anos, Olivia vinha juntando relíquias, como o diário do marido, cartas e cartões postais trocados com a família e amigos, alguns vídeos caseiros e diversas entrevistas de George na televisão. Depois de assistir a "No direction home": Bob Dylan (2005), documentário que cobre toda a carreira de Dylan, ela encontrou-se com o realizador do projecto. Convite feito, Scorsese assumiu a missão. As filmagens que levaram pouco mais de dois anos para serem realizadas, resultaram numa produção de três horas e meia, dividida em duas partes. Seguindo um roteiro linear, Scorsese monta o seu filme com as imagens de arquivo cedidas por Olivia, trechos de entrevistas da Antologia dos Beatles, entrevistas com as duas esposas, amigos de diversas fases da vida de Harrison, usando como passagem trechos de cartas e do diário de George, lidos pelo filho Dhani. Se só legitimamos nossa existência pelas histórias que vivemos, são elas que aqui vão desvendando quem foi George Harrison nesse pobre mundo material.

A primeira parte do filme é dedicada a história dos Beatles. Scorsese cobre desde as reuniões dos Quarrymen nas casas dos integrantes até ao fim da banda. Porém, entrevistando os dois irmãos de George, o realizador perde a hipótse de aprofundar a infância do guitarrista ou de descobrir histórias ainda não gravadas com os amigos de Liverpool, e acaba indo pelos caminhos que outros documentários já seguiram antes. Depois de Anthology, é difícil encontrar histórias ainda não contadas sobre os Fab Four. Durante os primeiros 90 minutos de filme temos a impressão de que estarmos a ouvir mais sobre Lennon e McCartney do que sobre o próprio George. Mas, se em "No direction home" Scorsese conseguiu criar um tratado sobre a história dos Estados Unidos e da sua música, usando a carreira de Dylan como condutor, aqui os factos históricos (como a Inglaterra em recuperação no pós-guerra) ficam quase apagados no pano de fundo e vemos a repetição de episódios já bastante explorados, como a polémica em torno de uma declaração de John Lennon sobre Jesus Cristo. Na segunda parte, porém, Scorsese parece encontrar o seu caminho e o seu alvo: a busca espiritual de George. É a partir daqui que George conquista o seu próprio filme.

George era o beatle tímido. Era introspectivo, mas tinha senso de humor tipicamente britânico e não economizava as suas piadas (numa cena brinca: “quantos Beatles são necessários para trocar uma lâmpada?”, depois de alguns segundos, rindo, responde: “quatro!”). Era generoso, por vezes ingénuo (como no episódio que convidou todo o grupo dos Hell’s Angels para visitar a Apple), mas também era ambicioso o suficiente para lutar por seu espaço dentro da banda. Foi músico, escritor, produtor musical, o primeiro músico a organizar um show beneficiente (Concert for Bangladesh), produtor de cinema e até arriscou algumas participações como actor. A história de como George foi parar nos negócios da sétima arte, revela muito sobre quem ele era.

Numa das várias lembranças que divide sobre o amigo, Eric Idle, do Monty Python, conta que o grupo estava produzindo "Life of Brian", com a EMI, quando depois da primeira leitura do roteiro, a produtora cancelou tudo, dizendo que não poderia ajudar aquele filme “difamatório” a chegar ás salas de cinema. O filme parecia condenado. Nas conversas por telefone com George, Idle só ouvia: “vamos encontrar uma maneira”. Um dia, o humorista recebeu uma ligação. Do outro lado, estava Harrison empolgado: “Achei uma solução. Vamos criar uma produtora!”. Para levantar os 4 milhões de dólares necessários para financiar a produção, George hipotecou a própria casa e salvou aquela que viria a ser a obra-prima dos Monty Python.

Pelos depoimentos dos amigos, e da própria esposa Olivia, descobrimos que Harrison viveu os grandes relacionamentos de sua vida em suas amizades. Segundo a viúva, os versos de "I’d have you anytime", do álbum All things must pass (1970), onde George diz “let me know you”, foram escritos para Bob Dylan. Apesar de os dois passarem muito tempo juntos, George ficava preocupado porque Dylan não revelava muito os seus sentimentos.

O caso mais conhecido, um dos episódios que melhor expressa o valor que Harrison concedia aos seus amigos, é a relação que ele teve com Eric Clapton. O filme fala sobre as viagens, composições e gravações que os dois dividiram, e abre bastante espaço para que Clapton fale abertamente sobre como “roubou” a mulher de Harrison. Entre as entrevistas do autor de Layla, e da própria Pattie Boyd, entra uma declaração de George, numa conferência de imprensa, pouco antes de começar a sua primeira tourné a solo. Os jornalistas perguntavam o que ´que ele achava de Clapton, como estava a relação dos dois. George, rindo da situação, calmo responde que não tinha que ter raiva de Clapton. Um dos jornalistas insiste, dizendo que ele deve estar chateado com tudo o que aconteceu. George apenas sorri e diz que se Pattie tinha que estar com outro, melhor que fosse com Clapton.

Claro que apesar da calma aparente, George Harrison não foi nenhum santo. Scorsese traz esse lado B, que também fazia parte de quem ele foi. A sua busca pela espiritualidade, seguindo o Maharishi ou praticando cítara com Ravi Shankar, mostrava um homem perdido nas suas próprias contradições, num mundo que se calava diante das suas perguntas. Scorsese aborda com entrevistas e trechos de depoimentos do próprio músico a questão das drogas, que muitas vezes colocou Harrison na primeira página dos tablóides. Olivia fala sobre um George mulherengo, que muitas vezes ela ignorava para manter o seu casamento, revelando que o segredo da sua relação era “não ser muito honesta”. Yoko conta que a sinceridade do guitarrista podia, às vezes, machucar as pessoas.

Mesmo Scorsese cobrindo toda a carreira e quase toda a vida de George (até o atentado que ele sofreu no final de 1999, dentro de casa) quando chegamos ao fim do filme, ficamos com a sensação de que muitas coisas poderiam ter sido melhor exploradas nas mais de três horas de filme. Os Traveling Wilburys (banda de Harrison com Tom Petty, Roy Orbinson, Jeff Lyne e Dylan), as participações de George em programas como o The Rutles (paródia dos Beatles criada por Eric Idle), o Concert for Bangladesh, o seu trabalho a solo. Ele é um dos Beatles, mas foi muito mais do que isso depois que a banda terminou. George assumiu a sua própria identidade enquanto músico e tornou-se numa referência. Além disso, enquanto produto de cinema, "Living in the material world", não carrega a assinatura de Scorsese. É um documentário bastante clássico, feito basicamente em cima de arquivos, com planos fechados nos entrevistados, sem muita movimentação de câmera, ou fotografia e enquadramentos diferenciados. Se o director foi ousado com "Shine a Light", "The last waltz" ou nos episódios que dirigiu na série "The blues", aqui temos um Scorsese mais contido, que não corre riscos.

Porém, temos que reconhecer que apesar de não ter as marcas que afirmaram Scorsese como realizador, "Living in the material world", tem os seus méritos. Leva-nos ao mundo onde George Harrison trata do próprio jardim, convida os amigos para chávenas de chá, sessões de filosofia (in)voluntária e dá grandes respostas a perguntas estúpidas em programas de auditório. São três horas onde podemos experimentar diferentes emoções: George faz-nos rir, os depoimentos dos amigos emocionam-nos (especialmente quando Ringo conta sobre o último encontro dos dois), e nós cantamos as músicas, desejando poder ter conhecido George Harrison. No fim, críticas ou frustrações á parte, confesso que o documentário acabou entrando na minha lista de filmes para rever algumas vezes vida afora. Porque a gente pode sim ficar feliz só por dançar com George Harrison…

Por Fernanda Canofre dos Santos

Happy 72º Birthday, Tina Turner!

2011-11-26T11:05:00.002Z

Tina Turner, completa hoje 72 anos.

Tina Turner (nome artístico de Anna Mae Bullock; Nutbush, nascida a 26 de Novembro de 1939) é uma cantora americana de R&B, pop, rock e soul, dançarina, além de actriz ocasional e budista.

Foi chamada nos anos 1980 de a Rainha do Rock, e nos 90 de a Rainha do Pop, por ter uma voz inconfundível e por usar os graves e os agudos de uma forma ímpar, pelos seus shows electrizantes, pela sua grande presença de palco e pelas suas pernas longas e bem proporcionadas.

Tina Turner é a cantora de rock mais bem sucedida da história vendendo mais bilhetes de entrada nos seus espectáculos, do que qualquer outro artista na história da música e com vendas de álbuns excedendo 54 milhões, desde seu retorno como cantora a solo em 1984.

Considerada uma Diva da música e, também, segundo a MTV americana, uma das mais dinâmicas cantoras da história. Tina tem 27 músicas na Billboard Top 10. Tornou-se famosa por explosivas apresentações com o seu marido, na época Ike Turner, durante os anos 60 e 70 e mais conhecida pelo seu retorno a solo em meados da década de 80.

Aos 17 anos, conheceu Ike Turner e, aos 18 anos começaram a fazer tournés juntos, fazendo parte do coro (backing vocal). Dois anos após o início da banda "The Ikettes", tornou-se a estrela do show, e a formação passou a chamar-se Ike Turner & The Kings of Rhythm. Tempos depois teria definitivamente o nome de Ike & Tina Turner.

A dupla começou por atingir os lugares cimeiros das listas de vendas em 1960 com o hit "A Fool In Love". Ao longo da década e com ajuda do produtor Phil Spector tiveram um enorme êxito com "River Deep Mountain High". Em 1971 consagraram o tema "Proud Mary", uma versão do tema dos Creedence Clearwater Revival. Três anos depois Tina abandonou Ike Turner devido ao seu comportamento agressivo, e ás suas diferenças pessoais.

Em 1975 fez um papel no filme "Tommy" (dos The Who), actuando como a "Acid Queen", apelido que a acompanharia durante muito tempo. No final da década de 1970 gravou alguns álbuns para a United Artists, mas não tiveram nenhuma repercussão.

Em 1983 voltou com o projecto dos integrantes de Heaven 17, Ian Craig Marsh e Martin Ware, denominado B.E.F., aonde gravou uma versão do tema dos Temptations "Ball of Confusion". Nesse mesmo ano foi contratada pela Capitol. O seu primeiro single foi uma versão do clássico de Al Green "Let's Stay Together", que entrou com força nas listas de vendas em 1984.

O seu segundo single foi "What's Love Got To Do With It", que se manteve três semanas em número um, convertendo-se num dos hits do ano. Em 1984 lançou "Private Dancer" com o qual conseguiu os sucessos "Better Be Good To Me" e "Private Dancer" (composta para ela por Mark Knopfler).

Em 1985 Tina Turner gravou "We Don't Need Another Hero", para o terceiro filme da trilogia Mad Max (Mad Max Beyond Thunderdome), em que actuou como a vilão Aunty Entity. A música acabou por se tornar o seu terceiro maior hit na Billboard. "Typical Male" em 1986 foi um grande sucesso da década e o segundo maior da sua carreira. Em 1989 Tina lança "The Best".

Na década de 1990 realizou diversas tournés pelo mundo, reeditando músicas, que cimentaram o seu nome como artista consagrada. Na sua vida privada, desde 1987, Tina vive com o seu namorado alemão, Erwin Bach, na Europa. Em 2010 o jornal New York Daily News listou Tina em 10º lugar na lista das cantoras mais ricas do mundo. O seu patrimônio é de 350 milhões de dólares.

Fonte: Wikipédia

Meryl Streep - The Iron Lady

2011-11-26T08:30:00.001Z

Margaret Thatcher foi admirada e igualmente odiada pelos britânicos, e o filme sobre a sua vida, protagonizado por Meryl Streep, não deixou indiferente a crítica e nem os amigos da ex-primeira-ministra do Reino Unido, que consideraram o filme um insulto.

Enquanto a imagem da carismática governante de 86 anos, retirada da vida pública devido ao seu delicado estado de saúde, circula em todas as partes com os cartazes do filme 'The Iron Lady', os seus admiradores e opositores voltaram a abrir um debate para discutir seu legado.

A crítica é unanime em reconhecer o impressionante trabalho da actriz Meryl Street no papel de Thatcher ao longo da sua vida adulta, mas alguns dos amgos e familiares de Thatcher, preferiram que o filme se distanciasse do que consideram ser uma caricatura.

O filme, que se estreará no dia 6 de Janeiro de 2012, no Reino Unido, retrata uma Thatcher idosa, solitária e afectada pela demência, enquanto tenta lembrar-se de alguns episódios de sua complexa vida.

Numa determinada cena, Thatcher queixa-se numa pequena loja, dos preços do século XXI, mas, noutro momento, aparece desorientada e sem perceber que o seu inseparável marido, sir Denis Thatcher, morreu.

Amigos e familiares da implacável governante, que controlou com mão firme o Reino Unido de 1979 a 1990, qualificaram o drama dirigido por Phyllida Lloyd, a mesma da comédia musical 'Mamma Mia', como uma 'fantasia esquerdista'.

Segundo revelações do jornal 'Daily Telegraph', alguns de seus antigos colegas e companheiros de gabinete quiseram distanciar-se do filme, já que este resgata alguns polémicos episódios, como a Guerra das Malvinas, que Thatcher comandou com firmeza.

Lorde Bell, um assessor próximo da "Dama de Ferro" nos anos 80, disse que não pensa em dar importância a este 'lixo'.

'O seu único objectivo é fazer Meryl Streep ganhar dinheiro. Não causará nenhum dano ao lugar que Margaret Thatcher ocupa na história e ao que ela conseguiu', afirmou o antigo assessor.

No entanto, para o jornalista Matthew Parris, ex-deputado conservador e colaborador de Thatcher, trata-se de uma história feminista.

'É sobre os preconceitos dos homens e a visão das mulheres. Fazia tudo pelo Reino Unido, mas também fazia tudo pelas mulheres', diz ele ao jornal 'The Times'. Segundo Parris, o filme transformou Thatcher numa 'heroína de uma história de mulheres'.

Imagens de arquivo também são usadas na obra, que mostra os grandes protestos contra o imposto conhecido como 'poll tax' e como um dos manifestantes se aproxima da limusine da então primeira-ministra para a chamr de 'monstro'.

A era Thatcher foi um tempo de mudanças econômicas e sociais que transformou o Reino Unido para sempre e que não deixa ninguém indiferente, assim como o filme, que dificilmente irá agradar a todos.

O jornal conservador 'Daily Telegraph' assegura na sua crítica que o filme 'é equilibrado, duro e compreensivo como a protagonista'.

'Como as pessoas vão reagir depende da imagem que possuem dela. Será amável demais para os sindicatos, mas os republicanos americanos terão inveja de não ter um candidato com uma fração da convicção de Thatcher', ironiza o crítico.

Neste sentido, o progressista jornal 'The Guardian' opina que o filme mostra 'pouca consciência do mundo exterior, o custo humano e o efeito de suas discutidas políticas governamentais' e, por isso, o qualificam como uma espécie de 'Thatcher sem o thatcherismo'.

O que é uma unanimidade entre os críticos é a interpretação de Meryl Streep, que apesar de não ser britânica, conseguiu personalizar a Dama de Ferro e, inclusive, imitar o seu peculiar tom de voz.

'O sorriso, a entonação, as posturas. Ela consegue encontrar a mulher nesta figura caricata', destaca o 'The Times' em relação à actriz, que 'fez tudo muito bem'.

O mais crítico 'The Guardian' considera que Meryl Streep é 'a grande arma deste filme, às vezes tolo e previsível'.

Os 50 anos dos Rolling Stones, vão ter "jam session".

2011-11-24T10:02:00.006Z

Bill Wyman e Mick Taylor estão convidados para participar numa jam session, comemorativa dos 50 anos dos Rolling Stones, estando próximo, o acordo, segundo Keith Richards.

Embora o envolvimento de Mick Jagger ainda esteja por resolver, "dou as boas-vindas a todos", disse Richards. "Eu não vejo motivo para que todos os musicos que fizeram parte dos Rolling Stones, não estejam envolvidos."

Wyman e Taylor não estão exactamente, na mesma onda dos outros Stones.

Taylor deixou a banda em 1974, depois de a integrara durante cinco anos e, apesar de Wyman ser o baixista que fez parte da fundação, abandonou o grupo em 1992.

Mas "eles são todos Stones,como voces bem sabem" disse Keithj Richards. "Por que não?"

A banda trabalhou com Wyman no início deste ano, na gravação de uma canção para um álbum de tributo a Ian Stewart.

Taylor também voltou ao redil, para regravar as guitarras na reedição do álbum "Exile in Main Street".

Notícias da realização dos ensaios para a jam session, foram sussurrados á imprensa na semana passad em Londres, com Richards explicando que queria apenas rever as bases...

"Tocámos juntos durante uns anos, mas depois disso, já o mundo deu muitas voltas. Temos que nos encontrar e rever a matéria", disse ele na quinta-feira.

"Não sei mais nada, excepto que, provávelmente vamos tocar juntos."

O guitarrista também revelou que está trabalhando num novo álbum dos Winos "X-pensiv", o primeiro desde 1992, ano em que gravou "Main Offender".

"Estou a gravar com Steve Jordan", disse ele. "É o recuperar de coisas antigas, de há 20 anos ... Alguns grandes musicos, têm aparecido por aqui. Aaron Neville veio e fez umas coisas, Ivan Neville passou por aqui, e também tocou uns trechos, aqui e ali...voces sabem como é, quando nos juntamos."

Os Rolling Stones não tocam ao vivo desde 2007.

Os Rebeldes de Nova Lisboa

2011-11-22T16:36:00.002Z

Da Esqª para a Dtª: António Matos Carlos, Fausto Bordalo Dias, Francisco António Matos, Manuel Luis Silva,e Vicky Paes Martins

Não me lembro do nome da rua. Era no bairro Académico, uma paralela à avenida do Liceu, quase em frente à Escola Industrial e bem perto da casa do Dr. Fonseca Santos. Em 1962, vindos do Lubango, Sá da Bandeira, a minha família veio para ali morar e foi ali que se começaram a entoar os primeiros acordes dariam lugar ao nascimento de “OS REBELDES”.

Ali próximo morava um “puto”, recém chegado da “Metrópole”, bastante desinibido para a época e que tinha como um dos seus ídolo os Gatos Negros do Victor Gomes. Não se inibia de, com uma viola eléctrica vermelha que o pai lhe oferecera e sem qualquer ligação a qualquer aparelhagem de som, ou seja, quase sem som, dar verdadeiros shows muitas vezes nas esquinas e à boa maneira de um verdadeiro “Rockeiro”.

Eu e meu irmão Manuel Luís, também éramos entusiastas da música e já há algum tempo que dávamos uns toques de viola nos tempos livres quando, no Lubango, Sá da Bandeira, participávamos nas serenatas da praxe naquela que chegou a ser denominada a Coimbra de Angola.

E foi assim que eu, o meu irmão e o Rufino, assim se chamava o tal “puto”, nos começámos a reunir em nossa casa, começando a tocar em conjunto. No Liceu, fizemos amizade com outros colegas entusiastas da música e logo se juntaram a nós o Tony Matos que tinha gosto pela bateria e o Zé Rui Mascarenhas, um tocador e cantor de Mornas que muito bem executava como bom Cabo-Verdeano que era. Estava formado o grupo inicial do grupo “OS REBELDES”!

As dificuldades monetárias para a obtenção de instrumento, obrigaram o grupo a iniciar-se na Associação Africana do Huambo, que funcionava naquele edifício redondo junto ao Bar Faria na Granja e que possuía instrumentos nos disponibilizaram. No entanto, esta solução não foi avante e logo apareceram os problemas relacionados com os instrumentos, local de ensaio, etc.

Foi então que surgiu, podemos dizer, o grande entusiasta da formação do conjunto, o pai do Tony Matos, na altura funcionário dos Serviços de Economia em Nova Lisboa que logo nos disponibilizou para local de ensaios, a garagem lá de casa que se situava no Bairro Azul, lá pela Cidade Alta. Foi também com a sua preciosa ajuda que foi possível a aquisição de alguns instrumentos na conhecida loja da especialidade lá da terra, a JOFRAMA.

Justiça seja feita, foi devido ao apoio deste grande senhor, António Matos de seu nome, que “OS REBELDES” vingaram e vieram a ser um grupo de jovens músicos amadores que, dentro das suas limitações, muito deram ao entretenimento da época em Nova Lisboa.

Com garagem para ensaiar, alguns instrumentos adaptados e outros adquiridos na JOFRAMA, passámos à fase de dar a conhecer ao público o nosso projecto. Assim, conseguimos chegar ao contacto com o Rádio Clube do Huambo que concordou ajudar-nos, lançando a ideia de promover um concurso para escolha do nome do novo conjunto.

Foi então pela mão do conhecido Ribeiro Cristóvão que começámos semanalmente a ter uns minutos na programação do RCH, onde exprimíamos as nossas ideias e projectos, e tocávamos um tema musical do reportório que ensaiávamos. E foi desse concurso que saiu o nome de “OS REBELDES” tornando-se nossa Madrinha uma jovem estudante de nome Ana Maria Alexandrino, hoje esposa do Zé Rui Mascarenhas (o filho de ambos é neste momento um dos guitarristas do Rui Veloso).

Nas escadas do Cine- Ruacaná:
De baixo para cima: Francisco António Matos, Fernando Campas Nunes, Vicky Paes Martins, Fausto Bordalo, Rui Chaves

Daí ao palco do Cinema RUACANÁ foi um salto! De repente, vimo-nos a actuar num espectáculo que havia aos sábados à tarde tipo “CHÁ DAS SEIS” que se chamava “CÃ-CÃ”. Foi neste espectáculo que OS REBELDES apareceram em público pela primeira vez sendo o Rufino o vocalista, o Zé Rui Mascarenhas o viola ritmo, eu, Luís Manuel Silva o viola solo, o Manuel Luís Silva, meu irmão, o viola baixo e o Tony Matos o bateria.

Esta foi a primeira formação do grupo ”OS REBELDES” e foi assim que, durante algum tempo, actuaram em diversos “FINS DE FESTA” tão habituais na época após as sessões de cinema no Ruacaná. Entretanto o Rufino abandona o grupo, entrando para vocalista um jovem do Vale do Queve de seu nome António Carlos, mais tarde conhecido por Tó-Cá, e a quem a malta também tratava por “cenoura” por ser ruivo.

Com algum reportório já ensaiado, iniciou-se a fase das actuações em bailes de Carnaval e Fins de Ano, nomeadamente e segundo me lembro no Sporting, no Atlético, na Cela, Santa Comba e outras localidades do distrito do Huambo, deslocações a Sá da Bandeira onde actuaram no palco do auditório do Rádio Clube da Huíla, uma actuação no Clube Ferrovia no intervalo de uma matinée dançante animada pelo Conjunto Ferrovia, (estou a ver o Fernando Moreira, baterista do Ferrovia aflito porque achava que o som das violas estava muito alto, mas tudo correu bem) etc.

Conjunto Ferrovia, acompanhando Vicky Paes Martins, a Revelação Yé Yé de 1967.
Na viola solo Afonso, na bateria Moreira, no baixo, Roque

Os conjuntos da altura em Nova Lisboa resumiam-se praticamente aos “monstros do Ferrovia” (no bom sentido, claro, quem não se lembra do velho Máximo no meio do salão de baile sacando do seu saxofone aqueles sons que muito justamente, faziam dos “bailes do Ferrovia” os melhores das redondezas e não só) e ao África Ritmos onde tocava o Campas Nunes , o Mindo (outro Cabo Verdeano que tratava a guitarra por tu), o saudoso Walter Correia, etc.

Era pois novidade o aparecimento de um grupo de um género diferente, o que tornou a garagem dos ensaios ponto de encontro de inúmeros jovens apaixonados pela música.

Por lá passaram o Fausto que viria a integrar o grupo mais tarde, o Bino Máximo, baterista e como sabemos filho do saxofonista do Ferrovia, o Rui Chaves que já era músico conceituado e também teria uma passagem pelo grupo, etc. Chegaram-se a fazer nos tais espectáculos do “CÃ-CÃ” algumas actuações de elementos do conjunto isolados e com outros entusiastas.

Da Esqº para a Dtº: Fernando Campas Nunes, Rui Chaves, Vicky Paes Martins, Francisco António Matos e Fausto Bordalo Dias

Por exemplo, eu e o meu amigo Fausto actuámos em duo ao qual chamamos “OS APACHES”. Tocávamos músicas dos SHADOWS, entre as quais o famoso tema APACHE daquele inesquecível grupo. O Rufino chegou a actuar sozinho usando o nome “artístico” de “TONY ROCK”, e o António Carlos tornar-se-ia “TÓ-CÁ” numa dessas actuações a solo.

Este período que descrevi inicia-se, como já disse atrás, em 1962 e vai até 1965, altura em que eu e o Zé Rui Mascarenhas nos retiramos para Luanda para onde fomos prosseguir os estudos. Quando da nossa saída, entrou o Fausto para o meu lugar e o Vicky (um Rockeiro por excelência) para o lugar do Zé Rui Mascarenhas. Com estes novos elementos, o grupo melhorou imenso em qualidade.

As qualidades do Fausto aliadas ao verdadeiro “Rockeirismo” do Vicky, foram sem dúvida uma mais valia para os grandes sucessos que “OS REBELDES” vieram a ter, conseguidos em actuações nas mais diversas paragens de Angola.

Palco do Cine- Ruacaná.
Esqª, para a Dtª: Fernando Campas nunes, Rui Chaves, Fausto Bordalo Dias, Vicky Paes Martins, Francisco António Matos

Lembro-me do sucesso da actuação em Benguela e do culminar do sucesso em Luanda em 1965 (ou 1966??) no 1º concurso “Yé-Yé” realizado em Angola no Cine Esplanada Avis no bairro de Alvalade em que, em disputa com conjuntos vindos de toda a Angola, obtiveram um honroso 2º lugar logo atrás dos “ROCK’S” de Luanda, cujo vocalista era o famoso Eduardo Nascimento.
De lembrar que foi este concurso que trouxe os ROCKS a Portugal Continental pela primeira vez!

Daqui para diante, já não me lembro de pormenores. As contingências da vida foram fazendo com que cada um seguisse o seu caminho. Sei que o meu irmão Manuel Luís saiu do grupo, entrando o Rui Chaves (vindo dos ROCKS ) para o seu lugar e que depois passaram por lá uma série de músicos até à transformação dos REBELDES nos “ZORBAS” que continuaram a fazer um enorme sucesso. No entanto, seria interessante que alguém que tivesse vivido este período contasse o que sucedeu depois, ficando assim completa a história de como surgiram e se desenvolveram os conjuntos chamados “Yé Yé” da época, na nossa querida e martirizada Nova Lisboa.

Os Zorbas: João Leitão, Sapinho, Francisco António Matos, José António Rufino

A todo o pessoal daquele tempo que vier a ler esta pequena história, as minhas desculpas se algum destes factos contiver alguma omissão ou menos verdade. É que, caros conterrâneos, já lá vai quase meio Século, e isso “é tempo para burro” como se costuma dizer.

Autor: Luis Manuel Silva

Hermeto Pascoal no Berbican Center, Londres

2011-11-19T08:30:00.002Z

Dentro de uma casa-de-rosa numa rua arborizada no subúrbio, em Curitiba, Brasil, senta-se um homem de 75 anos de idade, vestindo calças brilhantes tons azuis, e ténis de skate. Acaricia a sua barba prateado, estilo ZZ-Top. Ao seu redor centenas de peluches acumulam-se em prateleiras e muitos bibelots: pássaros, ursos e bebés numa chama de vermelhos, verdes e amarelos.
"Tudo o que você vê aqui é um instrumento," assinala com as mãos o homem, apontando com entusiasmo para aquela parafernália peluda. "São todos instrumentos!"

Bem-vindo à casa de Hermeto Pascoal, um dos compositores mais excêntricos, prolífico e criativo do Brasil, que uma vez foi descrito por Miles Davis como "um dos músicos mais importantes do planeta".

Agora já a entrar na sua oitava década, Hermeto Pascoal - que irá fazer uma rara aparição no Barbican em Londres, em 20 de Novembro acompanhado por uma grande "all-star" banda britânica - afirma que não tem planos para se aposentar.

"Muitos dos artistas da minha idade estão parando - Eu sinto que estou apenas começando", diz ele, no seu sotaque do nordeste distinto. "Na minha cabeça, há sempre mais coisas novas. Não seria justo e deveria ser muito chato, se um bando de tipos velhos, da minha geração morressem ou adormecessem no palco. A minha preocupação principal, é a inovação."

A palavra inovação tem sido sinónimo de Pascoal, cujo talento para fazer música com praticamente qualquer coisa, já lhe rendeu o apelido de o Mago.

Um virtuoso pianista, acordeonista, e flautista, há muito tempo que tem preferido formas um pouco menos convencionais de produzir sons e fazer músicas: guardanapos, tapetes, cadeiras, canecas cerveja, corpo, utensílios de cozinha, mesmo os animais, tendo inclusive utilizado já um porco, num dos seus álbuns de 1977.
"Eu não gosto de usar instrumentos ou sons, préviamente definidos. Eu gosto de transformar as coisas em sons e instrumentos," ele admite. "Tenho recebido muitos instrumentos de pessoas que me admiram, mas eu raramente os uso porque gosto de pegar em qualquer coisa velha e começar a "tocá-lo", transformando-o num instrumento."

Chamar multi-instrumentista a Hermeto Pascoal é um eufemismo. Questionado sobre quantos instrumentos é que toca, ele gagueja por alguns segundos, estranhamente sem palavras.

"Olha, não há, não há ... A quantidade de instrumentos para mim, é infinita - onde quer que eu toque, é um instrumento. Uma cadeira é um instrumento, uma mesa é um instrumento Há tantos instrumentos....Para mim, os músicos são como pintores. Se tocam um instrumento, têm que no mínimo, mudar o estilo que interpreta cada uma das suas canções. Tocam apenas um instrumento, da mesma forma, como aquelas pessoas que tocam música clássica e apenas tocam música clássica, ou aqueles que tocam jazz e jazz só. Isso é muito monótono, muito aborrecido. "

A descoberta do estilo musical de Hermeto Pascoal é igualmente complexa. Ele rejeita os termos, jazz,música popular brasileira (MPB), bossa nova, chorinho ou forro, os quais são elementos integrantes dos seus shows e gravações.

"Eu não quero tocar apenas um estilo. Eu toco quase todos", orgulha-se, durante uma entrevista de duas horas em sua casa aonde vive com a sua parceira, a cantora Aline Morena, de 32 anos. Em vez disso, ele chama musica universal. "Ela vem do universo, é por isso que eu chamo musica universal", diz ele. "É uma energia que nunca pára. Paira sobre nós onde quer que estejamos.

"Não é um modismo. Eu não gosto de rótulos. Mas a única coisa que posso aceitar como um rótulo é musica universal. O Brasil é o país com o maior número de povos de todo o mundo. Assim, o mundo é o Brasil. O Brasil tem todo o mundo aqui. Então, por que não deveríamos estar em casa com a música do mundo? "

Hermeto Pascoal passou a maior parte dos últimos quatro décadas em tourné por todo o mundo, mas vem de um meio, humilde e rural, no nordeste do Brasil. Nasceu em Olho d'Agua, um pequeno assentamento rural perto da cidade de Lagoa da Canoa, no estado de Alagoas.

"Eu nasci em 22 de Junho de 1936 Estava a chover,. Muita chuva."

Enquanto os pais de Pascoal trabalhavam nos campos, o seu irmão mais velho ensinava-lhe música. Hermeto Pascoal, um albino, tinha um incentivo extra para permanecer no interior, na sombra da sua casa e praticar a flauta e o acordeão, longe do sol feroz. Aos oito ou nove anos de idade, já eles animavam as festas locais. Em 1950, quando Hermeto Pascoal tinha 14 anos, a família mudou-se para Recife, capital do estado do mesmo nome, e ele continuou a desenvolver as suas
capacidades de musico, tocando em shows da rádio local.

Mais tarde, seguiu para o sul para o Rio de Janeiro e depois para São Paulo, aonde formou o Sambrasa Trio com o baterista e percussionista Airto Moreira, formação de vida curta, mas muito influente durante a década de 1960. Foi Moreira quem levou Hermeto Pascoal para a sua primeira incursão internacional - uma viagem para os EUA que culminou numa reunião com Miles Davis, que passou a gravar duas das suas faixas no seu álbum de 1971 Live-Evil.

Foi o início de uma carreira internacional que levou Hermeto Pascoal a construir uma carreira internacional como um dos compositores mais produtivos e diversificado em todo o mundo.

No ano de 1996, colocou com objectivo pessoal a tarefa de compor uma música por dia, com todas as composições registadas num livro chamado Calendário de Som.Confessei-me impressionado Hermeto Pascoal retorquiu:
"Jovem, eu compus cinco vezes mais do que isso depois que o livro saiu". "Eu componho o tempo todo, o tempo todo. Ontem eu compus dois temas!,Por vezes, vou para a "estrada", em tourné, e deixo ficara em casa os meus cadernos de apontamentos, de propósito, para vêr se descanso.Mas não consigo. Fico louco sem compor... sou assim como as pessoas que usam drogas, ou que fumam,e não conseguem libertar-se desses vicio. Isto escrevi no avião", continua ele, segurando um guardanapo de uma bandeja de comida da Lufthansa. Todo preenchido, com semi-colcheias e claves de sol.

"É a parte superior da bandeja de comida. Mas é tão maravilhosa, tão importante quanto qualquer outra composição que eu já escrevi.As canções são minhas amigas. São crianças. Meus parceiros. Meus amigos. Percebeste? São personagens. Quando uma música entra na minha mente, é como se uma pessoa me esteja a visitar. Eu começo a falar, eu começo a conversar com eles , eu começo a escrever, e nada pode me parar."

Hermeto Pascoal vai apresentar-se em em Londres, no Berbican Center, no próximo dia 20 de Novembro com uma banda que foi especialmente reunida, para o acompanhar pela primeira vez em 1994 no Queen Elizabeth Hall em Londres. Na altura John Fordham descreveu o show como "um dos concertos de jazz mais electrizante, realizado no South Bank".

"O repertório é enorme. Nós temos sempre um monte de canções", diz Hermeto.
"Eu não faço uma seleção - poderia mudar no meio do show ... Nós temos que ter um monte de músicas, para quando se sente algo, podermos tocá-lo de imediato."

Há pelo menos uma certeza sobre o show de domingo: Hermeto Pascoal será acompanhado no palco por dois outros pesos pesados da música brasileira, o harmonicista Gabriel Grossi e o bandolinista Hamilton de Holanda. Dois dos mais excitantes jovens de uma nova geração de músicos brasileiros, Pascoal chama-lhes a "gang nova".

Peluches também poderão aparecer no palco de Barbican Center.
"Eu vou levar algumas bonecas para a big band, apenas para surpreender os músicos. A seu tempo, vou entregá-los aos músicos e eles não vão ter a mais pequena ideia do que estará a acontecer.

De volta ao Brasil, o sempre espirituoso "cota" de 75 anos de idade, tem planos para um novo CD - gravado inteiramente com sons produzidos pelo seu próprio corpo - e planos para criar uma escola de música chamada Templo do Som.

De onde vem toda essaa energia?

"As pessoas me perguntam," Hermeto, tu drogas-te? '", Eu responde. "Eu digo: Não, eu já sou a droga em si!"

By: Tom Phillips

Ouçam o novo single dos Rolling Stones: No Spare Parts!

2011-11-17T08:34:00.004Z

No Spare Parts será lançado em vinil durante o “Record Store Day”, que acontece no próximo dia 25 de Novembro.

No lado B vem a faixa: Before They Make Me Run. A música faz parte da versão de luxo e comemorativa do disco Some Girls que sai no próximo dia 21 de Novembro.

Creedence Clearwater Revival, (Revisited)

2011-11-16T12:25:00.003Z

Em Setembro de 1959, John Fogerty (vocalista e guitarrista), Doug Clifford (bateria) e Stu Cook (baixo) formam The Blue Velvets. Dois meses mais tarde, Tom Fogerty (guitarrista), irmão mais velho de John, entra no grupo como cantor, mudando o nome da banda para Tommy Fogerty and The Blue Velvets.

O nome do grupo muda para The Golliwogs em 1964, após assinarem contrato com a gravadora Fantasy Records, onde John trabalhava. Nos três anos seguintes alguns EP's foram lançados, fazendo grande sucesso local.

Em 24 de Dezembro de 1967, sob a influência de Saul Zaentz, novo dono da Fantasy Records, decidem então tornarem-se profissionais. Começando pelo nome que faria história no mundo do rock: um amigo de Tom chamado Credence Nuball, um comercial da cerveja "Clearwater" e Revival, simbolizando a união do grupo, serviram de inspiração. Acrescentam um "E" a Credence, para simbolizar, "creed" (crença, credo).

A banda vem então com um novo estilo de música, definido por John Fogerty que, como cantor e compositor, passou a ser o centro da banda.

Em Julho de 1968 é lançado o primeiro disco, Creedence Clearwater Revival, e já dá ao grupo um disco de ouro. Também foram lançados os compactos "Suzie Q" (Partes 1 e 2) e "I Put a Spell on You/Walk on the Water".

O segundo álbum, Bayou Country, é lançado em Janeiro de 1969 e ganha disco de platina. Lançados também o compacto "Proud Mary/Born on the Bayou", que além de ganhar disco de ouro lança o grupo para uma carreira mundial de sucesso. Em Abril, são lançados os compactos "Bad Moon Rising/Lodi" e "Green River/Commotion" (do terceiro álbum), ambos recebem disco de ouro.

O terceiro disco, Green River, lançado em Agosto de 1969, também recebe disco de platina. O compacto "Down on the Corner/Fortunate Son" é lançado, quarto disco de ouro.

Em Novembro de 1969 é lançado o quarto disco, Willy and the Poor Boys, que também recebe disco de platina. A banda, logicamente, esteve presente no festival de Woodstock, fazendo um grand espectáculo.

O compacto "Travellin' Band/Who'll Stop the Rain" dá a banda o quinto disco de ouro, lançado em 1970. A banda começa sua primeira turnê pela Europa, fazendo também um enorme sucesso neste continente. O compacto "Up Around the Bend/Run Through the Jungle" também é disco de ouro.

Em Julho de 1970 é lançado o disco de maior sucesso da banda, Cosmo's Factory, que vende mais de três milhões de cópias, disco de platina portanto. O compacto "Lookin'Out My Back Door/Long as I Can See the Light" é lançado e também é disco de ouro.

Ainda em 1970 é lançado o sexto disco Pendulum, que também foi disco de platina, o quinto do grupo. O ambiente no grupo porém já não é dos melhores: dizem que Tom, Doug e Stu não concordam em serem apenas uma banda suporte de John Fogerty.

Em 1971 é lançado o oitavo compacto disco de ouro: "Have You Ever Seen the Rain/Hey Tonight".

Em Fevereiro de 1971 Tom Fogerty abandona o grupo para seguir carreira solo. Os outros decidem continuar como um trio, começando uma grande turnê pelos EUA e logo em seguida uma pela Europa.

É lançado o décimo primeiro compacto, "Sweet Hitch-Hicker / Door to Door", que ainda atinge o topo das listas de vendas. Em 1972 fazem uma perfeita tourné pela Austrália, Nova Zelândia e Japão. O compacto "Someday Never Comes / Tearin' Up the Country" é lançado, mas não faz o mesmo sucesso dos anteriores, sendo o único que não ganhou disco de ouro.

É lançado o último álbum, Mardi Gras, em Abril de 1972, que também ganha disco de ouro. A obra mostra que o grupo está próximo da divisão, com Stu Cook e Doug Clifford compondo algumas das canções (até então John Fogerty era quem compunha a maioria das canções da banda). Em 16 de Outubro a gravadora Fantasy Records anuncia oficialmente o fim dos Creedence Clearwater Revival .

Todos os membros da banda participaram das gravações do álbum solo de Tom Fogerty lançado em 1974, Zephyr National. Tom Fogerty morreu em 1990, vítima de tuberculose.

Em 1993 os Creedence Clearwater Revival foram introduzido no Rock and Roll Hall of Fame.

Desde então reuniram-se eventualmente em 1995 para aparições em festivais diversos.

Recentemente, Stu Cook e Doug Clifford formaram o genérico Creedence Clearwater Revisited, e passaram a excursionar pelo mundo, tocando antigos sucessos da banda original.

Esta formação, continua no activo.

Leit It Be - Vai ser reeditado em DVD

2011-11-13T08:00:00.000Z

Michael Lindsay-Hogg, director do filme "Let it be", que mostra os bastidores da gravação do disco homónimo e traz a última apresentação ao vivo dos Beatles, revelou em entrevista ao site da revista "Examiner" que o DVD com o filme deve ser lançado em 2013.

Hogg, que também dirigiu os documentários especiais, "The Rolling Stones Rock And Roll Circus" e "Simon and Garfunkel: The Concert in Central Park", contou que a possibilidade do relançamento tomou corpo depois de um encontro casual com Paul McCartney, há cerca de uma década.

"Encontramo-nos num avião. Isso foi pouco antes da morte de George, que já estava muito doente - Harrison não resistiu e faleceu em 2001. Por razões pessoais, George não atravessava tempos muito felizes durante as filmagens de 'Let it be'. Estava prestes a deixar a banda, seguir o seu próprio caminho e coisas do tipo. Sabíamos que não haveria relançamento enquanto ele estivesse vivo. Mas temos trabalhado nisso nos útimos anos. E o plano, no momento, é lançá-lo em 2013”.

O director adiantou ainda que espera que o filme, exibido originalmente nos cinemas em 1970, seja reeditado.

"Será um DVD duplo. O primeiro vai trazer o filme original. O segundo terá um documentário com um making of. Quando lançamos 'Let it be', tive que cortar um monte de coisas. Este disco extra terá muitas dessas imagens".

Em 2012, deverá ser disponibilizada uma versão remasterizada e expandida de Magical Mystery Tour.

Mick Hucknall. É oficial . Morri !

2011-11-12T09:54:00.004Z

Os fãs dos Simply Red assustaram-se com boatos de que Mick Hucknall, o famoso vocalista ruivo do grupo, teria morrido num acidente de jet ski. A informação surgiu nesta quinta-feira, 10 de Novembro, no site da "Global Associated News", segundo o tablóide britânico "The Sun".

Desde então, milhares de pessoas começaram a postar mensagens de pesar no Twitter, até que o empresário do cantor desmentiu a noticia, dizendo que o acidente se tratava, na verdade, de boato.

Depois, no seu perfil, no microblog, Mick postou a seguinte mensagem:

"É oficial. Morri, é óptimo aqui em baixo. Muito quente, muitas festas. Muito rock´n´roll."

O boato, teria origem num suposto relatório de polícia de uma ilha do Caribe, aonde se relatava que o cantor teria batido com o jet ski numa rampa para barcos às 8h45 de ontem, e consequentemente, tinha falecido.

Mick Hucknall nasceu em Denton, Lancashire, Reino Unido, a 8 de Junho de 1960, único filho de Reginald Hucknall (1935-2009), e de Maurren Hucknall. Estudou na Audenshaw School, em Audenshaw, próximo a Manchester. Quando Mick tinha 3 anos, a sua mãe, Maureen, abandona a família e, Mick foi criado sozinho pelo pai, que era proprietário de uma barbearia em Stockport, nos arredores de Manchester. Reencontrou a mãe poucas vezes depois disso: em 1990, em Dallas, Texas, onde ela vivia e 18 anos depois, mais uma vez chamando a atenção da mídia.

Mick tem uma filha, Romy Hucknall, nascida em Junho de 2007, com a sua companheira Gabriella Wesberry.

O seu nome artístico surgiu de um mal entendido. Quando perguntado pelo apresentador de um show sobre o seu nome, Hucknall disse "Red". Devido ao alto barulho, o apresentador voltou a perguntar seu nome, e Hucknall gritou "Simply Red". O apresentador entendeu mal e anunciou "Simply Red"

Mick começou a carreira como DJ e o seu primeiro contacto com o meio artístico foi através do cenário inglês do punk, na década de setenta, com a banda "Frantic Elevators". quando surgiriam bandas como os Sex Pistols e os Joy Division. O seu sucesso veio, no entanto, com o grupo "Simply Red", através do qual conseguiram o seu primeiro grande hit, "Holding Back the Years".

Actualmente, além da música, Mick também produz vinho tinto em Itália, chamado "Il Cantante" e é um dos donos do restaurante Man Ray, em Paris, ao lado de Johnny Depp, John Malkovich e Sean Penn. É reconhecido ainda como grande fã e sócio colaborador da equipe inglesa de futebol, Manchester United. Mick é ainda proprietário do selo simplyred.com e um dos fundadores do selo de reggae, Blood and Fire.

Em 2008, lançou um álbum a solo Tribute to Bobby, o primeiro da sua carreira a solo, após a separação dos Simply Red no final de 2010, depois 26 anos de sucessos consecutivos.

The Pedllers - Roy, Tab & Trevor

2011-11-10T09:45:00.005Z

Os três membros dos Peddlers, Roy Phillips,teclas, Tab Martin baixo e Trevor Morais bateria, conheceram-se numa loja de instrumentos musicais de Manchester. Os três, procuravam elementos para formar uma nova banda, já que as suas anteriores formações, tinham acabado.

Roy e Martin, já se tinham cruzado nos Tornados. Trevor Morais, fizera parte de bandas originárias de Liverpool, tais como, os Faron's Flamingoes e Rory Storm and the Hurricanes.

Juntos, e após o inicio dos ensaios, resolveram manter-se como trio,e sob a batuta de Roy Phillips, deram inicio a um novo estilo musical que Roy descreveu como sendo "baseado no blues com um toque de rock e jazz, tentando definir tendências ".

Os singles de estreia, em 1964, "Rose Marie/I'm Not Afraid, e "Let the Sun Shine In/True girl", apresentavam um enérgico rithm and blues, com um som, digamos, incómodo, já que soava um pouco ao Merseybeat Sound, estilo popular na época dado o apareciomento de centenas de bandas na área de Liverpool, que tocavam um pop saltitante, com forte influência do Rock and roll, e do R&B americano da época.

Editaram uma série de cinco singles e um EP pela Philips, a maioria dos quais foram incluídos no álbum de compilações de 1968 ""The Fantastic Peddlers". Deste album, destaco "Whatever Happened to the Good Times" e "Anybody's Fool"..

Em 1966 o grupo começou uma série de shows no Annies Room em Londres, establecendo-se como banda residente, e actuando também no Scotch of St James e no famigerado e sempre lotado, Pickwick aonde foi gravado o álbum "Live at the Pickwick".

O álbum é uma perfeita amostra de que estava "in" na época, meados dos anos sessenta, na movida londrina.

Com Pete Murray, a fazer a apresentação do grupo,e destacando na plateia, espectadores como Hank Marvin e Bruce Welsh dos Shadows, ou Mick Jagger e KIeith Richards, dos Stones, o álbum é um exemplo fidedigno da energia e talento dos Pedllers.

Em pouco tempo, os Peddlers eram uma banda de culto, entre os famosos da cena musical Londrina, que se acotovelavam, no sempre "cheio" Pickwick, fazendo com que a reputação dos Peddlers fosse um diferencial nas actuações ao vivo.

Os Peddlers, foram os primeiros britânicos a tocar no Flamingo em Las Vegas, levando a que assinassem um contrato com a mega gravadora da década, a CBS.

O primeiro álbum pela CBS "Freewheelers" em 1967,produzido por Mervyn Conn, contém principalmente, temas de bandas sonoras de filmes e standards, com uma canção original, "Empty Club Blues" composta por Roy Phillips.

Seguiu-se "Three in a cell", 1968, uma mistura de covers e originais, novamente produzido por Mervyn Conn, auxiliado, desta vez por Cyril Smith. O album foi lançado em versões, mono e stereo.

Após a gravação do ultimo álbum para a CBS em 1969 "Birthday" com temas que vão do folk ao jazz, voltaram à gravadora Philips, para quem gravaram o excelente "Three for all", que incluía "Tell the world were not in" apresentada no filme "Goodbye Gemini".

Aproveitando a onda de popularidade, a que correspondiam excelentes vendas dos seus álbuns, lançaram o ambicioso "Suite London", gravado com a Orquestra Filarmónica de Londres.

Depois da saída de Trveor Morais do grupo e com o novo baterista Paul Johnson, os Peddlers lançaram o seu último álbum "Live in London".

Os Peddlers eram um grupo que tinham em Phillips um excelente músico, vocalista e compositor e em Tab Martin e Trevor Morais, uma seção de ritmo incomparável.

Deixaram alguns grandes discos ao vivo, e uma invejável reputação de excelentes músicos, que marcaram a cena musical mundial durante as décadas de 60 e 70.

Roy Phillips, vive actualmente na Nova Zelândia, e continua a produzir e gravar. Trevor Morais, tem um estúdio em Espanha, e tocou com diversos artistas, como David Essex, Howard Jones and Bjork.

Tab Martin, mudou-se para Portugal em 1983, aonde montou uma das primeiras empresas de sonorização de espectáculos, a "Ai Música", e agenciou a vinda de vários nomes da cena internacional. Vive actualmente em Cascais, aonde desfruta o nosso sol, e a nossa hospitalidade.

True Stories Told Live, a nova moda nos pubs Ingleses.

2011-11-01T11:07:00.010Z

Inspirados numa ideia que surgiu em Nova York, os londrinos estão a organizar eventos em pubs, aonde os clientes sobem ao palco para compartilhar histórias reais com uma plateia ávida, de diversão, e convívio.

Há quem tente explicar a nova moda como uma reação à presença excessiva das tecnologias que mediam as interacções humanas hoje em dia.

Para os organizadores dos eventos, no entanto, o seu sucesso tem uma explicação simples: ninguém resiste ao poder de uma história bem contada.

O ritual, batizado de True Stories Told Live (em tradução livre, Histórias Verdadeiras Contadas ao Vivo), obedece a um conjunto de regras.

As histórias devem ser contadas sem o uso de anotações, ou seja, usando apenas a memória. Não podem ser mais longas do que dez minutos. Têm de ser baseadas em factos reais. Qualquer um pode contar a sua história, basta inscrever-se antes. Cinco histórias são contadas em cada evento.

A terceira história em cada noite, deverá ser acompanhada com música - o que abre espaço para a participação de músicos, cantores ou compositores.

Outra característica marcante dessas noites regadas a histórias é o facto de a plateia não pagar um cêntimo para as ouvir. Como há mais inscritos do que o espaço é capaz de acomodar, os organizadores fazem uma triagem dos nomes.

A prioridade é dada aos mais novos - a ideia é permitir que um número cada vez maior de pessoas conheça o evento.

Por trás da iniciativa estão algumas figuras conhecidas dos mídia e das artes na Grã-Bretanha. Entre elas, o jornalista e apresentador de TV David Hepworth, ex-editor da influente revista de musica Mojo, hoje responsável pela revista The Word.

Hepworth ouviu falar de um evento que acontece em Nova York, baptizado de The Moth, onde as pessoas se reúnem para contar e ouvir histórias.

Em entrevista à BBC Brasil, confessou as suas intenções de levar o formato para Inglaterra, dada a sua curiosidade, e o desejo de vencer um desafio. E sobretudo, a sua fé no poder eterno de uma boa história.

'Fiquei curioso, queria saber se conseguiríamos fazer algo parecido'.

Como a entrada é gratuita, os organizadores não pagam "cachets" aos "artistas", além de os proprietários dos pubs,terem á partida a garantia de uma boa receita.

'Nós não pagamos pelo espaço. Se cobrássemos ingresso, o pub ia querer uma percentagem, o contador ia querer um "cachet". Então, não cobrar torna as coisas mais simples', explicou. 'Fazemos porque podemos e porque é divertido.'

O primeiro evento inglês aconteceu há dois anos. Hoje, a lista de contactos do True Stories Told Live já conta com cerca de dois mil nomes. E além de Londres, outras cidades britânicas como Brighton, Cambridge, Hebden Bridge e Cardiff também aderiram à novidade.

Hepworth acha que a atracção da noite reside num princípio muito simples. 'Histórias são a forma mais poderosa de entretenimento que existe'.

'Filmes são histórias, jornais são histórias. E isso não tem nada a ver com seu gosto. Quando se sai para ouvir música, tem de se decidir que tipo de música gostamos. Histórias, podem-se contar para qualquer pessoa'.

'A metáfora que eu uso é a do conto de fadas. Chapeuzinho Vermelho, os Três Ursos - todos seguem a mesma fórmula. Apresentamos um cenário, surge um problema, o problema é resolvido. Geralmente, isto funciona muito bem em dez minutos'.

'É algo muito satisfatório para os seres humanos. As pessoas gostam desse sentido ordeiro que existe numa história, no meio do caos em que vivemos'.

Resta entender o que o contador da história ganha com a experiência.

'O típico contador faz isso como um teste: 'Será que consigo?'', disse Hepworth. 'No fim, fica eufórico por ter vencido o desafio'.

'Mas também tivemos histórias horrendas, que funcionam como uma espécie de terapia. Algo do tipo: 'Vou dizer isto á frente de um monte de gente'. É um frio na barriga, é como actuar, num palco'.

Em Londres, os eventos são mensais. O mais recente, há duas semanas, aconteceu no pub The Compass, no bairro de Islington.

A sala não era muito grande e estava completamente lotada, com cerca de 80 pessoas. No canto, um bar. O clima era de expectativa e bastante adrenalina. Assim que o primeiro contador subiu ao palco, todos se calaram, hipnotizados.

Entre os contadores da noite estavam o engenheiro Paul Currie, de Christchurch, na Nova Zelândia.

Currie falou de sua experiência durante os terremotos que abalaram sua cidade natal no ano passado.

O cantor e compositor Philip Jeays descreveu uma temporada passada na França durante sua juventude e encerrou o seu depoimento com uma canção comovente, inspirada no compositor belga Jacques Brel.

O arquitecto John Knepler subiu ao palco iluminado para falar da sua luta para descobrir o que aconteceu ao seu tio judeu preso na Áustria durante a segunda guerra.

O cantor Richard Jobson, da banda punk The Skids, contou como conseguiu persuadir Lou Reed a ceder os direitos autorais da canção "Pale Blue Eyes", por uma quantia modesta, para que a música fosse incluída na banda sonora de um filme autobiográfico dirigido por Jobson.

A roteirista e actriz inglesa Sacha Hall, segunda a contar a sua história, fez o que talvez tenha sido o depoimento mais comovente da noite.

Contou uma história passad num gelado dia de Ano Novo, em Paris, há vinte anos, quando ela ainda era adolescente.

Tendo chegado à cidade acompanhada pelo irmão de 14 anos, paralisado, numa cadeira de rodas, Hall foi obrigada a procurar assistência de um profissional de saúde pela lista telefónica.

Depois de horas e inúmeros telefonemas, a adolescente finalmente obteve uma resposta afirmativa.

Uma hora mais tarde, uma senhora de cabelos completamente brancos, usando uma bengala, bateu na porta do apartamento.

A mulher prestou o auxílio desejado - fazer a higiene íntima do irmão de Sacha - e saiu sem aceitar pagamento, levando apenas um pote de mel que Sacha trouxera do sul da França.

Hepworth disse que Hall foi a sua contadora favorita da noite.

Segundo ele, a história da actriz abordou um tema comum aos eventos: a necessidade de dizer obrigado a um estranho. No caso de Hall, uma mulher cujo nome ela jamais saberá e que hoje, duas décadas mais tarde, provavelmente estará morta.

Outros temas comuns às histórias são a morte e experiências que tiram o contador do seu conforto quotidiano, como, por exemplo, crimes. Histórias militares ou histórias vividas por judeus - em geral, os pais dos contadores - também marcam presença. Ou experiências de pessoas que têm profissões extraordinárias.

'Uma das minhas favoritas foi a história de um cirurgião que descreveu como foi operar o cérebro do boxeador britânico Michael Watson'.

'Watson tinha sofrido um acidente seríssimo no ringue e o médico descreveu a operação, o barulho das serras, tudo em dez minutos. Achei empolgante.'

O próximo evento True Stories Told Live acontece no dia 16 de Novembro e será transmitido pelas ondas de rádio do Serviço Mundial da BBC.

Johnny Winter - Roots

2011-10-27T08:52:00.005+01:00

O lendário guitarrista texano, Johnny Winter acaba de lançar o seu novo disco denominado 'Roots', assinalando assim, a sua volta aos estúdios após sete anos de interregno na sua carreira.

Como o próprio nome deixa claro, o álbum homenageia as raízes do músico onde ele revisita temas dos seus ídolos. Sendo o próprio Winter um ícone da guitarra, o disco é não só um álbum de recordações musicais, bem como um documento que atesta o actual estado do génio musical, sendo emocionante, principalmente pela delicada saúde de Johnny, que alem das próprias limitações físicas de ser albino, ainda levou uma vida onde o abuso de álcool e drogas.

Apesar de actualmente só tocar sentado e de a sua voz ter perdido boa parte da sua potência, ouvi-lo é ainda um prazer, e o descobrir de novos liks, e de novos sons utilizados por este grande guitarrista. A não perder, este álbum.

“Roots” está recheado de grandes participações que incluem entre outros: Sonny Landreth, Vince Gill, Warren Haynes, John Popper, Jimmy Vivino, Derek Trucks, Susan Tedeschi, John Medeski e o seu irmão Edgar Winter. Produzido por Paul Nelson, guitarrista que tem ajudado Winter nos últimos anos e é uma espécie de maestro da sua banda, o álbum traz 11 clássicos de nomes como Robert Johnson, Muddy Waters, Elmore James e Jimmy Reed.

Engana-se quem pensa que o disco poderia ter aquele clima de: ”... vamos ajudar um grande veterano do passado, ele merece...”, Winter que já tem mais 30 discos na carreira, conseguiu renovar-se e é a estrela a tempo inteiro, do disco que soa moderno e original.

Todos os críticos que escreveram sobre o disco, são unanimes em dizer que “Roots” está entre os melhores discos do ano, em termos de blues e de guitarra; eu diria mais: este disco vai ficar na história!

Alinhamento das faixas do álbum de Johnny Winter - Roots:

1) T-Bone Shuffle (featuring Sonny Landreth slide guitar)
2) Further On Up The Road (featuring Jimmy Vivino guitar)
3) Done Somebody Wrong (featuring Warren Haynes slide guitar)
4) Got My Mojo Workin’ (Frank Latorre – Harmonica)
5) Last Night (featuring John Popper na harmónica)
6) Maybellene (featuring Vince Gill na guitarra)
7) Bright Lights, Big City (featuring Susan Tedeschi on lead guitar e vocais)
8) Honky Tonk (featuring Edgar Winter no sax)
9) Dust My Broom (featuring Derek Truckson slide guitarra)
10) Short Fat Fannie (featuring Paul Nelson na guitarra)
11) Come Back Baby (featuring John Medeski no orgão)

O Willie, completou ontem, 74 anos. Tantos ?!?!?!

2011-10-25T08:32:00.006+01:00

William George Perks nasceu em Londres, em 24 de Outubro de 1936. Completou ontem, 74 aninhos. Conhecido mundialmente por Bill Wyman, tornou-se famoso por ter sido o baixista dos Rolling Stones, desde a sua fundação em 1962, até 1991.

Bill começou por ter aulas de piano aos 10 anos e aprendeu a tocar baixo sozinho. Apesar da sua reputação de ser o mais calmo dos Stones, também teve o seu destaque numa polémica nos anos 80, quando começou a sair com uma modelo adolescente, Mandy Smith, de apenas 13 anos. Casaram-se em 1989 e divorciariam-se em 1991.

Bill Wyman,enquanto integrou os Stones, nunca teve, naturalmente, a oportunidade de cantar, exceptuando no tema "In Another Land", do álbum Their Satanic Majesties Request. Curiosamente, Bill mantém uma amizade sólida com o primeiro membro dos Stones, que deixou voluntariamente a banda, o guitarrista Mick Taylor, e continua a trabalhar com ele em diversos projectos. Nos dias de hoje, Bill faz diversos espectáculos com os Rhythm Kings. É ainda autor dos livros "Stone Alone" e "Rolling with the Stones".

"Willie And The Poor Boys", álbum de 1985, reúne, alguns dos maiores nomes da história do rock de todos os tempos.

Em 1983, tornou-se perceptível que algo não estava bem na maior banda de rock’n’roll do mundo. Os Rolling Stones lançaram Undercover, um de seus álbuns menos inspirados em toda sua longa existência, e a relação entre Mick Jagger e Keith Richards passou a apresentar evidentes sinais de desgaste que prenunciavam, que a separação dos Stones estaria próxima de se tornar realidade.

Neste mesmo ano, a nata do rock inglês reunira-se para um concerto beneficente histórico para angariar fundos para o combate da esclerose múltipla, doença hereditária e degenerativa que atingira Ronnie Lane, baixista dos Small Faces e depois dos Faces.

No dia 20 de Setembro reuniram-se no Royal Albert Hal, em Londres, Bill Wyman, Charlie Watts, Eric Clapton, Jeff Beck, Jimmy Page e Andy Fairweather Low; o ex-Traffic Steve Winwood; Chris Stainton; Kenney Jones e Ray Cooper. Também participaram do projecto os vocalistas Paul Rodgers e Joe Cocker.

Bill Wyman, sentindo-se um pato fora da água, sem banda, resolveu voltar ás suas raizes musicais, o rock'n roll dos anos 50, e aproveitando a reunião, convidou alguns dos seus amigos ali presentes, para formar uma banda, que tocasse aqueles hits da década de 50, "just for fun".

Nas primeiras sessões de gravação, Bill Wyman teve ao seu lado os stones Ron Wood e Charlie Watts; além de Jimmy Page; Andy Fairweather Low (ex-Amen Corner e que hoje toca nas bandas de Eric Clapton e do ex-Pink Floyd, Roger Waters); Mel Collins (saxofonista que acompanhou os Dire Straits e mais um monte de gente) os bateristas, Kenney Jones (ex-Small Faces, Faces e The Who) Gary Brooks (Procol Harum), John Entwistle (The Who) e Ringo Starr.

Bill baptizou a banda com o nome de Willie and the Poor Boys, o mesmo nome de um álbum lançado em 1969 pelos Creedence Clearwater Revival.

O ano seguinte foi dedicado a ensaios, de um repertório, recheado de clássicos dos primórdios do rock’n’roll, country, blues, rockabilly e soul. Alguns dos participantes foram se afastando da banda por terem compromissos com as suas próprias carreiras, como Jimmy Page, que se desligou do projecto ao formar ao lado de Paul Rodgers o supergrupo The Firm.

Em 1985, Willie and the Poor Boys, eram: Bill Wyman (Baixo e vocal); Charlie Watts (bateria); o teclista da banda de Van Morrison, Geraint Watkins (piano e vocal); Andy Fairweather Low e Mickey Gee (guitarras e vocais), quando entraram em estúdio para gravar o que viria a ser o seu primeiro álbum. Enquanto isto, o lançamento de She’s the Boss, primeiro álbum solo de Mick Jagger, reforçava as especulações de que estava tudo definitivamente acabado para os Rolling Stones.

O disco de estreia de Willie and the Poor Boys, mostra a banda e vários convidados, fazendo vigorosas releituras de standards do rock’n’roll, começando pela clássica “Baby Please Don’t Go” (Big Joe Williams), a mesma que Them, AC/DC, Aerosmith e tantos outros, incluíram no seu reportório, estando a vocalização a cargo de Chris Rea, como convidado.

Os líderes do recém-formado The Firm, Jimmy Page (guitarra) e Paul Rodgers (vocal) executam, brilhantemente “These Arms of Mine” (Otis Redding) e “Slippin’ and Slidin’” (Little Richard), acompanhados ainda por Henry Spinetti, baterista de Eric Clapton na época.

O ponto alto do lado A do LP é “You Never Can Tell”, uma das mais belas canções de Chuck Berry – que anos mais tarde voltaria a ser destacada, na banda sonora da antológica dança de John Travolta e Uma Thurman no filme Pulp Fiction de Quentin Tarantino – com Bill nos vocais e o baterista do Rockpile Terry Williams e o percursionista Ray Cooper como convidados.

No lado B, mais "golden nuggets", como “Saturday Night”, “Let’s Talk It Over”, “All Night Long”, “Chicken Shack Boogie” e “Sugar Bee” (com Kenney Jones na bateria). O álbum encerra com “Poor Boy Boogie”, uma parceria de Bill Wyman e Andy Fairweather Low que parece ter sido composta nos anos cinquenta, com destaque para o alucinante piano boogie woogie.

O álbum ainda contou com um vibrante naipe de metais, formado por Steve Gregory e Willie Garnett. O término da audição do disco deixa no ouvinte uma sensação de “quero mais”, de que a festa estava boa demais para acabar. Basicamente, não há nada de novo nos sulcos do vinil, apenas releituras de conhecidos rocks antigos, mas interpretados de tal maneira que emociona qualquer apreciador do género.

Ainda no mesmo ano é lançado um vídeo de uma curta performance de Willie and the Poor Boys, filmada no Fulham Town Hall em Londres. O vídeo, tem a duração de apenas trinta minutos e apresenta nove das doze músicas que compõem o álbum, com dançarinos vestidos á anos cinquenta, como se o cenário fosse mesmo um clube da era de ouro do rock’n’roll.

A banda está novamente recheada de convidados mais que especiais. No palco estão três Stones, pois além de Bill e Charlie, o guitarrista Ron Wood está entre os convidados (tocando saxofone!). Também estão presentes Jimmy Page, Mel Collins, Kenney Jones, John Entwistle (The Who), Gary Brooker (Procol Harum), Chris Rea e o saxofonista Raf Ravenscroft.

No fade out do video, vê-se Ringo Starr, a varrer o chão do salão após o show. A receita obtida pelas vendas do vídeo, reverteu para a fundação de combate á esclerose múltipla.

A banda pretendia continuar a sua carreira interpretando o "good old rock'n roll", mas surpreendentemente em 1986 Jagger e Richards assinaram uma trégua temporária e os Rolling Stones voltaram ao estúdio, para gravar o álbum Dirty Work, encerrando assim a curta vida de Willie and the Poor Boys.

Bill Wyman saiu dos Rolling Stones em 1993 e no ano seguinte, ao lado de Andy Fairweather Low, reformulou os Willie and the Poor Boys, desta vez com Graham Broad (bateria), Gary Brooker (piano e vocal), James Thomas Henderson (harmônica e vocal), Olle Niklasson (saxofone) e Terry Taylor (guitarra e vocal).

Esta formação gravou o álbum ao vivo Tear It Up, que trouxe novas releituras para “High School Confidential” (Jerry Lee Lewis), “What’d I Say” (Ray Charles), “Mystery Train” (Elvis Presley) e “Land of a Thousand Dances” (Wilson Pickett), além de músicas incluídas no único disco da banda.

Mesmo com a grande aceitação que tiveram junto do publico, os Willie and the Poor Boys não continuara no activo.

Bill Wyman, posteriormente, fundou os Rhythm Kings, com : Bill Wyman baixo e vocais, Gary Brooker teclas e vocais, substituído depois por, Georgie Fame, que viria a dar lugar a Mike Sanchez, Beverly Skeete nos vocais, juntamente com Janice Hoyte, e Eddie Floyd, Graham Broad na bateria, Albert Lee, Andy Fairweather-Low, Martin Taylor, e Terry Taylor, nas guitarras, Nick Payn e Frank Mead nos saxophones, Geraint Watkins nos keyboards, e por vezes Gary U.S. Bonds nos vocais.

Eis a discografia de Bill Wyman's Rythm Kings:
Struttin' Our Stuff (Outobro 1997)
Anyway The Wind Blows (Fevreiro 1999)
Groovin' (Maio 2000) UK #52 [3 semanas]
Double Bill (Maio de 2001) UK #88 [2 semanas]
Just For A Thrill (Maio de 2004) UK #149 [1 semana]
Rhythm Kings Live (Novembro de 2005)

Vejam aqui, o "making of" do video de Willie and the PoorBoys

Fonte: Mauricio Rigotto

Chuck Berry, completou ontem 85 anos.

2011-10-19T07:32:00.005+01:00

Charles Edward Anderson Berry veio para este mundo no dia 18 de Outubro de 1926, em Saint Louis, Missouri. Chuck Berry, é compositor, cantor e guitarrista.

É apontado por muitos como o "verdadeiro" pai do rock and roll. Foi eleito pela revista Rolling Stone o 5º maior artista da música de todos os tempos. Berry foi influenciado por Nat King Cole, Louis Jordan e Muddy Waters, que acabaria o apresentando a Leonard Chess, da gravadora Chess.

Enquanto ainda existem controvérsias sobre quem lançou o primeiro disco de rock, as primeiras gravações de Chuck Berry, como "Maybellene", de 1955, sintetizavam totalmente o formato rock and roll, combinando blues com música country e versos ingénuos sobre adolescentes e carros, com dicção impecável e diferentes solos de guitarra.

A maioria de suas gravações mais famosas foram lançadas pela Chess Records, com o pianista Johnnie Johnson, o baixista Willie Dixon e o baterista Fred Below. Juntamente com Chuck Berry, deram corpo, pela primeira vez, ao estereótipo, de uma banda de rock.

Durante a sua carreira Chuck, gravaria tanto baladas românticas, como "Havana Moon" quanto blues, semdo "Wee Wee Hours" um rxrmplo desse género, mas foi com o recém-nascido rock and roll que Chuck Berry granjeou a sua fama.

Gravou mais de trinta sucessos, todos eles alcançaram o Top Ten, e as suas canções ganharam versões de centenas de músicos de blues, country e rock and roll.

Entre os seus clássicos podemos citar "Roll Over Beethoven", "Sweet Little Sixteen", "Route 66", "Memphis, Tennessee", "Johnny B. Goode" (que possui provavelmente a mais famosa introdução de guitarra da história do rock), "Nadine", entre outras.

Na sua adolescência, Berry passou três anos num reformatório por tentativa de assalto. Mas a pior acusação viria em 1959, quando convidou uma índia apache de 14 anos, que tinha conhecido no México, para trabalhar no seu clube nocturno em St. Louis. A jovem acabaria detida pela polícia, bem como Chuck Berry, que foi acusado de aliciamento de uma menor, e exploração de trabalho infantil. Foi condenado a cinco anos de prisão e multado em 5,000 dólares. Foi libertado em 1963, mas os seus dias de glória esfumaram-se com este episódio, que tem muito a vêr com a situação segregacionista, que se vivia nessa época nos USA.

Mesmo assim, obteve sucessos com "You never can tell" e "No particular place to go", lançados em 1964. Em 1966, gravou pela Mercury Records uma compilação de todos os seus sucessos, utilizando técnicas mais modernas de gravação. A partir de então, Chuck Berry raramente voltaria a lançar músicas novas, preferindo capitalizar para si o sucesso que suas canções clássicas tinham junto ao público.

Como exemplo de sua influência profunda, podemos lembrar que as bandas inglesas dos anos 60, Beatles, Animals, Rolling Stones, entre outros, que regravaram as suas músicas. Os Rolling Stones literalmente, basearam o seu estilo de tocar rock 'n' roll na forma de tocar os "riffs", e os "licks",de Chuck Berry.

Quando Keith Richards homenageou Chuck Berry no Hall of Fame, disse:
"É difícil para mim apresentar Chuck Berry, porque eu copiei todos os acordes que ele já tocou!"

John Lennon afirmou que uma das maiores emoções da sua vida, foi apresentar-se ao vivo, na televisão americana em 1972, no programa de Mike Douglas, ao lado de Chuck Berry, que foi apresentado pelo ex-beatle como “my hero”. Disse ainda John Lennon:
“Se se tivesse que dar outro nome ao rock ‘n’ roll, teríamos que o chamar, Chuck Berry”

Carta de Paul McCartney de 1960, vai a leilão

2011-10-18T08:00:00.000+01:00

Uma carta encontrada dobrada dentro de um livro numa venda de usados em Liverpool há pouco tempo traz novas informações sobre a fase inicial dos Beatles, revelando que Paul McCartney ofereceu uma audição a um baterista misterioso em 1960, poucos dias antes de a banda partir para os célebres dois meses em Hamburgo.

A carta, que será leiloada no próximo mês pela Christie’s, surpreendeu estudiosos da banda. Foi escrita dois anos antes de Pete Best ser substituído por Ringo Starr, que chegou em cima da hora para ajudar os Beatles a conquistar a Inglaterra e, em seguida, o mundo.

Datada de 12 de Agosto de 1960, a carta manuscrita por McCartney oferece uma audição a alguém que havia divulgado a sua disponibilidade no jornal Liverpool Echo quatro dias antes. O anúncio não tinha assinatura e dizia apenas “Jovem baterista disponível”.

McCartney, que na época tocava guitarra, já que Stuart Sutcliffe era o baixista, ofereceu a audição ao baterista, com o alerta de que, caso aceitasse o trabalho, deveria estar pronto para viajar quase imediatamente para Hamburgo.

“Despesas pagas e 18 libras por semana (aproximadamente), por dois meses”, escreveu McCartney. “Se estiver interessado, ligue para o Jacaranda club." A carta está assinada “sinceramente, Paul McCartney dos Beatles”.

Não é sabido se o baterista apareceu, mas não impressionou, ou se simplesmente não se interessou. A porta-voz da Christie's Leonie Pitts diz que os especialistas em Beatles da casa têm certeza de que a carta não foi um contacto inicial com Ringo Starr, que era baterista de uma banda rival de Liverpool, Rory Storm and the Hurricanes, antes de se juntar aos Beatles.

Leonie Pitts, afirma ainda que os leiloeiros não entraram em contacto com Paul McCartney para perguntar se ele sabia algo sobre o destinatário.

"Achamos que ele não deve ser incomodado, está em lua de mel”, justificou. McCartney casou-se com a herdeira norte-americana Nancy Shevell há oito dias.

A casa de leilões afirma que a carta deve ser vendida por cerca de R$ 19 mil quando for a leilão, no próximo dia 15 de Novembro.